HEAVY MENTAL

Y es-tu ? Que fais-tu ?

2012-03-04T00:00:00.006+01:00

C’est dimanche et on s’emmerde.

Alors on écoute les nouveaux enregistrements de Loup mis en ligne sur le web label Audition records. Cela s’appelle The Opening et bénéficiera d’une sortie physique sur Gaffer records au mois de juin prochain. Que la photo de la « pochette » de cet enregistrement soit signée (ahem) Hazam Modoff ne signifie absolument pas que j’ai un quelconque intérêt dans cette parution (ce qui ne m’empêche pas d’être très content).

Et pendant que l’on y est et puisqu’il n’y a vraiment rien à faire aujourd’hui, autant aller également faire un petit tour dans le catalogue très fourni d’Audition records : on remarque entre autres un Live Archives 2000 - 2005 des suisses de Monno ainsi que des enregistrements du collectif lyonnais d’improvisation H.A.K., du batteur Paul Hession ou de Mat Pogo (que l’on connait pour son duo Pokemachine en compagnie d’Anders Hana de MoHa!).

De quoi passer une belle journée à découvrir des musiques que l’on ne connait pas ou alors très mal. Profitez-en bien.

Jean-Luc Guionnet - Seijiro Murayama / Window Dressing

2012-03-02T00:00:00.010+01:00

Seijiro Murayama est un subtil percussionniste japonais désormais confortablement installé – on ose l’espérer – en France depuis de nombreuses années et il a publié au cours de l’année 2011 deux enregistrements magnifiques et essentiels sur le label Potlatch dédié aux musiques improvisées et bien connu des amateurs du genre. Voici l’un de ces deux disques, Window Dressing, en duo avec l’altiste Jean-Luc Guionnet (encore tout récemment évoqué ici à propos de l’album Bird Dies de The Ames Room). Il ne faut absolument pas se fier à la photographie, d’ailleurs signée Jean-Luc Guionnet, servant d’illustration à ce disque délicat et exigent : si on pense y découvrir une scène de lutte assez âpre entre deux hommes, au contraire les quatre pièces de Window Dressing éradiquent d’emblée toute idée de violence physique voire même de confrontation. Le silence ou plutôt les silences sont placés au cœur d’un disque dont l’écoute ne nécessite qu’un seul petit effort, celui du recueillement.

Ainsi on n’entend que très rarement des notes sur Window Dressing, tout au plus y découvre-t-on des sons et encore ceux-ci sont loin de faire l’objet d’une quelconque construction apparente ou d’un réel agencement formel. Car tout se passe à l’échelle du ténu (et non pas tenu), du presque émis et donc de l’évènement imperceptiblement palpable et de la surprise lorsqu’un son ou une suite de sons dépassent la ligne de crête observée par tous les autres. Musique de l’effacement, de petits bruits et surtout musique abstraite, les dialogues micro-bruitistes de Jean-Luc Guionnet et de Seijiro Murayama ressemblent à ces vieilles maisons qui grincent sous le poids des ans, ces canalisations qui fuient, ces cornes de brume estompées par le brouillard d’un port baltique, ces toupies qui s’échouent sur le froid du carrelage, ces grincements de mécaniques invisibles mais omniprésentes ou ces bruits de pas qui s’effacent sur du gravier : une musique très urbaine car on aurait du mal à y retrouver une quelconque trace tangible de la nature terrestre mais en même temps une musique qui ne recourt pas prioritairement à l’électricité.

Sans directement évoquer quoi que ce soit de la nature en tant que telle, les quatre pièces de Window Dressing ont par contre un mode d’expression des plus naturels car les mécaniques détraquées mises en scène ici ne le sont que de manière impromptue, éphémère et accidentelle, des bribes de dialogues entre deux musiciens, comme si ceux-ci étaient plongé chacun de leur côté dans leurs propres pensées à propos d’un sujet commun et que, à chaque fois que leurs pensées se rejoindraient malgré eux, il en résultait cette force d’attraction ou ce cliquetis magnétique, en clair ce son ou ces sons que nous les auditeurs entendons, en dehors de toute signification rationnelle et préméditée. Window Dressing a ainsi tout de la rêverie.

La première pièce de Window Dressing est aussi la plus longue et a été enregistré pour une émission de radio slovène. Les trois suivantes ont été captées par Eric La Casa à l’aide d’un micro stéréo placé sur une perche : un enregistrement mobile et donc dynamique, jouant considérablement sur les sons. La dernière pièce ferait ainsi presque figure de musique électroacoustique tant les sons captés et donc diffusés semblent encore plus détachés des sources instrumentales qui les ont produits. On se plairait à assister à un concert déambulatoire du duo Seijiro Murayama - Jean-Luc Guionnet, avec les deux musiciens évoluant selon leurs désirs entre les personnes du public, tout doucement, leurs effleurements et leurs mouvements perturbants d’autant leur musique. Une vue de l’esprit, assurément.

La Pince / Self titled

2012-03-01T00:00:00.014+01:00

Cela fait plusieurs semaines – plusieurs mois ? – que ce disque traîne sur l’une des étagères à bordel/étal de boucher dans les bureaux high-tech de 666rpm. Un hasard tout ce qu’il y a de plus malencontreux a permis à cet enregistrement sans titre de La Pince de refaire surface (mais on y reviendra juste après parce que le hasard, c’est comme dieu ou l’honnêteté en politique, ça n’existe pas).

Il ne paye vraiment pas de mine ce CDr, mais j’aime bien sa pochette fabriquée avec je ne sais quel revêtement mural amianté et arraché de la déco ringarde d’une cafétéria de centre commercial, un bout de plastique recousu à la machine et repeint au pochoir dégueulasse. Devant uniquement le nom de groupe, LA PINCE, et derrière ce merveilleux outil dont se servent les tortionnaires avisés du monde entier pour arracher des aveux à des pauvres menteurs forcément coupables. Un symbole universel donc de l’état avancé et supérieur de nos civilisations dites développées.

A l’intérieur on trouve une photocopie avec des jolis croquis montrant des pinces à linge présentées dans toutes les positions dont la ménagère lambda rêve la nuit – précisons qu’une pince à linge est tout de même nettement moins pratique et efficace qu’une pince monseigneur pour faire obéir son épouse et lui faire recouvrer le chemin du bon sens et de la religion – mais par contre on ne trouve sur cette photocopie aucune indication quant à l’origine géographique de La Pince. Personnellement j’hésite entre l’est de la France et la Belgique, allez savoir pourquoi mais je n’ai pas osé aller le demander au groupe.

Le disque en lui-même ne comporte que huit titres (17 minutes de musique, c'est la dure loi des restrictions budgétaires propres au D.I.Y.) d’un punk très catchy et très noisy. On peut regretter que la voix soit autant mise en avant mais cette voix, très appuyée et aigue, a l’air de raconter trop de drôles de trucs, avec une façon de faire que pour résumer et pour faire très (très) vite on placerait volontiers entre l’arrogance d’un Jello Biafra encore très jeune et les éructations d’un Eric Paul (Arab On Radar/Chinese Stars/Doomsday Student) pas encore ventripotent.

Mais il n’y a vraiment pas d’hystérie trop radicalement foudroyante et encore moins de hardcore ici, plutôt une nervosité assez posée, chaotique certes mais jamais jusqu’à l’absurde ni l’illisibilité : le punk noise de La Pince est avant tout servi par de grosses lignes de basse et une batterie concassée sur lesquelles chant déraisonné et guitare acide viennent se greffer. Du bon petit boulot. Et je suis sûr que ces jeunes gens de La Pince sont finalement tout ce qu’il y a de plus fréquentables – à oui, tiens, j’allais oublier de placer dans cette chronique haut de gamme mon jeu de mot favori du jour : j’en pince déjà pour eux (merci de rire mais uniquement lorsqu’on vous le demande).

Ce disque a été entièrement réalisé et assemblé à la main (la supériorité notoire du D.I.Y. sur toutes les autres formes de production musicale) à seulement 157 exemplaires.

Le groupe est actuellement de retour d’une triomphale tournée européenne en compagnie des excellents Tentaculos. Ils s’arrêteront pour une date lyonnaise – le voilà donc ce fameux hasard ! – ce vendredi 2 mars au bar des Capucins, en bas des pentes de la Croix Rousse et juste à côté de l’Eglise de Scientologie, un chouette endroit donc. Ce même soir il y aura également Gameboy Physical Destruction au programme (clic sur l’image si tu veux tout savoir).

Pal / And Out Your Mouth

2012-02-29T00:00:00.009+01:00

PAL* est un duo originaire de Toulouse et qui sort son tout premier album, And Out Your Mouth, à la fois chez Rat Romance et chez Prototype records. Pal c’est un type à la guitare et à la voix et un autre type à la batterie et éventuellement aux hurlements dans le fond. Il paraitrait que ce dernier est même l’ancien batteur des excellents Quartier Rouge, qu’il a aussi joué dans Breath Your Dirt (comme le chanteur de Morse) et qu’il serait le batteur actuel des énormes Stuntman, groupe dont je rappelle que l’album The Target Parade a réussi à se colleter l’une des dix premières places du Tope Of The Dope 2011 de 666rpm. Toutes ces précisions inutiles (parce qu’elles ne parlent aucunement de musique), c’est uniquement pour vous situer un peu le niveau de ces deux là et surtout pour donner une toute petite idée du registre auquel il faut s’attendre avec Pal. Juste une petite idée mais également bien incomplète.

Le duo frappe ainsi très fort avec ce premier album tout de nerfs à vif et de fureur. C’est même sacrément bon et foutrement bien abouti. Du hardcore hyper dense, très technique, violent, saignant et avec un son brut et vicieux – un son que d’aucun qualifierait de sludge, si ça peut vous faire plaisir je ferai pareil, bien que cela ne signifie pas réellement grand-chose. Mais si on entend par là une certaine filiation avec un groupe tel que Black Cobra – trop facile : Black Cobra est également un duo guitare/batterie et voix – on admettra alors qu’il y a bien de ça dans Pal, c'est-à-dire le même genre de hardcore déchainé, teigneux et sale.

Le guitariste doit avoir un chargeur à riffs dans l’avant bras, comme sur un pistolet mitrailleur, c’est du moins ce que l’on pense en découvrant Far Beyond Couscous, un premier titre (presque instrumental) puis Mudslide, un deuxième titre plus lent, chanté, bourré d’idées sauvages et d’accélérations superbes. Deux titres et Pal a déjà tout bon. La suite l’est tout autant et c’est par exemple Beewar, un nouvel instrumental qui après une belle intro (Cursed) alterne passages lents et torrents de violence, ou les très impressionnants et complexes Dumbledarkthrone et Gazalleluia** qui raviront les amateurs de riffs gras et bien placés.

Pal joue décidemment très technique mais surtout très jouissif : derrière le savoir-faire, derrière la science du riff qui tue, derrière les plans de batterie qui assassinent, il y a toujours un incroyable feeling hardcore, du rentre-dedans de première catégorie. Et que la musique du groupe soit majoritairement instrumentale ne lui est guère préjudiciable : les apparitions des voix – ou de terribles hurlements (l’excellent American Crooostysearg) – représentent un paroxysme supplémentaire dans la brutalité et la colère de Pal. Sincère et direct, And Out Your Mouth est également un disque que l’on réécoute de suite, tellement il arrive à faire du bien. Une bonne décharge d’adrénaline.

Aux dernières nouvelles les deux Pal seraient déjà en train de préparer une suite à And Out Your Mouth (officiellement publié en juin 2011). Il faut donc s’attendre pour cette année 2012 à un nouvel album que l’on espère aussi bon que celui-ci ainsi qu’à une tournée triomphale des caves des bars de France et d’ailleurs. Vivement.

[pour contacter Rat Romance c’est par ici. Pour visiter Prototype c’est là]

* oui c’est de plus en plus courant et oui c’est bien une page F***book, un endroit où justement tu peux te faire plein de nouveaux pals

** la teneur de tous ces titres, aussi absurdes que bourrés de private joke, n’aura bien sûr échappé à personne

Report : Loup + DDJ au Périscope - 24/02/2012

2012-02-28T00:00:00.021+01:00

Une belle affiche free jazz/noise machin truc avec LOUP et DDJ en concert au Périscope. Mais contrairement à ce qui était annoncé à l’entrée de la salle, il ne s’agissait nullement d’une double release party. DDJ proposait effectivement un nouvel album mais celui de Loup ne paraitra lui qu’au mois de juin prochain, sur Gaffer records.

Le Périscope est malheureusement resté bien vide, sans doute parce que au même moment de l’autre côté de la ville se déroulait Le Festival de La Jeunesse de la Honte* en soutien à S’Etant Chaussée, organisateur de concerts lyonnais bien connu mais néanmoins sur la paille (comme tant d’autres). Et puis il faut dire également qu’un prix d’entrée à 9 euros pour deux groupes plutôt inconnus pouvait se révéler dissuasif… du moins voilà un tarif qui n’incite ni à la découverte ni à la curiosité et heureusement que j’ai pu dégainer ma carte de chômeur professionnel pour pouvoir bénéficier du tarif réduit à 7 euros.

Il ne s’agit pas de polémiquer car les temps sont durs, aussi bien pour les organisateurs de concerts que pour les amateurs de musique(s) mais il y a forcément un moment où les choses ne seront plus possibles : le point d’équilibre entre rentrer dans ses frais ou se faire un petit peu d’argent pour les groupes/organisateurs et ne pas se ruiner pour aller voir un concert est de plus en plus difficile à trouver.

Loup – duo composé de Clément Edouard** et de Franck Gaffer/Sheik Anorak et groupe que l’on connait bien ici – a été invité par le périscope pour assurer la première partie de ce concert et c’est tant mieux : c’est toujours avec grand plaisir que l’on revoit ces deux là, et leur mélange de free jazz barré, de rock bruitiste, de manipulations sonores et de drone indus est toujours plus intrigant et plus passionnant.

Même si on a déjà vu et entendu les deux musiciens sur une scène un nombre incalculable de fois on est toujours surpris par la vitalité et le dynamisme de leur musique qui donc ne s’embarrasse guère de codes musicaux mais sait très bien les utiliser pour autre chose et propose quelques angles d’attaque et points de vue différents. Les deux musiciens ont des backgrounds à priori dissemblables – Clément est un vrai jazzeux, Franck vient du punk et de la noise – mais ils sont aussi esthètes l’un que l’autre, ont les oreilles grandes ouvertes et finalement beaucoup de points de convergence.

Dans le cas de Loup le terme de collaboration prend ainsi tout son sens et débouche logiquement sur une musique qui possède indéniablement la plus grande des qualités : l’immédiateté.

C’est la deuxième fois que je vois le trio DDJ en concert. DDJ comme la première lettre du nom de chaque musicien qui compose le groupe : Benjamin Dousteyssier au saxophone baryton, Julien Desprez*** à la guitare et Yann Joussein à la batterie. Et DDJ présente ce soir son deuxième album, Everybody Happy ?**** qui vient tout juste de paraitre sur Coax records (le label du collectif du même nom et dont IRèNE fait également partie).

Lors du concert à Buffet Froid le côté découverte et surprise avait sûrement pris le pas sur tout le reste. Dans le cadre beaucoup plus feutré et nettement plus confortable du Périscope il en a été tout autrement. Je (re)découvre un groupe encore plus énervé et tendu et après une introduction guitare/batterie à faire vibrer de bonheur tout amateur blasé et quarantenaire de noise rock, le saxophone baryton fait son entrée et DDJ décolle immédiatement en direction de la sonicsphère.

Je ne sais donc pas ce que ces trois là avaient mangé ou consommé avant le concert, je ne sais pas s’ils avaient ou pas une bonne raison d’être ainsi énervés mais DDJ a largement explosé les vumètres et les quotas généralement admis en matière de freeture volcanique et de free noise tout court. L’une des particularités de DDJ c’est l’utilisation d’un saxophone baryton – un instrument bien trop rare et pourtant tellement porteur de beaux sons alliant abrasivité et tellurisme mais aussi rondeur et expressivité – or il faut bien admettre que c’est la guitare qui s’est taillée la part du lion. Mais on admet également qu’elle n’aurait pas pu le faire sans l’appui d’un saxophone aussi inventif et de cette batterie vraiment convaincante dès qu’il s’agissait d’allier puissance et flamboyance.

Julien Desprez – nommons-le puisque c’est de lui que l’on parle – a tout simplement un vrai son de malade. Il ne joue pourtant pas très fort, la bourrinade n’a pas droit de citer ici, ce qui lui permet au contraire de jongler sur l’équilibre entre violence du son et fourmillement des détails. Des détails son jeu n’en manque précisément pas, une délicatesse certaine, un touché particulier et une façon de manipuler sa guitare, presque du bout des doigts, qui contraste avec les sons qui en sortent.

[DDJ a joué un premier set et tout le monde croyait que le groupe allait s’arrêter là. Mais après une courte pause les trois musiciens sont remontés sur scène pour une dernière et courte partie encore plus explosive]

* festival qui apparemment ne s’est pas aussi bien passé que ce qu’il aurait du, la connerie humaine n’a pas de limite même dans les milieux DIY

** il est également membre des Lunatic Toys qui fêteront la sortie de Briciola, leur deuxième album et le premier pour Carton records, le 8 mars prochain au même endroit

*** il joue dans IRèNE aux côtés de Clément Edouard mais on le retrouve également au sein d’un énigmatique trio nommé Q

**** un album dont on reparlera ici très bientôt, tout comme celui de Q qui vient de paraitre chez Rude Awakening

Report : The Good Damn et OTTO aux studios PWL - 23/02/2012

2012-02-27T00:00:00.017+01:00

Le concert surprise de la semaine. Et une bonne occasion de la ramener (un peu) et de se la raconter (beaucoup)*. Lorsque il y a quelques jours est arrivé ce mail parlant d’un concert « privé » aux Studio PWL avec à l’affiche The Good Damn et OTTO, mon cœur a tout simplement fait un bon terrible. On sait bien que c’est l’un des guitaristes des Good Damn qui s’occupe des studios PWL et comme les OTTO sont de leurs amis et qu’ils effectuaient alors une mini tournée de trois ou quatre jours dans la région (le 24 février à Chambéry, le 25 à Annecy et le 26 retour à Lyon, à l’Epicerie Moderne), l’idée de ce concert un peu spécial et en guise de préambule a germé tout doucement mais sûrement. Il s’agissait également pour The Good Damn de profiter de l’occasion pour présenter quelques uns de ses tout nouveaux titres.

On le comprend, voilà une invitation qui ne pouvait réellement pas se refuser… et donc, jeudi 23 février, direction Lyon Vaise, ses embouteillages, son cinéma multiplexe inutile puis arrivée au PWL où déjà je m’émerveille des vieilles bécanes qui hantent le studio. Le concert va lui se dérouler dans la cave (les concerts dans des caves ce n’est pas comme si on n’en avait pas l’habitude à Lyon depuis les déboires de Grrrnd Zero) et The Good Damn a décidé de jouer quasiment dans le noir, uniquement éclairé par des petites bougies placées dans les aspérités du mur. Un vrai cauchemar technique pour qui tenterait de prendre des photos.

L’idée de dévoiler à un parterre d’invités (vieux amis du groupe, connaissances en tous genres mais tous amateurs de musique) des nouveaux titres encore en plein process était une très bonne idée. Or, dans l’esprit, il ne s’agissait que d’une présentation toute simple alors que nombre de personnes s’attendaient sûrement à un véritable concert en bonne et due forme. The Good Damn n’aura donc joué que trois titres (que j’ai beaucoup aimés, particulièrement le dernier), cueillant le public un peu à froid – peut être eut-il mieux valu jouer d’abord deux ou trois compositions anciennes et (re)connues pour chauffer tout le monde, y compris les musiciens du groupe, puis présenter ces nouveaux titres et terminer enfin, parce que c’est bon aussi de se faire mousser, sur l’un des titres phares de l’album I Can Walk With My Broken Leg (au hasard : The Hill ou Self Made Man).

Mais il n’en fut pas ainsi et il y a eu une certaine frustration. Ce qui n’a pas empêché d’écouter et d’apprécier trois nouvelles compositions (donc), trois compositions peut-être plus psyché, moins axées sur le swamp et le blues. The Good Damn essaie visiblement de varier un peu ses atmosphères et cela va bien au groupe. Il y avait ce titre très étonnant avec du mellotron et surtout le guitariste/chanteur du groupe délaissant pour la première fois sa guitare pour s’installer derrière un clavier. On sent les idées nouvelles qui fusent mais qui respectent aussi (peut-on réellement le formuler ainsi, ça je n’en suis pas très sûr) tout ce que The Good Damn a déjà accompli jusqu’ici.

Ce que tout le monde n’avait donc pas réellement compris, c’est que cette soirée était avant tout un concert d’OTTO. Inviter un groupe que personne ne connait sur Lyon alors que le groupe en question est constitué d’amis et dans le seul but de le faire connaitre à d’autre amis était vraiment une belle initiative et une belle façon de faire de la part de The Good Damn. Mais je regrette encore que tant de personnes aient rapidement quitté la cave pour discuter à l’air libre ; par contre toutes celles et tous ceux qui sont restés ne l’ont pas regretté.

Il est plutôt difficile de trouver les mots justes pour expliquer que l’on a vraiment aimé un concert. Mais par contre dans ce cas précis j’ai trouvé dès le lendemain et complètement par hasard une bonne petite méthode de substitution, une méthode détournée bien sûr… en réécoutant le CD qui regroupe les démos/EPs de OTTO** je me suis donc aperçu que le concert de la veille avait effacé les quelques idées trop préconçues exprimées il y a presque un an à propos de ce beau disque et qu’il avait même éliminé les petites réticences exprimées alors. C’était à la fois comme une confirmation et comme une redécouverte.

La principale chose c’est qu’OTTO n’est pas un groupe aussi sérieux que sa musique pourrait le laisser croire. Ce sont même des sacrés déconneurs et ils sont plus inconscients (innocents ?) que sciemment tarés et pas du tout poseurs***. Les projections (diapositives et calques sur rétroprojecteur) font partie intégrante d’un concert d’OTTO : le jeune homme qui manipulait tout ce matériel chantait même de temps à autre, pas vraiment pour lui, non, plutôt suffisamment fort pour être entendu de tous (le bassiste et le batteur du groupe faisant la même chose). Il y avait alors dans l’air comme une ambiance de chants de marins, une sorte de mélancolie braillarde telle que les Movie Star Junkies savent eux aussi si bien la pratiquer. On pourrait également parler de ce titre interprété avec le batteur et le bassiste jouant des percussions au milieu du public.

Et puis il y avait tout cet attirail, ce patafatras invraisemblable d’ustensiles, de percussions additionnelles, de pédales d’effet trafiquées, de bricolage divers. On pouvait déjà soupçonner la présence de tout ceci en écoutant les enregistrements mais à voir en vrai cela devenait presque incroyable. On se serait cru en face de l’étal d’un chiffonnier au marché d’Argenteuil avant guerre avec en exposition à peu près tout et n’importe quoi mais que des choses parfaitement à leur place car possédant toute une utilité propre.

Quant à la musique d’OTTO et bien je n’ai rien à rajouter sur tout ce que j’en ai déjà dit auparavant : belle, forte et déglinguée. Et parfaite jusque dans ses moindres défauts, terriblement mais magnifiquement humaine, donc.

* et inversement

** des enregistrements que l’on peut également écouter sur bandcamp, ici et là.

*** enfin si… juste un tout petit peu mais on sentait là comme une part de jeu qui donnait plutôt envie de rire

Dreams are my reality

2012-02-26T00:00:00.005+01:00

C’est dimanche et on s’emmerde. Et en plus les dimanches se suivent et se ressemblent beaucoup trop. Alors on reste bien calé au fond du lit et on écoute l’ambient minimal de Pierre Georges Desenfant (que certaines et certains connaissent peut être sous l’alias de Blackthread).

C’est beau comme un réveil qui n’en finit pas de s’éterniser, comme le sommeil qui tente de reprendre ses droits alors profitez-en, puisqu’il n’y a rien de mieux à faire aujourd’hui, laissez vous porter.

[et appuyez sur la touche repeat, ça ne mange pas de pain]

Papier Tigre / Recreation

2012-02-24T00:42:00.001+01:00

Avec ses deux premiers albums publiés coup sur coup par le Collectif Effervescence – un album sans titre en 2007 puis The Begining Of End And Now en 2008 –, Papier Tigre avait posé les fondations d’une pop noisy et nerveuse, légèrement matheuse sur les bords mais terriblement poignante et surtout possédant une force de composition peu commune, alliant complexité formelle et sens mélodique imparable. Dès le départ Papier Tigre était une vraie machine à tubes. Le seul élément négatif concernant ses deux premiers disques était que The Begining Of End And Now était en quelque sorte redondant pas rapport au premier album.

Depuis Papier Tigre a enchainé les concerts aux quatre coins de la Terre, allant jusqu’en Asie et en Chine, et le groupe n’a pour ainsi dire pas arrêté de tourner en non-stop. Il était donc temps pour le trio nantais de poser un peu ses valises, de réviser les guitares et d’envisager un nouvel et troisième album. Ici on se plait justement à imaginer que Recreation, ce fameux troisième album, s’intitule ainsi parce qu’il marque une pause certaine dans l’activité intense de concerts de Papier Tigre. Et Recreation est à la fois une confirmation pour le trio et un passage à la vitesse supérieure.

L’album ne va certes pas dérouter les fans déjà acquis à la cause du groupe. Mais gageons que Papier Tigre ne pourra qu’en gagner de nombreux autres. Sur ces dix nouvelles compositions on retrouve avec bonheur tout le style de ces trois garçons, c'est-à-dire un mélange délicat et osé de pop ultra mélodique et accrocheuse, de complexité instrumentale et de rock noisy toujours élégant. L’élégance et la précision sont les deux caractéristiques du trio mais jamais au détriment de l’immédiateté, de l’organique et de la chaleur. Or, question émotions fortes, Recreation se situe aussi largement un cran au dessus de ces deux prédécesseurs, alignant une série de compositions fortes et imparables, d’un niveau que Papier Tigre n’avait encore peut être jamais atteint auparavant.

Ils se bousculent donc les tubes immédiats et accrocheurs sur Recreation : I’m Someone Who Dies, le très exotique Chimera, Home Truth, Afternons, Parents And Neighbours ou Wandering Cage, tout simplement sublime. Mais il y a également toutes les autres compositions, des compositions dont l'excellence est peut être moins flagrante à la première écoute mais qui se révèlent elles aussi d’une richesse et d’une plus grande profondeur encore : This And That And More Of This And That fait partie de cette catégorie là, tout comme The Later Reply (peut être le meilleur titre de Recreation avec sa beauté très émouvante) ainsi que Demand et le magnifique Teenage Lifetime

Pourtant on n’affirmera non plus jamais – que ce soit à propos des titres tubesques que des titres plus introspectifs – que la façon de composer de Papier Tigre est des plus évidentes. Le groupe n’a même pas son pareil pour truffer ses chansons d’un ou plusieurs breaks qui en moins d’une demi mesure vous catapultent tout à fait ailleurs. Ce propos constamment digressif et ce refus du couplet/refrain pourtant étalon de toute pop song qui se respecte et alors que le groupe retombe toujours sur ses pattes avec (précisément) toute l’élégance du félin sont définitivement la marque indélébile de Papier Tigre. La marque d’un grand groupe.

Recreation est publié conjointement pas deux labels – Murailles Music et Africantape – et sortira très officiellement le 5 mars.

Kouma / self titled

2012-02-23T00:00:00.008+01:00

Kouma est un jeune trio de free jazz basé à Lyon. Dans le line-up du groupe on retrouve avec bonheur Romain Dugelay au saxophone, un musicien que l’on avait pu découvrir il y a déjà quelques temps avec R.Y.R (aux côtés de Yoann Durant d’IRèNe et de Kandinsky ainsi que de Rodolphe Loubatière). Mais dans Kouma on compte également Damien Cluzet à la guitare ainsi que Léo Dumont à la batterie. Le premier joue dans Ukandanz, quant au second il joue également dans Tût ainsi qu’au sein de nombreuses autres formations. Kouma fait en outre partie des groupes du Grolektif, joyeux kolkhoze jazzeux de musiciens indépendantistes gravitant autour du Périscope (une chouette salle de concerts où les lyonnais sont de plus en plus amenés à se rendre ces derniers temps).

Ce CD est la toute première trace discographique de Kouma et il étonne déjà par sa maturité et toute son originalité. Principale raison à cela : le line-up vraiment inhabituel du trio puisque abritant un saxophone baryton ainsi qu’une guitare baryton elle aussi – le son de Kouma est aussi peu commun que personnel, travaillé que puissant et finalement pas toujours si (free) jazz que cela. En particulier le guitariste a cette façon insistante de plaquer des accords secs et/ou dissonants qui rappelleront à certains mélomanes l’entrain virulent de quelques groupes de noise : Damien Cluzet ne joue pas beaucoup de notes à la suite, évite les gratouillages en forme de solo pénible à supporter et a donc une approche plus sonore et (disons) « texturelle » de son instrument. Le jeu de batteur sort également des sentiers battus : pour nos amis rockers bobo-ethniques et autres ennemis punks à chiens, on signalera par exemple que la rythmique du très vivifiant Krach #2 semble tout droit tirée d’une composition des excellents The Ex. Léo Dumont a une frappe précise, absolument pas basée sur un quelconque groove swinguant, assez concassée et tribale il faut bien le dire mais pas vraiment rock non plus (trop de mesures bancales et de breaks voltigeurs) mais pas typiquement jazz pour autant. Comme beaucoup de batteur cascadeur il est avant tout la cheville ouvrière et la charnière d’une musique aussi énergique qu’imaginative.

Kouma joue donc beaucoup sur la puissance, le volume et la densité. Ce qui n’empêche pas le (power) trio de savoir momentanément calmer le jeu (Tangente pourtant parcouru de déflagrations du plus bel effet). Et finalement l’élément le plus « jazz » et logiquement le plus mélodique chez le trio est son saxophoniste. Lequel nous fait donc la joie de jouer exclusivement du saxophone baryton, instrument rare s’il en est (dans les formations actuelles et modernes je ne vois que les parisiens de DDJ qui jouent un peu sur le même terrain que Kouma), instrument difficile au niveau du rendu, épuisant parait-il et parfois difficile à maîtriser mais tellement porteur de belles et fortes sonorités… ce dont Romain Dugelay ne se prive absolument pas tout en sachant jouer à merveilles avec le côté très frontal et abrasif de son instrument pour une expressivité toujours passionnante.

Suzanne' Silver / Deadband

2012-02-22T00:00:00.009+01:00

Si j’avais écouté les conseils de cet ami qui prétend qu’un disque avec un artwork dégueulasse ne peut pas être un bon disque – cet ami écoute aucune sorte de metal (mais il écoute du dubstep donc ça ne veut rien dire) –, si j’avais écouté cet autre ami qui m’affirme sans cesse qu’il sait reconnaitre un vrai mauvais groupe rien qu’à la stupidité de son nom – cet autre ami ne connait pas Chevreuil, Pneu, Poutre, Burne, Ultracoït, etc. – et si j’avais prétendu pouvoir apprécier ou non ce LP après simplement deux premières écoutes, je n’aurais pas insisté plus que ça. Car Deadband de Suzanne’ Silver, malgré tous les handicaps décrits ci-devant, est un bon disque et surtout un disque qu’il faut laisser infuser, un disque bien plus riche et intrigant qu’il n’y parait. Un disque qui nécessite d’avoir autre chose que des œillères et de l’intransigeance en matière de politique culturelle générale et d’anathèmes esthétiques.

Pourtant on ne sait pas trop comment le prendre ce Deadband. Et on s’interroge sur la vraie nature de Suzanne’ Silver… pas vraiment rock ou plutôt très mollement rock, un peu arty mais surtout extrêmement dilettante, pas réellement jazz mais un peu quand même, bluesy à ses heures, bruyant par ci par là, bref la principale qualité de ce groupe est qu’il constitue une énigme. Mais une énigme à laquelle on s’accroche, dont la signification vous échappe, dont les buts demeurent mystérieux, avec un rien d’exaspération et pourquoi pas de rejet.

Le rejet c’est par exemple ce trip mollasson et les fausses crooneries de Green Ocean Breeze, cette façon abominable qu’a le chanteur de placer sa voix en susurrant… et puis ça ne dure pas. Et puis ça revient. Pour mieux disparaitre à nouveau. Suzanne’ Silver a tout de la girouette sans en avoir vraiment l’air et nous aussi, on se tourne puis on se retourne avec et contre le vent, sans pour autant pouvoir comprendre ou même deviner d’où il va souffler pendant les deux mesures et demi qui suivront après. Quand il y a trop d’évidences – cette intro éléphantesque de Wave A Surfer Waits est vraiment drôle alors que la suite deviendrait presque tendue – le meilleur moyen c’est de les éclater au passage et d’en installer d’autres à la place. Sans en avoir l’air. Même pas en se moquant. Avec une instrumentation à géométrie, voire géographie, variable.

Suzanne’ Silver et Deadband naviguent donc en eaux troubles mais avec une facilité évidente – une facilité bien dissimulée par une fausse léthargie, on l’aura bien compris – qui aboutit à un paradoxe, aussi magnifique qu’énervant, qui fait que ce groupe et son disque possèdent un côté éclairé. Aucun second degré ici. Aucune ironie. Pas de distanciation. Et pas de contournement des difficultés. Suzanne’ Silver peut être un groupe terriblement arty mais il est toujours d’une fraîcheur incroyable. Pas besoin de comprendre. Il faut aimer, ou pas.

Seul gros défaut, apparent lui aussi, de ce LP vinyle publié par le label Radio Is Down : sa longueur. Huit titres pour une vingtaine de minutes. Et lorsqu’on s’intéresse à la discographie du groupe on s’aperçoit que le premier et précédent album de Suzanne’ Silver, The Crying Mary, date déjà de 2007. Ces mecs prennent leur temps et pour pas grand-chose. Pourtant on ne saurait rien ajouter ou retrancher de Deadband. Une sorte de perfection dans l’insaisissable.

Report : Verdun, Morse et Quartier Rouge aux Capucins - 18/02/2012

2012-02-21T00:00:00.007+01:00

Alors, alors, voyons voir… que faire en ce joyeux* samedi soir ? Allez à un concert avec à l’affiche les affreux Catholic Spray se secouant la hype pseudo garage sur des cohortes de fans transis d’amour et béats d’admiration ? Jamais de la vie. Plutôt crever, même. Surtout que le même soir les Capucins accueillent dans leur cave un autre concert, estampillé lui 100 % défouraillage, 100 % fureur et chaos et 100 % brutal**. Une affiche regroupant Verdun et Morse (deux groupes de Montpellier) ainsi que Quartier Rouge (de Paris) – maintenant je regrette que les toulousains de Pal n’aient pas également fait partie du programme comme initialement prévu, l’écoute de leur album And Out Your Mouth (sur Rat Romance et Prototype records) s’étant révélée particulièrement excitante***.

Une quarantaine de personnes se sont donc entassées dans la cave des Capucins et je m’amuse du contraste par rapport au concert de la veille avec les excellents One Lick Less, un concert peuplé de gens qui s’habillent bien pour sortir de chez eux. Là ça sent plutôt le métalleux, le cheveu gras et la bière tiède. On ne peut alors que se dire que c’est parti pour une bonne soirée.

Les Verdun jouent en premier et ils ont un (presque) nouveau guitariste parce que l’ancien s’est fait la malle il y a deux mois : le remplaçant n’est autre que celui qui a concocté ce gros son de bâtard qui illumine The Cosmic Escape Of General Masuka, le long EP que Verdun a récemment publié chez Head records. Le disque en question est vraiment bon aussi j’en attends beaucoup du groupe.

Après un titre d’intro pour faire chauffer et tourner la machine, les choses sérieuses commencent enfin avec Last Man Standing, mon titre préféré du EP et je crois bien que cela aurait pu suffire à mon petit bonheur égoïste. En concert le côté Electric Wizard de Verdun ressort encore plus, pas le Electric Wizard un peu mou, lorsqu’il est trop contaminé par la weed et les gang bangs satanistes sur internet, mais plutôt un groupe à la fois lourd et spatial, impétueux et imparable. Le chanteur de Verdun – un petit tatoué qui ne fait pas rire dès qu’il ouvre la bouche – est particulièrement impressionnant et son chant est encore plus varié et maîtrisé que ce que j’aurais supposé.

Malheureusement, le mur du son de Verdun se heurte violemment à celui de la proverbiale froideur lyonnaise, cet espèce d’attentisme poli qui refroidirait même le plus volontaire des groupes – quelqu’un dans l’assistance, un immigré d’origine montpelliéraine justement mais installé à Lyon depuis de nombreuses années, tente une explication à voix haute et avec un brin d’humour, ce qui détend un peu l’atmosphère mais pas jusqu’au point de rendre complètement justice au doom de Verdun.

Morse joue en second. Le groupe pratique un hardcore chaotique typique du début des années 90 et super bien foutu, il ne manque absolument rien et surtout pas une hargne généralisée et vraiment méchante. Surtout Morse est doté d’un chanteur qui ne fait absolument pas semblant et passe son temps à foncer dans le public pour aller le chercher et le faire bouger. Une bonne méthode.

C’est apparemment exactement ce qu'il fallait faire pour réveiller un peu le public lyonnais, la provocation – provocation bon esprit s’entend – fonctionne rapidement à plein et, miracle parmi les miracles, ça finit par bien bouger parmi les gens venus assister au concert. Le pit chauffe, la cave monte en température, de la transpiration animale commence à couler et de la buée se colle sur les pierres de la voute et les objectifs des appareils photo. Morse fait peut être preuve de pas énormément d’originalité mais côté conviction et efficacité communicative c’est du tout bon. En plus le guitariste a vraiment un son qui fait mal et la rythmique assure aux taquets.

En dernier ce sont donc les parisiens de Quartier Rouge qui s’y collent. Malgré des problèmes techniques et du retard à l’allumage, le tout premier concert de Quartier Rouge auquel j’avais assisté (exactement au même endroit il y a un an) avait été une bonne surprise. Je retrouve donc les mêmes gugusses sauf que je ne reconnais pas le joueur de Moog qui maintenant porte les cheveux courts.

Une certaine nervosité pour ne pas dire une certaine tension est pourtant palpable entre les membres du groupe, ils se parlent entre eux un peu comme des chiens et quelque chose me dit qu’ils ne font pas semblant. Une fois le groupe installé, il y a comme un moment de flottement, le chanteur semble regarder dans le vide puis toise ses petits camarades de jeu… lorsque Quartier Rouge commence à jouer le groupe est déjà en équilibre dangereux sur les lignes de crête. Sans pitié ni aucune retenue.

De l’avis de certaines personnes qui ont déjà vu le groupe au moins une dizaine de fois en concert, il s’agissait ce soir là de l’une des meilleures prestations que Quartier Rouge ait jamais données – après le concert notre joueur de Moog a confirmé cette vision des choses. Et effectivement, pour moi qui ne les voyais que pour la seconde fois, donc théoriquement sans trop d'effet de surprise, le concert a été énorme. Bien barré, bien fou et malgré tout (et finalement surtout) extrêmement bien maîtrisé. Avec un batteur et un guitariste comme ça on comprend pourquoi. De leur côté, l’ex-chevelu au Moog qui finira le concert complètement à poil et le chanteur, très crooner punk as fuck, sont les éléments perturbateurs et instables du groupe. Maintenant j’ai hâte d’entendre un jour un enregistrement de Quartier Rouge avec ce line-up précisément – parce que sur l’album il n’y a pas de Moog mais une basse à la place – et surtout j’ai hâte de revoir ces mecs faire tout leur cirque en concert.

* et oui, « joyeux »… je ne sais pas si c’est parce que ce week-end était le premier après la période de grand froid de la fin janvier/début février mais apparemment tous les blaireaux de la région s’étaient donnés rendez-vous en centre ville pour faire étalage de leur stupidité et de leur beaufitude – saturday night fever

** un concert organisé par la paire de Burne, merci à eux
*** une chronique, à venir, bientôt, ici même

Report : One Lick Less à La Triperie - 17/02/2012

2012-02-20T00:00:00.026+01:00

Un concert à La Triperie. Bien. Sauf que lorsque je débarque rue Imbert-Colomès, au beau milieu des pentes de la Croix Rousse, je me retrouve nez à nez avec un bâtiment dont le rez-de-chaussée est entièrement muré. Lorsque j’habitais encore dans ce quartier (c’était au siècle dernier) La Triperie était un squat installé dans une ancienne triperie désaffectée (donc), un squat vraiment crade et peuplé de punks à chiens aussi insomniaques que junkies. Naïvement j’ai tout d’abord cru que mon concert avait lieu au même endroit, un bel endroit désormais réhabilité, or le mur de parpaings qui me faisait alors face semblait bien signifier que cet immeuble de la Croix Rousse que je connais bien est resté un vestige de l’ancien temps et résiste toujours à la gentrification et la muséification des vieux quartiers de Lyon.

Renseignements pris, La Triperie en question, celle de 2012, se trouve dans la même rue, juste à côté, au 22, et occupe des locaux qui au cours des années 80 abritaient le Via Colomès, célèbre et très pointu lieu dédié au free jazz et aux musiques improvisées, un lieu alors géré par l’A.R.F.I. et où les pontes du free obscurantiste du monde entier venaient jouer. Un endroit dont j’ai beaucoup entendu parler mais où je n’ai jamais pu me rendre parce qu’il a fermé que peu de temps après mon arrivée sur Lyon*.

Mais qu’importe… c’est donc ici que se trouve désormais La Triperie et c’est ici que va se dérouler le concert du jour – tendrement coorganisé par Active Disorder et Bigoût records – avec à l’affiche Hyacinth Days, Imagho, Sabrina Lorre et surtout One Lick Less.

Hyacinth Days est un one man band et on aurait tort de penser que ce garçon est un loser sous prétexte qu’il utilise encore myspace en 2012 et qu’il ne donne au grand maximum qu’un seul concert par an. En ce qui me concerne, voilà bien deux années que je n’avais pas vu ce bassiste solitaire jouer devant un public. Assis sur une chaise Hyacinth Days a encore dégraissé (si possible) sa formule : avant il utilisait un vieil ordi pour générer un beat de conserve mais il n’y a plus d’ordi ; avant il lui arrivait de chanter sur au moins un titre mais il ne chante plus.

Tout est recentré sur la basse et des compositions courtes mais denses, au fort pouvoir mélodique et rondement menées. Si on admet que souvent les structures des titres se ressemblent, on pense également que ce jeune homme possède un réel talent de mélodiste et que surtout il sait faire sonner son instrument magnifiquement – oui un vrai beau son de basse, sans effets, bien rond et chaleureux a vraiment quelque chose d’envoutant.

Suit Imagho, encore un one man band. J’ai passé tout le concert à me demander où j’avais bien pu déjà voir cette vieille tête là, dans quel groupe du passé – Ultra Milkmaids ? Fragile ?** – et à admirer la technique et le savoir-faire du monsieur pour distiller une musique instrumentale, très orientée post rock sous influence Dead Man avec une pointe d’expérimentation sonore. Certains titres m’ont réellement plu alors que je ne suis habituellement guère friand du genre (qui à mon sens s’accommode bien mieux du home listening et de la pantouflardise). Vu la petitesse de la salle on avait par contre du mal à se rendre réellement compte des jeux de constructions élaborés à l’aide de trois amplifications différentes.

En deuxième partie de concert Sabrina Lorre, comédienne, est montée sur scène. Elle prépare avec Jean-Louis Prades/Imagho un spectacle autour des textes de Richard Brautigan et le duo a pensé profiter de l’occasion de ce concert pour en présenter un « état des lieux ». Malheureusement le résultat ne permettait pas de se laisser suffisamment guider par les textes de Brautigan. On peut dire que le côté musical prenait trop de place et d’ailleurs, malgré tout le bien que l’on peut penser de cet écrivain américain magnifique et à l’écriture subtile mais parfois délirante, est-ce réellement une bonne idée que de l’adapter dans un spectacle incluant également de la musique ?***

Le clou de la soirée c’est bien sûr One Lick Less. J’attends le duo parisien avec une certaine impatience, son disque & We Could Be Quiet ayant particulièrement illuminé l’année 2011 de toute sa finesse et de toute sa beauté. Je n’ai pas été déçu bien qu’un peu surpris par le côté assez frontal du concert – le batteur du groupe m’assurera après que parfois One Lick Less joue davantage sur les flottements, les attentes, le blues qui s’enlise et empoisonne, etc. – mais j’ai complètement été séduit par le dispositif original du duo : d’un côté une batterie minimaliste mais équipée d’un tom basse manipulé à l’aide d’un pédalier, une batterie également régulièrement rehaussée par l’utilisation d’objets, d’accessoires ainsi qu’une impressionnante collection de baquettes en tous genre ; de l’autre côté une lapsteel fabriquée maison, parfois de la guitare et un peu de chant (quelques problèmes évidents de sonorisation au niveau de la voix ont toutefois un peu entaché le concert).

On aura du mal à mettre en mots toute la finesse et toute l’inventivité des compositions de One Lick Less. Avec un côté blues noise évident, le duo s’entiche également d’un peu de mathématiques (le jeu de ce batteur que l’on retrouve également dans Xnoybis est aussi épatant qu’il a l’air naturel : malgré toute la maîtrise mise en œuvre on ne pensera jamais, à le voir se démener, en termes de démonstration) et d’une étrangeté qui n’a rien de perturbante mais génère nombre d’émotions. On pourrait croire qu’il y a du Captain Beefheart dans One Lick Less, mais il y a également un peu de Gastr Del Sol ou de Storm & Stress (celui du premier double album uniquement) et toujours une sensibilité et une poésie musicale, deux choses qui, aussi mystérieuses quelles sont, sont également devenues rares de nos jours. Ce fut vraiment un très beau concert.

* mais juste une rue en dessous, rue des Tables Claudiennes, il y avait le Local, là où les Silly Hornets ont organisé tant de merveilleux concerts punk, hardcore et noise et encore une rue après, rue Burdeau, se trouvait le Wolnitza

** comme on m’a affirmé que Fragile/Hervé Thomas n’avait jamais donné de concerts, j’en ai déduit que ce n’était pas la bonne réponse…

*** plus j’y pense et plus je crois que la réponse est non : ce genre d’expérience me semble d’ailleurs très aléatoire, les textes littéraires sont rarement faits pour ça et seul le travail des poètes sonores me semble y correspondre, puisque ceux-ci écrivent avec l’idée non seulement de rythmes mais avec celle de correspondances sonores – le meilleur exemple actuel étant la collaboration entre Anne-James Chaton et Alva Noto, les interrelations entre la déshumanisation de la scansion de l’un et la répétitivité électronique de l’autre

The Jesus Lizard / Club

2012-02-19T00:00:00.007+01:00

Chroniquer en même temps un DVD et un double LP, oui c’est possible. Club documente le retour sur scène en 2009 et pour une cinquantaine de dates – y compris sur le vieux continent européen – de Jesus Lizard. Le meilleur groupe du monde pour certains, l’un des meilleurs souvenirs de concert pour tous les autres (dont moi). Limitée dans le temps, cette reformation de Jesus Lizard sous son line-up originel – David Yow à la voix, Duane Denison à la guitare, David Wm Sims à la basse et Mac McNeilly à la batterie – avait permis au groupe d’enfoncer le clou puisque en même temps Touch And Go se lançait dans de copieuses rééditions de tous les LPs et de tous les singles ou EPs de Jesus Lizard en version « remasterisée » par Steve Albini. Efficacité de la démarche, marketing de la nostalgie sans trop avoir l’air d’y toucher et Fonds de Pension de Retraite renfloués pour une nouvelle décennie de chaos et de sueur.

La « petite » différence entre cette reformation là et presque toutes les autres c’est que Jesus Lizard n’a rien eu de ridicule. Celles et ceux qui ont assisté aux concerts de 2009 s’en souviennent très bien et sans doute pour encore un paquet d’années à venir – y compris toutes celles et tous ceux qui avaient déjà vu le groupe à la bonne époque. Ensuite, et si tant est que l’on ait encore quelques doutes, ce Club est là pour nous prouver que Jesus Lizard a été à la hauteur de son statut. Un double LP publié par Chunklet et réputé limité à 1000 exemplaires avec un disque tout rouge et un autre tout transparent emballés dans une pochette gatefold. La joie des collectionneurs de belles choses. Les autres se rabattrons sur la version DVD (qui de toute façon inclut tout l’album en mp3) et regarderont les quatre de Chicago se secouer le gras-gras et la calvitie grisonnante au son d’une merveilleuse et sans égal collection de tubes universels. Oui… que des tubes : regroupés sur un double LP ou un DVD, le constat est encore plus flagrant et indiscutable, le constat que Jesus Lizard n’avait pas son pareil pour torcher de la punk song indémodable – seuls les inatteignables Fugazi peuvent battre Jesus Lizard sur le terrain de l’excellence tubesque à chaque coup.

Evidemment on reconnaitra que certaines versions présentes sur Club ne sont pas tout à fait au top du top – mais c’est toujours David Wm Sims qui s’en sort le mieux –, que le son peut laisser à désirer ça et là ou que Duane Denison fout en l’air Then Comes Dudley mais à bien y réfléchir on avait eu le même sentiment en 1996 or à l’époque on en avait rien eu à foutre, plongés qu’on était jusqu’au coup dans la folie de Jesus Lizard en concert et en plein délire. Cette folie c’est précisément ce que retranscrit parfaitement Club et c’est le plus important. Ça et de se rassurer au sujet de David Yow qui est peut être le pire des chanteurs du monde mais aussi l’un des tout meilleurs : il faut l’entendre et le voir chanter dans toutes les positions possibles et imaginables, comme un dégénéré instable tout comme un prince impérial. Maintenant on souhaite simplement que les Jesus Lizard ne remettent pas ça tous les dix ans. Qu’ils crèvent une bonne fois pour toutes.

Kim Phuc / Copsucker

2012-02-17T00:00:00.011+01:00

Initialement il n’était absolument pas prévu que ce disque de Kim Phuc soit chroniqué ici. Pourquoi ? Tout simplement par manque de motivation et, disons-le, d’intérêt. Comment ? Manque de « motivation » et d’« intérêt » ? Oui… c’est exactement ça. On ne niera jamais que Copsucker possède d’indéniables qualités, cet album en cumule même nettement plus que la moyenne mondiale, mais voilà, on finit tout de même par s’ennuyer ferme à l’écoute d’un disque certes bien foutu mais terne et d’une gentille banalité.

Alors reprenons du début. Kim Phuc est un groupe de branleurs – mais ça, déjà, c’est un point très positif – originaire de Pittsburg dans le Massachussetts (on s’en fout) et qui a publié une bonne petite volée de singles entre 2008 et 2009 avant de sortir son premier album en 2011 sur le label Iron Lung. Les grincheux auront évidemment remarqué que trois des dix titres de Copsucker sont déjà disponibles sur les trois premiers singles de Kim Phuc. Les complétistes mono-maniques qui ont déjà tout de Kim Phuc (même la première démo de 2007) ricaneront parce qu’il reste tout de même six titres édités en single qui ne sont pas sur le LP. L’écrasante majorité silencieuse qui elle ne connaissait pas Kim Phuc il y a moins de deux mois s’en moquera par contre éperdument : elle vient de découvrir un nouveau groupe et elle va pouvoir l’apprécier (ou non).

Kim Phuc est un bon petit groupe. Un bon petit groupe de punk rock un rien pantouflard et mollasson – on a déjà employé le mot « terne » mais il convient très bien, comme pour qualifier cette pochette qui dit tellement rien qu’elle ne dit rien de bon –, un groupe qui c’est vrai sait torcher des compositions au dessus de la moyenne. L’entrée en matière du disque, la doublette Animal Mother/Local Round-Up laisserait présager du meilleur, malgré un défaut patent d’originalité. Mais l’originalité en 2012 en matière de musique est une discussion complètement hors-sujet et aussi pertinente que la multiplication des reformations de groupes merdiques du siècle dernier. On s’attache donc à la montée de tension de Animal Mother/Local Round-Up et on veut bien se laisser faire, malgré ce plan totalement ridicule et à côté de la plaque à la guitare alors que les compteurs atteignent 3 minutes et 20 secondes. Là on comprend que Kim Phuc est un groupe gentillet qui joue syndicalement de la musique de vieux et doit très certainement figurer dans la catégorie des groupes sympathiques que l’on a plaisir à voir en concert entre deux bières mais qui ennuie à la longue.

Et l’ennui est le cancer de toutes les compositions de Copsucker : souvent elles commencent vraiment très bien (Equinox par exemple), elles font relever l’oreille dans le bon sens mais rapidement elles se plantent, victimes du ronronnement assourdissant de la normalité des classes moyennes et des pères de familles. Car presque tout ici est moyen. Par contre s’il y a une chose de réellement consternante chez Kim Phuc et dans Copsucker, c’est la banalité lénifiante des lignes de basse. S’il y en a une autre ce sont ces pseudos gratouillages de guitares – tel celui de Animal Mother/Local Round-Up – or on les retrouve sur deux titres sur trois. Mais jamais rien pour remonter le niveau et pour permettre à Copsucker de tutoyer les sommets. Comme un film du dimanche soir à la télé.

Copsucker est en écoute intégrale sur la page bandcamp d’Iron Lung. Après on peut toujours se procurer ce LP au même endroit mais je tiens à vous prévenir : seuls les winners imbus d’eux-mêmes et dans mon genre ont déjà pu se procurer l’un des 100 premiers exemplaires du disque, exemplaires fondus dans un plastique blanc à peine marbré de gris.

Judas Donneger / self titled

2012-02-16T00:00:00.009+01:00

Dans Judas Donneger on retrouve Pavel (ex Death To Pigs, ex Hallux Valgus mais fort heureusement toujours dans La Race) ainsi qu’un ancien membre des Suce Pendus (en l’occurrence le guitariste). Un duo donc avec de la guitare qui vrille et qui écharpe, du synthé qui refroidit et assure la dialyse, une boite à rythmes programmée comme un lave-vaisselle rouillé constamment en mode rinçage et du chant. Du chant et des textes devrait-on même dire car on les entend beaucoup ces textes (en français) et que surtout on les écoute. Des histoires absolument dégueulasses et réjouissantes – juste pour le plaisir et pour se faire une toute petite idée de la chose je m’arrêterai à citer quelques uns des titres de Judas Donneger : Grand Concours Du Maximum Baise, Pornographie & Coca-Cola, Super Docile et J’Aime Ces Filles Froides – pour des histoires de viande froide plus ou moins vivante, plus ou moins morte, plus ou moins décomposée mais fourrée de glaires sanguinolentes, de trainées de sperme et de subutex écrasé.

Tout ça rappelle les groupes qui au siècle dernier nous abreuvaient de vomi, de sang, de foutre et d’ordures au travers de textes en français et hurlés avec une conviction qui faisait terriblement peur au petit garçon que j’étais alors, des groupes tels que RWA (avec Caroline Sury) ou La Méchoire (avec Paquito Bolino) et même Glu (groupe bordelais qui est lui toujours en activité). Mais les comparaisons s’arrêteront là parce que musicalement Judas Donneger ne met pas réellement la saturation des guitares et les rythmiques pilonnées en avant mais flirte avec une sorte de minimalisme synthétique voire cold wave qui rappelle des groupes ridicules tels que Guerre Froide tout en poussant l’absurdité désincarnée encore plus loin, jusqu’à un paroxysme de saleté et de merde.

On patauge dans les années 80 mais des années 80 qui n’auraient pas encore viré dans le clinquant fluorescent et la teuf de branleurs bovidés (un peu dans le même genre on ne peut que vous conseiller l’écoute d’Überschleiss, un LP publié par Scorpion Violente chez Avant!) pour se repaitre sans aucune complaisance – la gangrène des pitoyables survivants de l’année 1981 – d’une boue humaine juste ce qu’il faut de faut de glacée et de glauque. On ne peut pas vraiment parler de revivalisme et de nostalgie parce que les deux Judas Donneger ont pompé uniquement ce qui les intéressaient dans les années 80 pour le mettre à leur sauce, la sauce de certains groupes œuvrant ou ayant œuvré pour La Triple Alliance de l’Est ou basés du côté de la baie de Somme – Nancy/Metz – Amiens : l’axe du Mal. D’ailleurs ce CDr de cinq titres est sorti chez Label Brique (le label d’Headwar). Pour contacter Judas Donneger : judasdonneger[arobase]gmail[point]com. Pour écouter ce disque avant de l’acheter : bandcamp.

Report : John Duncan + Pierre G. Desenfant au Sonic - 12/02/2012

2012-02-15T00:00:00.004+01:00

On se les pèle à Lyon. Vraiment. De mémoire de vieux, personne n’avait plus souvenance d’un tel froid polaire – à moins d’être né avant 1986, la dernière année où la Saône avait commencé à geler pour de vrai – et ce ne sont pas les SDF qui pourront dire le contraire, malgré les conseils fort peu avisés de la secrétaire d’Etat actuelle en charge de la santé (mais également conseillère municipale à Lyon, ville des lumières comme chacun sait), des conseils prodigués aux crevards sans-abris de bien rester au chaud et au sec à la maison, de ne surtout pas sortir dehors. L’incompétence c’est un métier. La connerie aussi. Et avouons qu’en cette palpitante période préélectorale la dite connerie atteint des sommets rarement égalés, alors que le thermomètre continue lui de descendre inexorablement.

La Saône est donc gelée. A certains endroits elle est même complètement bouchée et la rivière a été déclarée non navigable par les autorités fluviales. Si le spectacle est assez beau à regarder, les bateaux sont prisonniers et il en est de même pour le Sonic. Des conditions climatiques extrêmes pour un concert de qualité qui aura tout de même lieu et réunissant Pierre G. Desenfant et John Duncan. Même la glace autour du Sonic s’y est mis de temps à autres, craquant et se fissurant avec des bruits inquiétants. On aurait presque pu rêver d’être du côté d’Odessa pour entendre la poésie violente de toute cette glace qui se rebelle sous les assauts du vent et du froid.

John Duncan est un musicien rare. Déjà parce que ce n’est que son deuxième passage sur Lyon. La première fois c’était au Pezner et John Duncan avait partagé l’affiche avec Dan Burke/Illusion Of Safety. Il avait joué dans le noir complet, installé à la table de mixage du Pezner d’où il avait envoyé tous ses sons et toutes ses bidouilles tout en jouant sur les axes et les sources de diffusion. Le public était resté attentif – dans le noir on a de toute façon pas trop le choix – et captivé par la musique industrielle ambient de John Duncan. Un pionnier du genre.

Ce soir au Sonic c’est à peu près le même topo. De la diffusion sonore plus qu’un concert. Sauf que John Duncan a disposé tout son matériel sur une table au centre de la salle et que l’on peut remarquer quatre enceintes délimitant un espace sonore distinct. John Duncan va se servir de cette configuration pour mélanger les sons à sa guise. Des sons préenregistrés voire des compositions gravés sur des CDs qu’il conserve soigneusement dans un drôle de porte-disques en forme de boite à rythmes ou de séquenceur (?). Au passage un peu de théâtralité à l’aide d’une main gauche un rien précieuse – comme si John Duncan manipulait un thérémine ou un système équivalent lui permettant de déclencher des ondes – et surtout une musique profonde, envoûtante et d’une beauté violente.

Après une trentaine de minutes le musicien propose « malgré le froid » de jouer une autre pièce. Si la première partie du concert était vraiment bien, la seconde frisera l’exceptionnel au niveau des sensations et du rendu sensoriel : des fréquences basses bourdonnantes, des sonorités urbaines et industrielles très expressives mais aussi un peu d’humour glacial avec cette voix samplée répétant inlassablement It’s colder and colder/As we descend… une bonne idée, vraiment de circonstance vu le froid qui continuait effectivement à régner au Sonic.

En début de soirée Pierre G. Desenfant – que certains connaissent peut être sous le nom de Blackthread – a présenté un autre aspect de son travail musical, basé sur des nappes ambiantes (générées avec un Moog) et fourmillantes de petits détails quasi rythmiques apparaissant puis disparaissant en arrière plan. De la musique ambient, donc, très belle assurément, et plutôt tendrement électrique.

Sur la scène du Sonic était disposé un vieil Atari et sans que je sache trop comment, ce que jouait Pierre ressortait sur l’écran de cet ordinateur éculé façon ondes d’oscilloscope, lesquelles étaient à leur tour captées par une caméra pour être diffusées sur l’écran de fond de scène du Sonic. La qualité assez médiocre de l’image rendue n’arrivait pas à faire oublier qu’il ne s’agissait là que d’un gadget mais qu’importe, la musique que l’on goutait pendant ce temps là était d’une finesse assurée et d’une délicatesse toute appréciable.

Talk Normal / Lone General b/w Hurricane

2012-02-14T00:00:00.000+01:00

Depuis la parution de Sugarland à la fin de l’année 2009, on est toujours restés à l’affut de la moindre trace et surtout de la moindre nouveauté enregistrée en provenance de Talk Normal. Mauvaise pioche : le split single que le duo a partagé en 2011 en compagnie d’un Thurston Moore aussi croulant que peu inspiré se révélait très en deçà des possibilités de Talk Normal. Pas vraiment une honte mais quelque chose de vraiment très dispensable. Il est donc grandement temps de se rattraper avec cet autre single, Lone General b/w Hurricane publié par le label M’Lady’s basé à Brooklyn.

Sur la face A : Lone General, le tube du disque. Du vrai et du bon Talk Normal. Toujours basée sur les rythmes tribaux d’Andrya Ambro et une no wave décharnée portée par le chant très expressif et très beau de Sarah Register, la musique du duo reste ce qui se fait de mieux en matière de rock arty et bruyant influencé par le Sonic Youth de la grande époque (celui des années 80 et non pas celui des années 90 et encore moins celui des années 2000). On note malgré tout un peu moins de finesse dans la composition, rapprochant Lone General de Secret Cog, le tout premier mini album de Talk Normal… à moins que ces effets lo-fi ne soient en fait dus au pressage du disque qui laisse vraiment à désirer, il faut bien le dire. Il est indiqué sur la pochette que ce Lone General a été enregistré et mixé par la guitariste/chanteuse Sarah Register

Sur la face B Hurricane porte mal son nom puisqu’il s’agit d’un titre assez calme, au tribalisme plus atmosphérique et appuyant sur les jeux de voix qui se répondent. C’est un peu kitch, un peu exotique mais pas mal du tout et prouve que Talk Normal a réellement plus d’une corde à son arc. Là aussi il est indiqué sur la pochette qu’Hurricane a été enregistré et mixé par la seule Andrya Ambro. A chacune son titre, donc.

Lone General b/w Hurricane est un single rassurant pour l’avenir. Mais on s'impatiente un peu et on espère toujours un deuxième album de la part de Talk Normal. En attendant le duo est parti en tournée américaine pour tout le mois de février en compagnie de Zola Jesus… on croise logiquement les doigts pour que cette dernière ne fasse pas subir une trop mauvaise influence aux filles de Talk Normal.

Verdun / The Cosmic Escape Of Admiral Masuka

2012-02-13T00:00:00.018+01:00

Du lourd et du lent. De l’inexorable, de la simplicité, de l’efficacité, de la tripaille et du vrai directement dans le coin de la gueule : VERDUN a un nom guerrier et funeste mais ne sombrons pas trop dans les métaphores ou autres comparatifs trop faciles et trop réducteurs. Le groupe – ils sont cinq et sont originaires du côté de Montpellier – allie robustesse de la rythmique, force des riffs et chant possédé avec un aplomb digne d’un groupe de hardcore qui aurait choisi comme seule ligne de conduite possible de ne se poser absolument aucune question. Seulement voilà, Verdun n’est donc pas un groupe de hardcore mais un groupe de doom c'est-à-dire qu’il joue vraiment très lentement et vraiment très épais, qu’ici non seulement c’est l’obscurité et le poisseux qui priment mais qu’en plus le matraquage est en format mastodonte option cinémascope brutal et sans pitié. Le tout noyé sous une bonne couche de delay. Direct mais pesant. Précis et appuyé.

The Cosmic Escape Of Admiral Masuka est un EP (une trentaine de minutes) ne comportant que trois titres qui fleurent bon le parfum d’occultisme et la sueur du démon – sur la pochette le lettrage de la lettre T est remplacé par des croix à l’envers – et d’une originalité qui tient sans doute à peu de choses mais encore eût-il fallu y penser et surtout encore eût-il fallu être capable d’y arriver : comme le groupe aime lui même à le dire, Verdun ne veut s’embarrasser de rien et arrive à s’accommoder de références parfois très lourdes auxquelles le groupe rend au contraire totalement hommage et honneur – sur le riff récurrent du passage d’intro de Last Man Standing puis sur celui du génial passage presque en accéléré de Jaxa on ressent carrément toute l’importance que peut avoir un groupe tel que Electric Wizard dans la musique de Verdun – tandis que l’excellence de l’instrumentation ne laisse apparaitre qu’une seule et unique évidence, incontournable, celle que les cinq Verdun jouent ensemble comme un seul homme. Belle cohésion, belle brutalité collective.

On note également des passages plus atmosphériques et même un chant clair à l’opposé de toutes compromissions de pedzouille ou qui voudrait se donner l’air acceptable au plus grand nombre ainsi que – de manière assez surprenante et quoi que Verdun cite Hawkwind comme influence – une touche de psychédélisme spatial (encore et toujours Last Man Standing et Jaxa) qui finit d’en rajouter une couche question étrangeté et malaise ambiant.

Dernier gros point fort de The Cosmic Escape Of Admiral Masuka, ce son assez colossal et vibrant. Le disque a assurément été enregistré et mixé par des mains expertes, en tous les cas des mains et des oreilles qui ont compris la musique du groupe et ont su donner des contours et un contenu sonore à la hauteur des compositions de Verdun. The Cosmic Escape Of Admiral Masuka est publié par Head records au format CD et dans un digipak bien réussi – Throatruiner records s’est occupé de l’édition cassette.

Et puis, même si on l’avait déjà annoncé, l’occasion est trop belle pour ne pas en rajouter une couche : Verdun est en tournée et la date lyonnaise aura lieu le 18 février en compagnie de Morse et de Quartier Rouge, tout ce petit monde sera entassé dans la cave des Capucins, sur les pentes de la Croix Rousse. Tous les détails de ce concert apparaissent en cliquant sur le flyer ci-dessus (surtout ne vous gênez pas)

Comme à la télé : Burmese en concert à San Francisco

2012-02-12T00:00:00.012+01:00

Un bon quart d’heure de démence sonique, c’est ce que propose cette vidéo de Burmese enregistrée en concert à San Francisco en avril 2011 avec des moyens conséquents – non mais combien y a-t-il de caméras exactement… ?

Suffisamment en tous les cas pour en prendre plein la tête en très peu de temps et pour admirer ce line-up incroyable : deux basses, deux batteries et une chanteuse qui fait vraiment très peur.

Pour mémoire la chronique de Lun Yurn, le dernier album en date de Burmese. Quelque chose me dit que ce n’est pas demain la veille que l’on pourra voir Burmese en concert en Europe et c’est bien dommage.

La Partie Du Cerveau / Surfaces

2012-02-11T00:00:00.010+01:00

Je ne suis pas réellement de mauvaise humeur – d’ailleurs ce n’est absolument pas mon genre de râler pour tout et n’importe quoi – mais pour commencer cette chronique du disque de La Partie Du Cerveau, je vais d’abord énumérer tout ce qui ne me plait pas du tout. Déjà le nom du groupe que je trouve d’un goût assez douteux – mais par définition tous les goûts sont dans la nature – et l’artwork de ce Surfaces qui refroidirait même un fan de hard rock progressif. Mais bon, des disques qui ne payent pas de mine, on en connait tous et certains se révèlent bon et pourquoi pas essentiels à nos petites oreilles délicates. Et puis j’ai toujours été nul en dessin et autres passe-temps d’ordre graphique totalement inutiles donc je ne vais pas trop la ramener non plus.

Un autre aspect très choquant à propos de Surfaces c’est le son de la caisse claire. Alors ça il classe, bien sec et tranché et je devrais adorer mais au contraire il m’irrite avec insistance, il y a quelque chose dans sa tonalité qui réveille en moi un agacement profond. Mais là encore ce n’est sûrement qu’un détail, des disques enregistrés avec les pieds j’en connais plein aussi – or on ne peut pas dire non plus que Surfaces le soit, de ce côté-là le disque de La Partie Du Cerveau sonne même extrêmement bien, il y a juste cette caisse claire horripilante à la longue et c’est peut être déjà beaucoup trop.

Bien plus grave le chant et pour être précis l’accent anglais du jeune homme qui s’occupe du micro (le bassiste je crois). C’est bien simple, moi qui parle langliche et laméricano aussi bien qu’une truelle montpelliéraine ou nîmoise, je comprends tout ce que raconte ce chanteur, surtout dans les passages où le chant passe en mode parlé. Ça coince sérieusement : il faut donc faire un effort presque surhumain pour passer outre cette difficulté de taille.

Je ne voudrais pas remuer le couteau dans la plaie – quoi que j’aime faire souffrir – mais ce chant a bien failli être rédhibitoire… Ce qui aurait été fort dommage car La Partie Du Cerveau et Surfaces, malgré toutes les réticences déjà exprimées et sur lesquelles on ne reviendra pas, sont dignes d’intérêt. Le plus remarquable à propos des cinq titres de cet EP, c’est le rythme général des compositions, toutes dans le mid tempo, faussement trainantes, réellement tendues, et qui donne au hardcore noise (appelons la musique de La Partie Du Cerveau comme cela, faute de mieux, mais si tu préfères « noise hardcore », c’est ton choix) une coloration particulière. On peut même affirmer que de ce côté-là Surfaces est l’un des disques les plus originaux à avoir été publié récemment dans le coin. Ce qui n’est pas une mince affaire.

La Partie Du Cerveau aime la lenteur mais pas trop la lourdeur : le mélange entre raideur asséchée et descente en apnée – on préfère penser que le groupe aime plonger tout droit devant lui plutôt que d’essayer de tutoyer des horizons plus atmosphériques – est vraiment très réussi, une alchimie contradictoire qui n’est pas sans rappeler, toutes proportions gardées, celle des deux premiers disques d’Ulan Bator. Sauf qu’ici le son est vraiment plus massif, plus hardcore (donc), sûrement parce qu’il a été mis en boite sous l’égide de M. Sylvain Biguet qui a déjà bossé avec Comity et dont on a surtout apprécié le travail avec Revok.

Les sentiments à l’égard de Surfaces sont donc très partagés. Mais ils tendraient à pencher du bon côté. La Partie Du Cerveau intrigue et inquiète, dans le bon sens du terme : on attend la suite avec curiosité et intérêt.

Pop. 1280 / The Horror

2012-02-10T00:00:00.009+01:00

Voilà enfin The Horror, le premier véritable album de Pop. 1280*, groupe originaire de New-York. S’il y a une première chose à retenir de ce disque, c’est qu’à la différence de son prédécesseur The Grid EP, ce nouvel enregistrement ne propose pas réellement de megatubes ultra post punk et robotiques du même niveau que Step Into The Grid. Je m’explique. Malgré le côté excellent et irrésistible de Step Into The Grid, sa capacité à faire frétiller les mèches rebelles et les quenelles empaquetées dans du jean 100% slim, ce titre phare écrasait un peu trop les cinq autres compositions d’un mini album qui souffrait par ailleurs de baisses de régime certaines. Pop. 1280 n’était qu’un bon groupe mais un groupe inégal. Voire uniquement un groupe à singles.

Avec The Horror il y a beaucoup moins d’hésitations à avoir : les dix nouveaux titres présentés ici laissent une impression d’homogénéité et de cohérence qui pouvait manquer à Pop. 1280 jusqu’à présent. L’effort est évident et le résultat probant. The Horror est le premier disque de 2012 dont on se plait déjà à imaginer qu’il pourrait nous accompagner tout au long de cette année, jusqu’à en devenir l’un des repères incontournables. D’ailleurs il n’y a pas un jour sans qu’il passe au moins une fois dans le mange-disques collectif de 666rpm, c’est dire.

On parle d’homogénéité et de cohérence à propos de The Horror mais il faut davantage le comprendre à un niveau qualitatif que stylistique car, on le répète, il n’y a aucun trou d’air sur ce disque, aucun titre dont on souhaiterait qu’il en soit retranché. On reste au contraire admiratif du résultat parce que Pop. 1280 multiplie les influences certes évidentes mais bien digérées et en dévoile même quelques nouvelles. On pense à Burn The Worm qui réveille à merveille les vieux fantômes d’un Cop Shoot Cop version Release ou au très étonnant Hang ‘Em High et de ses forts relents de Birthday Party. Pour le reste le post punk est très généralement le crédo inaltérable de Pop. 1280 : la référence aux Stranglers pourrait paraitre évidente à cause de la présence de synthétiseurs mais il n’y a jamais aucun solo de synthé chez Pop. 1280 ; la référence à The Fall me semble plus juste bien que la musique des américains soit bien plus violente que celle des anglais. La violence, la noirceur, le tribalisme, le caractère urbain, industriel et glacial de la musique de Pop. 1280 est même ce qui ressort avec le plus d’âpreté de The Horror dont l’écoute bascule peu à peu dans des sentiments assez contradictoires entre attirance chaotique et piqure vénéneuse. Mieux, Pop. 1280 maitrise désormais parfaitement les rythmes lents – c’était l’un des points faibles du groupe – et avec des titres tels que Cyclotron ou Beg Like A Human invite l’effroi dans sa musique. Un grand cru et un disque publié en LP et CD par Sacred Bones records.

* alors ce n’est peut-être pas très important mais il y a un point après le « p » et un espace avant le « 1 » – tout ça pour dire que je ne pourrai jamais me faire à un nom de groupe aussi ridicule et que ce nom soit une référence littéraire ne change rien à l’affaire (un bouquin de Jim Thompson curieusement publié en français sous le titre de 1275 Âmes)

Report : Shield Your Eyes et Moms On Meth au Tostaki - 06/02/2012

2012-02-09T00:00:00.032+01:00

Interrogeons-nous un peu sur ce qu’est un esprit supérieur et visionnaire. C’est quelqu’un qui prévoit – même sans l’annoncer très clairement, ce qui peut parfois porter à confusion ou favoriser le charlatanisme – une catastrophe imminente mais quelqu’un que personne ne prend bien sûr au sérieux : une fois que les faits sont avérés il est souvent trop tard pour y remédier alors pour se donner bonne conscience on célèbre celui ou celle qui le premier a eu l’illumination et avait tenté à sa modeste façon d’en faire part au reste de l’humanité en déroute.

Maintenant regardez moi donc ce magnifique flyer ~~exécuté~~ imaginé par un artiste dont on taira le nom : on comprend tout de suite que les anglais de Shield Your Eyes jouait en concert à Lyon au Tostaki le 06 février 2012, non ? Clarté du message, représentation humoristique mais adéquate de celui-ci et – donc – annonce de la venue de l’un des meilleurs groupes anglais du moment. Du beau boulot. Or on remarque seulement au bout de quelques minutes un petit dégueulis sur la droite, un petit dégueulis dégoulinant qui prend la forme des lettres composant le nom du groupe Baton Rouge. La première partie du concert, en déduit-on.

Malheureusement Baton Rouge – groupe formé de quatre membres de Daïtro sur cinq, faut-il le rappeler – a du annuler presque à la dernière minute ce concert mais l’organisateur de la soirée, Bigoût records, a su promptement et efficacement lui trouver un remplaçant : Moms On Meth. Certains regretteront l’annulation des premiers, d’autres se réjouiront de la participation des seconds et quant aux hypocrites dans mon genre, ils ne manqueront pas de faire remarquer après coup que l’écriture cryptique de nom « Baton Rouge » sur le flyer officiel du concert était déjà porteur de la désaffection du groupe. Comme une malédiction qui ne porte pas son nom. Une preuve ? Très bien. Concentrez-vous sur ce flyer, plissez les yeux si nécessaire, et vous verrez apparaitre au bout de quelques heures le nom de MOMS ON METH. Voilà.

En fin d’année dernière Shield Your Eyes a publié Volume 4, son quatrième et meilleur album à ce jour. Ces anglais sont très productifs puisqu’ils ont réussi à enregistrer un l’album par an ces quatre dernières années tout est enchainant les tournées. Premier constat pour ce concert au Tostaki : le groupe a encore (provisoirement ?) changé de bassiste – c’est un peu la malédiction de Shield Your Eyes – mais on peut reconnaitre le remplaçant en la personne de Dan Pederson qui a produit et enregistré Volume 4 en compagnie du trio l’hiver dernier. Un bon ami de Shield Your Eyes, donc, et qui plus est quelqu’un qui connait très bien le groupe.

Ensuite – et ce n’était pas qu’un effet de la sono désastreuse pour ne pas dire inexistante du Tostaki – le chanteur/guitariste Stef Ketteringham était moins en voix, évitait de trop (trop) forcer et faisait beaucoup moins d’acrobaties vocales. Entre ça et le fait que le dernier album de Shield Your Eyes est plus introspectif et toujours plus marqué par le blues, on a eu droit à un concert nettement plus bavard de la guitare de la part des anglais, avec de longues parties pendant lesquelles Stef Ketteringham s’en donnait à cœur joie question avalanche de notes, provoquant l’admiration de quelques amateurs de guitare présents dans le public. Il faut dire que le jeu du garçon est très spécial, son accordage aussi apparemment, il possède en tous les cas une façon de faire très étonnante.

Shield Your Eyes a donc joué dans un registre moins chaotique et frénétique – toutes proportions gardées, bien sûr –, délaissant partiellement le côté franchement barré, à la fois matheux et noise, auquel le groupe nous avait déjà bien habitués, pour quelque chose de plus maîtrisé peut être, en tous les cas de moins chien-fou.
Hormis un tout premier titre en forme de blues interprété seul au chant, à la guitare et à l’harmonica par Stef Ketteringham, le début du concert a fait la part belle aux titres les plus tordus de Shield Your Eyes avant de glisser rapidement vers les mid tempos, le blues, voire le blues rock, rappelant la grande tradition des années 60 et du Swinging London, sorte de Yardbirds en version noise. Une référence encore plus évidente lorsque Shield Your Eyes a repris le Young Man Blues de Mose Allison – un titre popularisé en leur temps par les Who. Un excellent concert quoi qu’il en soit et je suis sûr que Shield Your Eyes a gagné ce soir là quelques nouveaux fans.

En première partie il s’agissait (donc) de Moms On Meth. Mais Moms On Meth en version à quatre c'est-à-dire avec un seul guitariste, ce qui ne change pas grand-chose à la musique du groupe, fastcore de chez fastcore. Les Moms On Meth s’en sont donnés à cœur joie – mention spéciale pour le guitariste survivant amateur de pitreries et de grimaces – et musicalement le groupe est hyper au point.

Malheureusement, sono du Tostaki aidant, il était impossible d’entendre le chant d’Elizabeth, ce qui avait un côté très frustrant… Et c’était terriblement dommage car on sentait le groupe vraiment prêt à tout – j’attends de voir Moms On Meth une troisième fois en concert avant de pouvoir affirmer que le groupe est effectivement toujours prêt à tout… mais ce n’est pas l’envie qui m’en manque déjà.

Report : The Men et Décibelles au Sonic - 05/02/2012

2012-02-08T00:00:00.001+01:00

Ce n’est que la curiosité qui m’a poussé à me rendre au Sonic en ce dimanche soir – malgré le froid, la flemme et un début de crise de je-m’en-foutisme qui allait s’annoncer assez sévère –, la curiosité donc de découvrir The Men en concert. Je ne vais pas revenir une fois de plus sur l’intérêt ou pas pour un groupe tel que The Men d’exister en cette année 2012 (parce que, c’est toujours la même histoire, la musique ça n’a jamais beaucoup d’intérêt sauf celui que l’on veut bien lui porter) mais j’avais entendu tellement d’éloges sur les concerts de ce groupe de Brooklyn que je me sentais presque obligé d’aller vérifier tout ça par moi-même.

Pourtant l’album Leave Home (le premier de The Men pour Sacred Bones records alors que le petit nouveau, Open Your Heart, est attendu pour le mois de mars) m’est complètement passé au dessus de la tête, nettement surcoté à mon avis, tout comme le groupe lui-même et le label très tendance l’abritant. Mais combien de groupes à peine passables sur disque ce sont révélés excellents sur scène ? Et inversement combien de groupes géniaux en studio ont été incapables de sortir quelque chose de potable en concert ?

A chaque fois que l’on m’a parlé de The Men en concert, il a également été fait mention de ce gros bassiste chauve limite skinhead qui tient le groupe à bout de bras et lui sert de point d’ancrage. Le groupe a déjà tourné sur le vieux continent fin 2011 – il y a notamment eu une date parisienne à l’Espace B – mais sans son bassiste habituel : celui-ci était tout simplement absent et non remplacé. Pour cette nouvelle tournée européenne des plus conséquentes, The Men sont à nouveau quatre, une bassiste jouant les intérimaires : cette bassiste n’est autre que celle des excellents Pygmy Shrews, l’autre groupe de Ben Greenberg (de Zs) par ailleurs producteur de The Men comme des trois quarts des groupes de Brooklyn.

On sait bien aussi que The Men ont cette particularité d’avoir trois songwriters dans leur line-up, ce qui peut expliquer en partie la versatilité saute-mouton de la musique du groupe, en tous les cas la grande variété des chants (puisque tous les trois s’y mettent). Le bassiste représente lui le côté le plus noise voire le plus dark de The Men aussi on pouvait craindre que son absence ne soit préjudiciable au groupe, en tous les cas cela ne l’a pas aidé à se montrer autrement plus captivant.

The Men fonctionnent tout à l’énergie. Ça c’est très bien. Mais ce n’est guère suffisant. Surtout The Men ne sont qu’un groupe lambda de punk rock ultra basique, un peu garage (parce que les guitaristes aiment la fuzz) et très orienté 70’s. Quelque part entre MC5 et Dinosaur Jr (disons), avec des riffs bâtards parfois piqués à Led Zeppelin, Vanilla Fudge, Free/Bad Company – bref que de la musique de mort-vivants. Le tout joué à cent à l’heure, à la punk as fuck, mais avec beaucoup trop de solos de guitares vraiment affreux (parfois même les deux guitaristes s’astiquent le manche en même temps), ce qui donne à l’ensemble une touche Raw Power, oui je parle bien de l’album de Stooges et c’est celui que vraiment j’aime le moins, et de très loin…

Au milieu de tout ce déluge le titre Bataille – joué en troisième position – se détache un peu grâce à son leitmotiv bien marquant à la guitare. Mais tous les titres punky garage de The Men finissent par trop se ressembler et n’ont pas assez d’odeur ni de chair pour attirer l’attention et l’enthousiasme. En fait les titres lents et presque shoegaze seront ce que The Men ont fait de mieux ce soir là, accentuant drôlement la schizophrénie du groupe mais dévalorisant d’autant son côté punk bien comme il faut. Expérience terminée. Peut être reparlera-t-on ici de The Men pour le prochain album du groupe mais rien n’est moins sûr…

En première partie il y avait Décibelles, groupe réunissant trois jeunes filles. Elles ont déjà un album sous le bras mais ne savent pas encore vraiment quoi faire avec, sans doute perturbées par un stress évident, des problèmes techniques (casser une corde de guitare après le premier titre joué ça ne plait jamais à personne) et un défaut de maîtrise certain au niveau du chant. Vous pouvez écouter leur disque sur leur page bandcamp.

Report : Concert de soutien à Gaffer records au Sonic - 03/02/2012

2012-02-07T00:00:00.058+01:00

Est-ce que vous vous rappelez de la deuxième édition du Gaffer Fest ? De ces trois soirées de concerts début octobre 2011 regroupant Hallux Valgus (R.I.P.), 80 Dates et Sister Iodine puis Dehors Pythagore!, FAT32 et MoHa! et enfin Loup et The Thing ? Un bel évènement. De la très bonne musique. Mais un public finalement pas assez nombreux, on parle en fait surtout de la troisième date, celle avec des pontes du free jazz scandinave en tête de gondole. En dehors de l’aspect assez scandaleux de la désertion du public de jazzeux ce soir là – ce n’est quand même pas tous les jours que l’on peut voir et apprécier un musicien de la carrure de Mats Gustafsson – cela a eu en effet beaucoup plus pervers mais inévitable : une perte sèche pour l’organisateur du festival, Gaffer records.

D’où l’idée d’un concert de soutien organisé au Sonic, un peu comme une collecte de pièces jaunes par un judoka préretraité, homophobe et raciste mais par contre avec que des gens biens à l’affiche et la crème de la crème des stars lyonnaises de l’underground solidaire : Seb Radix (qui n’est absolument pas l’auteur de la superbe affiche de ce concert), ~~Kanine~~, Sheik Anorak, Rature et Chevignon – donc quatre groupes très différents pour un maximum de sensations et de fonds récoltés pour les bonnes œuvres de Gaffer records*. A votre bon cœur messieurs-dames et faites tourner.

Il me semble bien que Pedro De La Hoya, compagnon de Seb Radix au sein des Kabu Ki Buddah Not Dead, reprenait la chanson d’un social-traitre franchouillard qui disait quelque chose du genre Je Suis Une Bande De Jeunes A Moi Tout Seul/Je Suis Une Bande De Jeunes/Je M’Fends La Gueule… et bien ces paroles désuètes et d’un autre temps pourraient tout à fait s’appliquer à Monsieur Radix en personne : il joue tout seul sur scène et occupe l’emploi d’au moins trois musiciens intermittents du spectacle, apportant une aide précieuse à l’aggravation chronique du chômage des artistes déjà en pleine déroute, mais cela ne l’empêche pas de sourire tout le temps et de raconter des blagues à qui veut bien les entendre.

Ça tombe bien car il y a plein de monde au Sonic (en tout et pour tout 90 personnes auront bravé la vague de froid intense de ce début de mois de février), du monde prêt à supporter l’humour du monsieur qui ce soir est en très grande forme – « Kanine ne jouera pas aujourd’hui parce que le saxophoniste a une gastro et tout le monde sait bien que ce sont les mêmes orifices qui servent pour le saxophone et pour la gastro » – puis d’embrayer sur les joies du free jaaazzzzzzzzz, non sans décocher au passage quelques grimaces bien senties. Il n’y a qu’une seule raison qui fait que l’on arrive à supporter tout ce cirque par ailleurs fort réjouissant : la musique de Seb Radix, sorte de pop punk un rien folk et extrêmement lo-fi, un rien bricolé aussi et plutôt acrobatique ou de l’ordre de la prestidigitation (parce que chanter comme une rock star, jouer de la guitare, taper sur une cymbale d’un pied, jouer du synthé de l’autre et balancer des samples, oui tout ça en même temps, c’est beau comme du Remi Julienne ou du Gérard Majax) et on finit par ne plus compter les compositions vraiment catchy voire réellement émouvantes avec des paroles totalement dégueulasses (Zob Scene, You’re My Milf, Switzerland…). De loin le concert le plus drôle du bonhomme auquel j’ai pu assister.

Kanine devait jouer ensuite mais – pour celles et ceux qui n’auraient pas encore compris – le duo a du annuler car le saxophoniste était trop malade. L’autre moitié du groupe n’est autre que le boss de Gaffer records, lequel a donc décidé de remplacer Kanine au pied levé avec son propre projet solo : Sheik Anorak. Honnêtement j’aurais bien voulu revoir Kanine pour découvrir où le duo en était arrivé dans sa découverte de l’improvisation free jazz (nous y revoilà donc) mais il faut bien convenir aussi qu’avec son remplacement par Sheik Anorak, on n’a vraiment pas perdu au change non plus.

Notre homme était tout de même passablement énervé par la situation – on le comprend : il a du aller chercher d’urgence une partie de son matériel et en a emprunté également aux guitaristes de Chevignon – et a choisi de proposer un concert de Sheik Anorak dans sa version la plus dure, sous haute influence Mike Barr/Orthrelm. Un long titre qu’il avait déjà joué à une ou deux occasions mais que Sheik Anorak, fidèle à son habitude de ne jamais laisser les choses s’enliser, a de nouveau remanié. Rythmique et répétitive, bruitiste et minimaliste, cette longue pièce joue sur des changements infimes de rythmes et sur une accentuation ascensionnelle qui d’abord se fait très discrètement – on peut, en tout premier, avoir l’impression qu’il n’y a aucun changement et lorsqu’on se rend enfin compte qu’il y en a c’est que l’hypnose fonctionne à plein et que d’une certaine façon on s’est fait avoir – puis de manière de plus en plus flagrante et expressive. On finit par ne plus se demander jusqu’où la tension va monter puisqu’on est en plein dedans, comme enfermé dans un champ magnétique circulaire et totalement noise. Un incroyable moment, surtout après avoir assisté la semaine dernière au Kraspek à l’un des moins bons concerts de Sheik Anorak, car au Sonic on a tout simplement et au contraire eu droit au tout meilleur de ce garçon plein de ressources.

Il y a bien longtemps que je n’avais assisté à un concert de Rature et pour être franc je n’ai jamais été très fanatique de ce groupe, pensant que parmi tous les projets auxquels participe Damien Grange, il fallait bien qu’il y en ait au moins un qui me plaise moins que les autres. Dans Rature on retrouve donc Damien à la voix, au yaourt et aux effets ainsi que Sébastien Finck (excellent batteur des Blondette’s et de Direction Survet) à la batterie et au clavier. Rature joue du hip-hop plus ou moins improvisé et placé sous le signe de l’expérimentation : avalanche de beats décalés, de sons qui grésillent ou qui arrachent et de véritables performances vocales.

Honnêtement je ne m’attendais pas à quelque chose d’aussi puissant et d’irrésistible, de presque méchant tout en gardant le côté groove. Le Rature que je connaissais a laissé la place à un autre, mieux foutu, beaucoup plus enthousiasmant, plus lourd, plus vindicatif, plus industriel et plus palpitant. En fait il n’y a que les passages en ragga qui m’ont défrisé un tant soit peu… question de goût comme dirait l’autre. Pour le reste c’était du tout bon et de l’intense.

Chevignon** sur la petite scène du Sonic, ça s’annonçait vraiment chaud. Et pour l’occasion le groupe a sorti tout son bazar : maquillage de trolls norvégiens, masques de démons bovidés (de loups porcins ?), chapeaux de cow-boys, perruques de chanteuses boulardières et cocaïnées, double godemiché, hache de cérémonie, casque de vikings, deux tonnes et fumigènes et pas beaucoup de lumière (ambiance dark assurée). Et bien sûr une paire de guitares aiguisées comme la mort, un batteur armé jusqu’aux dents, un chanteur maniaque et hystérique et une musique tendue du slip.

Une violence crue aussi bien dans les textes que dans les instrus, des compositions qui déversent toujours ce mélange assez improbable entre haute technicité – on ne pourra pas dire que ces deux guitaristes et que ce batteur ne savent pas jouer –, vitriol, violence gratuite, sueur, je-m’en-foutisme, sérieux, dégueulasserie, crise de nerf et théâtralité. Avec ses passages grind, ses intermèdes musettes, ses accélérations pompières, ses riffs noise, sa fausse douceur par derrière, son megatube surf (Créteil***), la musique de Chevignon – tout comme l’attitude du groupe – est aussi inclassable que dérangeante, représentant ainsi un exutoire assez intense et malade mais finalement très encourageant. Au moins quand tu vas à un concert de Chevignon tu sais pourquoi tu te fais malmener. Mais c’est ton choix.

Et Chevignon est en tournée tout de suite, là, maintenant, et qui plus est en compagnie des excellents Grand Prédateur : les dates de Nevers et de Clermont sont déjà passées mais les deux groupes jouent ce mardi 7 février à Toulouse (Petit London), le 8 à Bordeaux (Saint Ex), le 9 à Nantes (Stakhanov), le 10 à Rennes (Terminus), le 11 à Rouen (Emporium), le 12 à Amiens (Grand Wazoo) et le 14 à Paris (La Miroiterie) – ne les ratez pas !

* d’autant plus que Gaffer Records annonce la parution d’un nouvel album de DDJ, du deuxième album de Loup et d’un album solo de Will Guthrie

** oui c’est un myspace mais si tu préfères facebook c’est par ici que ça se passe

*** un titre que Chevignon vient d’enregistrer et de publier en CDr

Report : The Ames Room et Immortel au Périscope - 02/02/2012

2012-02-06T00:00:00.020+01:00

Tout premier concert de ce mois de février – un mois qui enfin marque réellement la reprise de cette intense mais saine activité qui consiste à s’exploser les oreilles et le cœur dans des salles ou des caves plus ou moins confortables – et surtout première date d’une semaine particulièrement chargée (quatre concerts en seulement cinq jours) avec la venue très attendue au Périscope des géniaux The Ames Room.

The Ames Room est l’un des tout meilleurs groupes au top actuel du free jazz avec Jean-Pierre Guionnet au saxophone alto, Clayton Thomas à la contrebasse et Will Guthrie à la batterie… un line-up free classique pour une musique qui ne l’est absolument pas tant The Ames Room possède une intensité et une force qui dépassent et de très loin celles d’un groupe lambda. Car oui The Ames Room développe des qualités essentielles bien que très rarement réunies ensemble : expressivité extrême, énergie dévastatrice et identité profonde. Rien que ça.

Si on avait pu se faire une très belle idée de la musique de The Ames Room grâce aux enregistrements du trio et en particulier à l’excellent et encore récent Bird Dies, rien ne laissait non plus totalement présager de l’immense claque récoltée en ce jeudi soir au Périscope. On s’en doutait peut-être ou tout du moins l’espérait-on mais The Ames Room fut alors une expérience aussi unique qu’irremplaçable et rare.

Il y a tout du power trio dans ce groupe, à commencer par la façon qu’ont les trois musiciens de se placer très resserrés sur scène, une façon pas très éloignée de la configuration favorite des groupes de noise rock de l’école de Chicago et affiliés. Le parallèle n’est pas fortuit ni exagéré car The Ames Room peut être comparé question fureur et puissance aux plus extrêmes des groupes de rock… on ira même jusqu’à évoquer le metal dans la façon qu’à Will Guthrie de déployer un tapis rythmique hallucinant – non il ne joue pas des blasts mais presque, martelant sans répit, décochant sans cesse des mini cassures induisant une polyrythmie qui dépasse tous les efforts stéroïdés de tous les groupes de grind core ou de death metal réunis. Will Guthrie est le pivot, la cheville ouvrière de The Ames Room, il est le moteur semble-t-il infatigable de sensations fulgurantes et d’émotions rares et intenses.

Et cette musique tient tout du vortex, du tourbillon qui vous entraine de plus en plus haut et de plus en plus fort, ailleurs, au delà de toute idée de beauté mais atteignant un état de complétude hystérique et de plénitude assourdissante qui finit malgré tout par ressembler fort à de la beauté, mais une beauté volée, avec un absolutisme effarant qui ne semble guère laisser le choix. Or c’est là qu’interviennent d’insoupçonnables notions de générosité et de grandeur car The Ames Room n’est pas là pour détruire, dominer ou écraser – seuls nos doutes, nos peurs et nos angoisses pouvaient l’être alors –, The Ames Room est là pour donner, inlassablement, réclamant certes une exclusivité totale mais à laquelle on ne pouvait que souscrire de bon cœur.

En première partie Immortel a donné le deuxième concert de sa courte existence. Formé de Raf Chevignon à la voix et aux textes et de Franck/Sheik Anorak aux machines et à la batterie, Immortel n’a pas changé ses principes de base qui consistent à mettre en musique les textes de Raf pendant que celui-ci les lit et surtout les interprète alors qu’ils défilent lentement sur un écran – les deux musiciens et le public font face à l’écran et suivent le déroulement des textes.

On remarque quelques habillages supplémentaires et très réussis côté musique et du coup ce concert d’Immortel semble bien plus intense et travaillé que le premier. En particulier le passage black metal est vraiment bien envoyé (d’autant plus qu’il est précédé de cinq bonnes minutes de presque silence) et un nouveau passage avec quelque digitaleries et autres traficotages bizarres se montre également très convaincant.

Mais contrairement à la fois précédente et en dépit donc d’un intérêt renouvelé pour la musique, ce sont les textes qui attirent toujours plus l’attention. Des textes d’une violence et d’une beauté crue racontant des histoires même pas dégueulasses et qu’on lit presque hypnotisés, tout en écoutant cette voix si particulière qui les déclame en même temps. Bien que défilant très lentement, les textes avaient souvent une longueur d’avance question affichage sur ce que l’on pouvait effectivement entendre : il était donc techniquement tout à fait possible en tant que « lecteur » de prendre également de l’avance sur la narration mais cela se révélait à la fois complètement inutile et impossible car la force de persuasion dans le chant et le jeu de Raf et la nature même des textes forçaient inexorablement à suivre scrupuleusement le déroulement précis des opérations prévu par Immortel. Un concert qui racontait donc quelque chose et tenait autant de la performance théâtrale que de la musique. Et vraiment rien de banal dans tout ça.

3/4HadBeenEliminated / Oblivion

2012-02-05T00:00:00.016+01:00

3/4HadBeenEliminated est un secret bien gardé. Et c’est en toute discrétion que le groupe italien a publié Oblivion en 2010, son cinquième album et le premier pour Die Schachtel. Quoi ? Un disque de 2010 chroniqué seulement maintenant ? Alors que chaque semaine arrivent dans la boite-aux-lettres de 666rpm des dizaines de disques tous plus intéressants que les autres ?* Et bien oui. Parce qu’encore une fois un bon disque reste un bon disque et que le temps n’y changera rien. Et, qui plus est, Oblivion de 3/4HadBeenEliminated n’ayant pas réellement rencontré beaucoup d’échos – comme du reste tous ses prédécesseurs – autant s’y mettre aussi. La beauté du geste ? Même pas.

Le nom de 3/4HadBeenEliminated m’est revenu en mémoire lorsque j’ai du gratouiller quelques renseignements complémentaires à propos d’Ancora Nessun Messaggero, le single monoface de Jowjo plus récemment publié par Africantape : il a fallu que j’apprenne de manière tout à fait fortuite que Stefano Pilia de 3/4HadBeenEliminated jouait de la guitare sur l’album de Jowjo pour que les souvenirs remontent à la surface et que surtout me revienne ce vague projet de chroniquer Oblivion… Du coup le disque qui se trouvait encore dans la pile des « to do » mais plutôt vers le bas quand même – l’organisation ici a beau être lamentable il y a toujours une certaine logique derrière – est remonté en première ligne, une place qu’il n’aurait jamais du quitter.

Le choc de réécouter 3/4HadBeenEliminated après – sans mauvais jeu de mot – presque une année d’oubli a été violent. On imagine la musique du groupe très largement improvisée ou tout du moins enregistrée lors de longues sessions qui sont ensuite éditées et remontées mais surtout 3/4HadBeenEliminated se plait à mélanger techniques électroacoustiques** et pratiques instrumentales, utilise le studio et le processus d’enregistrement comme des composantes essentielles de sa musique et aime brouiller les pistes.

Sur Oblivion on trouve ainsi quatre longues « compositions » et si des semblants de structures ou des bribes de chants les traversent parfois, on est surtout frappés par l’approche imaginaire/rêveuse de l’ensemble, non pas que la musique de 3/4HadBeenEliminated soit cotonneuse (les jeunes gens à mèche et en noir disent « shoegaze ») comme cela se fait tellement trop de nos jours mais psychédélique en ce sens qu’elle incite à la déambulation voire à la lévitation de l’esprit.

Il n’y a aucune violence – y compris sonore, bien que parfois le volume puisse augmenter et les sons se durcirent un peu plus – chez 3/4HadBeenEliminated mais une délicatesse toute expérimentale, une évanescence lysergique et parfois totalement irréelle. Trop irréelle ? On ne cachera pas qu’Oblivion, tout comme ses deux prédécesseurs directs The Religious Experience et Theology, n’est pas exempt de longueurs mais 3/4HadBeenEliminated, s’il gagnait parfois à resserrer le propos d’Oblivion et densifier un peu plus son son, reste un incontournable de la musique à étalement durable mais drone free. Evidemment cela reste de la musique de hippies à écouter en position allongée. Profitez-en, aujourd’hui c’est dimanche.

* non je plaisante mais vous pouvez toujours tenter votre chance (sans oublier de vous armer de patience)

** à ses débuts 3/4HadBeenEliminated était un trio très porté sur la musique acousmatique, puis est arrivé le batteur Tony Arrabito et le son du groupe a évolué vers ce qu’il est maintenant

Anal Cunt / The Old Testament

2012-02-04T00:00:00.023+01:00

Seth Putnam est finalement mort en juin dernier, à l’âge de 43 ans, d’un arrêt cardiaque et dans une certaine indifférence. On se rappellera qu’en 2004 il était tombé dans un coma profond suite à l’ingurgitation d’un détonnant cocktail de crack, d’héroïne, d’alcool et de l’équivalent de deux mois de traitement d’un puissant somnifère. Voilà un homme qui n’a jamais fait semblant et si cette tentative de suicide supposée (cela n’a jamais été prouvé et le principal intéressé a toujours tourné la chose en dérision, comme à son habitude) a laissé sur lui nombre de séquelles, il n’en a pas moins continué à vomir sa haine sur le monde entier jusqu’à la fin de sa vie.

Anal Cunt était donc son groupe principal. Mais Seth Putnam en a eu bien d’autres tels que Adolf Satan, Impaled Northern Moonforest, Full Blown A.I.D.S. ou Vaginal Jesus. Un vrai festival. Or l’homme en avait littéralement rien à foutre : plus il exacerbait la détestation, la haine et le rejet et plus il semblait satisfait, allant jusqu’au bout d’une logique destructrice, misanthrope et nihiliste qui l’a amené en compagnie d’Anal Cunt à composer des hymnes aux titres aussi doucereux que Hitler Was A Sensitive Man, I Sold Your Dog To A Chinese Restaurant ou I Made Your Kid Get A.I.D.S. So You Could Watch It Die. Seth Putnam s’était en outre fait une spécialité d’insulter plus directement les autres – on se rappelle du monstrueux single Anyone Who Likes The Dillinger Escape Plan Is A Faggot – mais n’hésitait jamais non plus à se rabaisser lui-même (Everyone In Anal Cunt Is Dumb).

Mais ça, c’était à l’époque où les compositions d’Anal Cunt avaient de vrais titres et parfois même de vraies paroles, en tous les cas un peu plus de trois ou quatre mots alignés à la suite. Car aux débuts du groupe il en était tout autrement. Et les débuts c’est précisément ce que documente ce The Old Testament 1988 - 1991, un double CD bourré jusqu’à la gueule de tous les premiers enregistrements d’Anal Cunt, à commencer par la première démo de 1988 jusqu’à une collection de singles, mini albums et autres splits tous plus obscurs les uns que les autres. Il y a plusieurs dizaines de « compositions » sur ces deux CD. Mais comme elles n’ont pas de titres (comme sur les vinyles d’origine), elles ont été gravés telles quelles, les unes à la suite des autres. Ainsi une plage de CD correspond ni plus ni moins à un disque entier. Il aurait été difficile de procéder autrement d’autant plus qu’Anal Cunt à ses débuts et pendant ses deux ou trois premières années d’existence n’envisageait sa musique que sous une seule et unique forme : éruptions de moins de 40 secondes + hurlements et dégueulis de Seth Putnam + barouf de saturation à la guitare de Mike Mahan + blast beats complètement à côté de la plaque de Tim Morse. Cela ressemblait strictement à rien si ce n’est à un long vomi douloureux. La seule chose qui – musicalement – pourrait se rapprocher des débuts d’Anal Cunt serait le non moins putrescent Tokyo Anal Dynamite de Gerogerigegege ou comment faire une musique de haine à l’aide de « vrais » instruments tout en se rapprochant du harsh noise. Plus on avance dans l’écoute de The Old Testament 1988 – 1991 et plus le résultat commence à ressembler à quelque chose de connu à défaut d’être maîtrisé – il y a même une reprise de MC Hammer et du live « acoustique » ! Mais, encore une fois, la ligne de direction de Seth Putnam n’était pas de chercher à communiquer sur quoi que ce soit mais bien à provoquer dégoût et nausée avec ses déflagrations d’une imbécilité rarement atteinte jusque là.

Génie allumé pour les uns (genre « le GG Allin du grind ») ou crétin stupide et nuisible selon presque tous les autres, Seth Putnam aurait donc eu le temps d’assembler cette compilation lui-même avant de mourir et ce à la demande de Relapse*. Par contre on se rappelle qu’Anal Cunt avait été déprogrammé du Hellfest 2011 pour calmer certains esprits s’offusquant des appels à la haine homophobe, raciste et sexiste du groupe. Il y a ceux qui prétendent que tout ceci n’était qu’un jeu (dangereux) de la part de Seth Putnam et il y a ceux qui affirment que ce type était au delà du nauséabond et de l’ignoble. On aurait pu demander à l’intéressé de répondre pour une fois sérieusement à ce questionnement sans fin mais Seth Putnam a eu la bonne idée de mourir avant, presque encore jeune, avant en tous les cas d’avoir l’air complètement ridicule ou d’avoir l’idée de se repentir ou – tout au contraire – de virer à l’idéologue rance et établi. Merci la mort.

[cette délicieuse chronique vous pouvez également la lire – mais avec une impardonnable faute d’orthographe au nom de Seth Putnam – dans le tout récent numéro 8 de (new) Noise, ce qui présente deux énormes avantages : premièrement un journal imprimé sur du papier c’est plus facile à emporter aux chiottes ; deuxièmement vous pourrez ainsi en profiter pour vous torcher avec la page contenant cette chronique, je suis sûr que cela aurait plaisir à Seth Putnam – R.I.P]

* mais il n’a pas du trop se fouler non plus : il n’aura en effet pas échappé aux plus fins des amateurs d’Anal Cunt que ce The Old Testament 1988 – 1991 est une version un tout petit plus complète de The Early Years, un double CD publié en 2000 par Artemis records

Hazel-Rah / The Africantape EP

2012-02-03T00:00:00.006+01:00

Hazel-Rah est le projet de Tim Byrnes – compositeur, claviériste, trompettiste et chanteur de son état –, un musicien que certains d’entre vous ont peut-être déjà entendu au sein de formations aussi diverses et variées que Tartar Lamb et Kayo Dot (toutes les deux en compagnie de Toby Driver) ou de PAK (avec le génial Ron Anderson) et même aux côtés du jazzman expérimentateur Anthony Braxton. Ça vous situe un peu le bonhomme, non ? Hazel-Rah est la créature du seul Tim Byrnes en ce sens qu’il est seul à penser et composer la musique du groupe et qu’il en est également le seul membre permanent. Depuis 2007 Hazel-Rah a ainsi connu de nombreuses formations différentes, allant du simple duo au big band et pour entendre quelques extraits des différentes incarnations du groupe rien ne vaut une petite visite en bonne et due forme du côté de la page soundcloud d’Hazel-Rah.

The Africantape EP est le premier enregistrement officiel d’Hazel-Rah, sous la forme de deux longs titres gravés sur un joli 10 pouces. A ce moment là le line-up du groupe était le suivant : Tim Byrnes évidemment, Adam Minkoff à la guitare, Charlie Looker d’Extra Life à la guitare également et David Andrew Moore à la batterie. Prédominance des guitares en mode déstructuré, batterie complexe voire carrément jazz, trompette en sous main (avec un son tellement trafiqué que l’instrument est parfois méconnaissable), du synthétiseur mais plutôt discrètement et un chant assez curieux, à la fois nasal et lyrique. Ce chant est peut être l’élément le plus difficile à encaisser du disque, non pas qu’il soit complètement hors-normes mais au contraire parce qu’il ne l’est peut-être pas tout à fait suffisamment – surtout sur la première face du disque, Behold, A Firewall. Evidemment c’est Tim Byrnes qui chante et non pas Charlie Looker et s’il y a parfois quelques similitudes, on peut regretter que le leader d’Extra Life n’ait pas pris un peu plus l’ascendant : sa façon si précieuse de chanter, ses tonalités moyenâgeuses et son vibrato lyrique aurait donné encore plus d’étrangeté à la musique d’Hazel-Rah.

Si le chant est donc perfectible, tout le reste se passe largement de critiques. Behold, A Firewall tout comme Stars rappelleront le meilleur du rock progressif – non, ne partez pas ! – mais pas celui qui s’étale à longueurs de démonstrations pénibles et masturbatoires mais celui qui fait appel avant toutes choses à l’imagination, la fantaisie et l’humour… on peut penser à la (pseudo) école de Canterbury, à Soft Machine (les guitares en moins, évidemment, quelque part entre Volume Two et Third) et à leur descendance tel que le Cheer Accident de Thymme Jones. La musique d’Hazel-Rah est brillante mais évite toute flamboyance car elle puise également une certaine sécheresse voire une tension accrue dans le son des musiques actuelles, option noise et metal – ce n’est donc pas un hasard si c’est Colin Marston (Behold… The Arctopus, Dysrhythmia, Krallice, Gorguts, etc) qui s’est occupé de l’enregistrement, il a réussi à donner un vrai tranchant à la musique d’Hazel-Rah.

Comme son nom l’indique The Africantape EP est publié par Africantape et augure très bien de la suite. La suite c’est un album complet à paraitre pour la deuxième moitié de l’année. Et on se surprend également à espérer qu’Hazel-Rah fera bien partie de la programmation de la deuxième édition du Festival Africantape qui se tiendra les 7, 8 et 9 décembre 2012 au Magasin 4 de Bruxelles…

Vaz / Chartreuse Bull

2012-02-02T00:02:00.012+01:00

Ce n’est que maintenant que je m’aperçois qu’il y a un très grand absent dans le Top Of The Dope 2011, hit-parade de bon goût concocté par 666rpm. Ce grand absent c’est VAZ et le cinquième album du groupe, Chartreuse Bull. Enfin… le cinquième ou le quatrième LP du groupe, tout dépend de comment on compte : on peut en effet toujours attendre que Narnack records se décide un jour à publier Pink Confetti, un album entier enregistré il y a plus de quatre ans mais que l’on peut facilement dénicher en version mp3 low fidelity en cherchant, même mollement, sur internet. D’ailleurs les concerts que Vaz avaient donnés à cette époque (2007) – avec un étonnant line-up à trois guitaristes – nous font parfois regretter ce trou noir dans la discographie du groupe…

Le pire est que Chartreuse Bull a bien failli subir le même sort que Pink Confetti puisqu’il n’a d’abord été disponible qu’en streaming avant de bénéficier d’une ridicule publication en cassette et à tirage très limité. Bande de hipsters de merde. Puis, presque miraculeusement, le label Sleeping Giant Glossalia a décidé de sortir l’album sous un format enfin à sa hauteur, en vrai et surtout en vinyle. Fétichiste un jour, fétichiste toujours.

Heureusement Chartreuse Bull rattrape le temps perdu et efface la période représentée par le troisième album The Lie That Matches The Furniture puis par le fantôme Pink Confetti – deux disques beaucoup plus « pop » et avec quelques relents dark un peu kitsch, souvent décriés par quelques détracteurs mais qu’ici on aime bien quand-même. Et surtout Chartreuse Bull permet à Vaz de revenir du côté de son premier album Demonstrations In Micronesia, le meilleur aussi. Le meilleur mais peut être pas pour très longtemps car sur Chartreuse Bull la paire Paul Erickson aka Apollo Liftoff/Jeff Mooridian (ils sont accompagnés d’un nouveau guitariste en la personne de Tyler Nolan) semble au sommet de sa créativité et de sa hargne.

On a toujours aimé chez Vaz le mélange entre évidence mélodique – souvent assurée par le chant – et incandescence et chaos de la musique, un mélange hérité de l’époque où Erickson et Mooridian officiaient encore au sein du génial Hammerhead. Et du Hammerhead on en trouve des tonnes sur Chartreuse Bull, bien plus que Vaz ne nous en avait jamais offert, y compris sur Demonstrations In Micronesia. Le mimétisme est plus que troublant, il est souvent évident et toujours imparable : après tout, ces deux là en ont parfaitement et légitimement le droit. On prend donc Chartreuse Bull et ce Vaz « nouvelle formule » comme la suite logique et heureuse d’Hammerhead, surtout des albums Ethereal Killer et Into The Vortex. Des compositions qui prennent des tournures irrésistibles et qui en même temps vous mordent jusqu’au sang. Des riffs incroyables, des breaks incandescents, des plans de batterie de malade, un chant impérial. Derrière un son sombre et crade – Ben Goldberg de Zs a assuré l’enregistrement – jaillissent ces fulgurances entêtantes qui ne peuvent que donner envie de fondre sur place. Je crois que je pourrais écouter des titres tels que The 2nd ou Clone Theory une journée entière sans me lasser, à en devenir presque totalement fou.

Report : Moms On Meth et Bacchus au Trokson - 29/01/2012

2012-02-01T00:00:00.004+01:00

Le concert débutera à 20 heures précises, une phrase imprimée sur les flyers du monde entier qui fait toujours rire car on finit toujours par attendre plus ou moins, bon gré mal gré. Cela fait partie du jeu et le jeu peut être assez amusant – papotages, rencontres, bières – sauf en plein mois de janvier, au beau milieu de l’hiver et alors qu’il gèle à pierre fendre. J’attends donc, tout seul puis à plusieurs que le concert réunissant Moms On Meth et Bacchus veuille bien commencer.

La raison de l’attente était du reste toute simple : l’organisateur avait annoncé un prix de 5 euros tandis que le Trokson (le bar accueillant le concert) préférait mettre l’entrée à prix libre, proposant par contre de rémunérer les groupes sur les bénéfices du bar (et ce faisant majorant le tarif des consommations*). Il y a déjà des endroits où ce genre de pratique est courante – on m’a parlé d’un bar assez fabuleux sur Nîmes où les concerts sont toujours blindés, l’ambiance toujours délirante et où le patron refile au minimum 300 euros à la fin de soirée. 300 euros ce n’est pas rien mais cela semble exceptionnel. Si on peut comprendre qu’un patron de bar veuille préserver ses billes tout en accueillant un concert, le système est par contre très contraignant et défavorable pour les orgas et groupes DIY : tourner se fait souvent à perte – tu as vu le prix de l’essence ? tu as vu les droits de passages des autoroutes ? – ou tout du moins en rentrant juste dans ses frais.

Car en plus le prix des petits concerts n’a pas augmenté ces dernières années, il a même baissé et les groupes, quelle que soit leur bonne volonté, souffrent – pour mémoire à Lyon en 1988 Gougnaf ou les Silly Hornets mettaient les prix des concerts à 50 francs puis entre 1996 et 2001 le Pezner faisait seulement payer entre 50 et 70 francs alors que la monnaie avait alors un pouvoir d’achat bien supérieur à notre euro actuel. Il faut garantir un minimum aux groupes qui tournent, vivre sa musique avec passion c’est bien mais crever de faim n’est pas une solution.

Finalement le concert a été payant et 5 euros est un prix correct pour un concert réunissant deux groupes dans une cave très (très) sombre.

C’est avec une réelle impatience que j’attendais de voir enfin Moms On Meth en concert. Le groupe a pourtant déjà joué au moins quatre fois sur Lyon en six mois… Dans Moms On Meth on retrouve un guitariste des Veuve SS, un batteur des Lost Boys ainsi qu’un bassiste et un autre guitariste que j’ai déjà vus jouer mais je ne me rappelle absolument pas avec qui ni où – ça c’est de la précision, merci. Ce qui m’intriguait c’est l’avalanche de commentaires très élogieux autour du groupe, ce qui m’intriguait aussi c’est que des groupes hard core flirtant avec le power violence il n’y en a pas des masses dans le paysage musical actuel pour ne pas dire qu’il n’y en a pas du tout sur Lyon. Et j’étais très intrigué par Elizabeth qui chante et joue également de la basse dans Alligator : si je suis presque totalement réfractaire à ce duo pop qu’elle a monté avec Lisa de Réveille (parce que j’ai des goûts de merde) je me demandais comment allait se passer les choses lorsqu’elle joue avec Moms On Meth – les deux groupes étant radicalement antinomiques, c’est le moins que l’on puisse dire. En fait je savais déjà plus ou moins de quoi il en retournait puisque j’avais triché en regardant des vidéos de Moms On Meth qui tournent sur le net… mais rien ne vaut un vrai concert, pas vrai ? Voilà donc une vraie hurleuse et qui n’en fait pas trop, bravo.

Mais Moms On Meth c’est aussi les quatre boys qui dézinguent avec une violence inaltérable un fast core qui tire parfois sur le grind – le batteur est un monstre –, avec des riffs qui tiennent du carnage et des compositions extrêmement bien torchées. Et puis le groupe a bénéficié d’un avantage de poids en jouant sur le matériel de Bacchus (le groupe d’après), lequel possède une collection d’amplis aussi démesurés que surpuissants. Moms On Meth a donc assuré avec un gros son de malades. Et rajoutons enfin qu’un groupe reprenant Hate The Police des Dicks avec autant de réussite ne peut pas être mauvais. Des mères de famille usagées, de la drogue de synthèse pourrie, ça y est je suis amoureux.

Pour faire vite on va dire que Bacchus est un pur groupe de crust. Tout ce qu’il faut là où il faut et des comme ça on en a connus des dizaines et si l’espèce humaine arrive à survivre à l’année 2012 – ce que je ne lui souhaite pas, après ce sera encore pire – on en verra encore sûrement quelques dizaines de plus. Ces irlandais – mais on s’en fout d’où ils viennent, non ? – jouent comme des brutes et assurent un mur du son bien compact grâce à la rangée d’amplis déjà évoquée. J’abandonne la cave du Trokson après quelques titres, un peu lassé bien que partiellement conquis par tout ce déluge. Je rejoins mes parisiens du moment toujours en visite sur Lyon, et en route pour le marchand de tandoori du coin. Quand je vous disais que la faim peut aussi être l’ennemi de la musique.

* j’ai payé ma bière 2.60€ alors qu’un quart d’heure avant un ami avait payé la sienne 2.30€ – il faut vendre un paquet de bières pour assurer un minimum décent aux groupes qui jouent, non ?

Report : Sheik Anorak au Kraspek Myzik - 28/01/2012

2012-01-31T00:03:00.027+01:00

Le Kraspek Myzik. Cela fait une éternité que je n’ai pas assisté à un concert dans ce lieu… Ou plus précisément il m’arrivait parfois de m’y rendre au siècle dernier ou au début de celui-ci lorsque l’endroit s’appelait encore le [kafé myzik] et était tenu par une équipe de passionnés* qui ont tout fait pour le pérenniser. C’était exactement à l’époque où l’hygiénisme urbain a commencé à faire des ravages sur Lyon, où les prix de l’immobilier ont aussi commencé à exploser, ou des gens ne sachant pas quoi faire de leur argent ont acheté des beaux appartements de Canuts** avant de s’apercevoir que le quartier de la Croix-Rousse avait une vraie vie nocturne assez intense et passionnante.

Elle est banale l’histoire du gros con qui achète à prix d’or un bel appart avant de constater qu’il y a une mini salle de concert dans le même immeuble et d’entreprendre toutes les démarches nécessaires pour faire fermer le lieu ou limiter son activité au strict minimum. Avec bien sûr l’assentiment des élus locaux, trop fier d’eux-mêmes et de transformer un ancien quartier populo en musée et en ghetto de parvenus – je me rappelle d’un ancien maire du 1^er arrondissement de Lyon qui avait fait toute sa campagne en allant serrer des mains dans les bistrots le soir et qui une fois élu avait permis qu’ils soient fermés un à un. C’est ce qui est arrivé au [kafé myzik] dans sa forme originelle… Ce fiasco fut aussi l’un des points de départ de l’aventure Grrrnd Zero.

Mais le lieu n’a pas entièrement fermé. Devenu Kraspek, il a été transformé et une nouvelle équipe, passionnée elle aussi et sûrement un peu inconsciente voire téméraire, a remplacé l’autre il y a quelques années. L’étage est désormais réservé à des bureaux – je me souviens d’y avoir assisté à un concert de Love’s Holiday (le duo acoustique Eugene Robinson/Niko Wenner) venu présenter le documentaire Music For Adults consacré à Oxbow. Fini aussi les concerts électriques… là encore je me rappelle d’un fabuleux concert d’Oxes pendant lequel les deux guitaristes du groupe s’étaient échappés de la salle (grâce à leur dispositif sans fil) et s’étaient mis à courser les voitures Montée St Sébastien tout en continuant à jouer !

Mais heureusement aussi que les temps changent. Après avoir été contraint de n’organiser que des concerts non bruyants voire totalement acoustiques, le Kraspek semble reprendre un peu du poil de la bête. Ce qui explique que désormais – et jusqu’à quand ? – le lieu peut à nouveau donner dans l’électrique. Peut-être une alternative après l’arrêt momentané de Grrrnd Zero mais surtout un pis-aller : le Kraspek c’est vraiment tout petit, si on n’est pas devant on voit rien et le son n’est pas terrifiant de qualité. Et il m’a semblé que nombre de personnes présentes en ce samedi soir ne s’étaient pas déplacées en connaissance de cause mais étaient simplement sorties dans un lieu situé sur les pentes de la Croix-Rousse.

En ce qui me concerne si Sheik Anorak n’avait pas été programmé ce jour là au Kraspek, je n’y serais sans doute toujours pas retourné après toutes ces longues années… malheureusement Sheik Anorak a sûrement donné en cette occasion le moins bon concert venant de sa part auquel j’ai jamais assisté. Pas très à l’aise, avouant de lui-même être « laborieux » notre héro n’a pourtant pas démérité – il a chaudement été applaudi, comme quoi un mauvais concert de Sheik Anorak se révèle toujours au dessus de la moyenne – et il a en plus enchainé les incidents techniques (le coup de la cymbale volante était réellement spectaculaire). Il n’empêche que la musique de Sheik Anorak est toujours une machine à tubes et que le « nouveau » titre chanté est un vrai régal.

Ce sont les suisses de Disco Doom qui ont ensuite pris possession de la minuscule scène du Kraspek. Après un temps infini consacré à résoudre un problème de micro, le concert a enfin pu commencer. L’écoute préalable des enregistrements de Disco Doom ne m’avait guère convaincu. Les premiers titres joués à ce concert non plus : la pop geignarde et noisy du groupe – avec chant trainant à souhait – n’est pas vraiment ma tasse de thé et lorsque le groupe est passé à la vitesse supérieure et a flirté avec une noise beaucoup plus virulente (pensez au Sonic Youth de Sister) je n’ai guère été emballé non plus. De toute façon j’avais décidé de ne faire aucun effort.

Tout simplement parce que j’avais également plus ou moins rendez-vous avec un couple de parisiens en goguette plus quelques autres connaissances locales mais tout aussi assoiffées et que tous ensembles nous avons décidé d’aller boire des bières ailleurs. La soirée s’est donc terminée de manière nettement plus satisfaisante et bordélique.

* notamment on ne dira jamais assez tout ce que Damien Grange – musicien bien connu ici – a entrepris et enduré pour le [kafé mysik]

** historiquement ceux-ci étaient occupés par des ouvriers textiles qui y travaillaient et y vivaient en famille, de nos jours on qualifierait pudiquement ce genre d’habitations de logements sociaux alors que c’est devenu le nec plus ultra du chic bobo-écolo.

The Ames Room / Bird Dies

2012-01-30T00:00:00.025+01:00

Bird Dies, est le deuxième enregistrement du trio The Ames Room – composé de Jean-Luc Guionnet (saxophone alto), Clayton Thomas (contrebasse) et Will Guthrie (batterie) –, un enregistrement dans la droite lignée du LP In publié en 2010 par l’excellent label polonais Monotype records et également mis en boite en concert. La précision est d’importance car The Ames Room pratique un free jazz incandescent et salutaire, ça on aurait pu s’en douter rien qu’à l’évocation des noms des musiciens formant le groupe, une musique formidablement instinctive, puissante et enivrante. Une musique de scène, faut-il encore le préciser, magie de l’instant présent, d’une alchimie particulière et terrassante, puissance de feu et monstre de beauté.

In arrivait particulièrement bien à capter l’intensité de deux concerts différents – un par face : un concert donné à Niort et l’autre à Poznan – mais n’en présentait qu’une vingtaine de minutes à chaque fois. Avec Bird Dies on peut espérer pouvoir entendre presque l’intégralité d’une prestation donnée en mars 2010 à Lille, soit 45 minutes d’un free jazz qui ne manque ni de souffle ni d’idées. Entendre les trois musiciens batailler aussi fermement, durement et sans faiblir pendant aussi longtemps est une expérience à la limite de l’incroyable et de l’inouï : The Ames Room fait évidemment très directement penser au free jazz libertaire des années 60 et 70 (de Peter Brötzmann à Evan Parker, par exemple) tout en retrouvant l’absence de compromis et l’exigence originelle de celui-ci – les trois musiciens jouent tout le temps, ensemble et sans s’arrêter, repoussant sans cesse les limites du paroxysme et en particulier se retrouvent entrainés toujours plus loin par cet incroyable batteur qu’est Will Guthrie*. Cela a l’air de rien alors que toute la beauté de la musique de The Ames Room est précisément là, dans ce furieux main dans la main à trois, cette fusion organique des instruments et la folie impétueuse qui en ressort. Ici pas de solo d’un musicien pendant que les deux autres se taisent. Jamais.

N’allez pas croire que les trois instrumentistes de The Ames Room n’ont alors qu’un seul but, celui de jouer simultanément n’importe quoi et le plus fort possible : au contraire chacun rivalise de finesse dans son jeu, de détails subtils et les trois musiciens de se répondre ainsi, isolés ensemble dans l’œil du cyclone qu’ils ont eux-mêmes généré, sollicitations multidimensionnelles mais jamais à l’aveugle, une fusion démentielle. Bird Dies est aussi l’occasion de découvrir un merveilleux contrebassiste, l’australien Clayton Thomas.

Il est vraiment rare de ressentir autant d’intensité à l’écoute d’un enregistrement en concert mais c’est pourtant bien le cas de Bird Dies. On n’ose à peine imaginer ce que cela peut donner lorsque on assiste soi-même à un concert de The Ames Room… une expérience que chacun pourra tenter très bientôt puisque justement The Ames Room donnera une petite série de dates avec en particulier pour les lyonnais celle du 2 février au Périscope.

* une nouvelle concernant Will Guthrie : le label nantais Les Pourricords associé à Gaffer records s’apprêtent à publier un enregistrement solo de ce génie et poète des rythmes

Keiki - Bee And Flower / split

2012-01-29T00:05:00.004+01:00

Encore un split publié par Cheap Satanism records. Celui-ci est sorti un peu avant celui réunissant Joy As A Toy et Germanotta Youth et que l’on a déjà évoqué ici… C’est précisément et paradoxalement la déconvenue (un seul bon titre sur cinq) rencontrée avec ce dernier qui a poussé le Service Barbecue A Toutes Heures Et Nécrophagie Participative de 666rpm à s’intéresser à son prédécesseur. Et je vais en profiter pour ouvrir une parenthèse pour vous expliquer comment fonctionne les choses ici – après tout, vous avez le temps parce qu’aujourd’hui c’est dimanche et que le dimanche on s’emmerde – et surtout vous expliquer comment sont classés les disques promo en attente de chronique : il n’y a aucune logique ni aucune méthode. Après réception, les disques sont empilés dans un coin sans être écoutés et une fois qu’ils ont un peu trop pris la poussière, s’offrent à eux deux possibilités : un aller pur et simple et sans appel pour la poubelle ou alors une toute petite écoute histoire de savoir de quoi il en retourne exactement avant de gagner un aller pur et simple et sans appel pour la poubelle. Il n’y a pas à tortiller.

Keiki demarre la face A de ce 10 pouces – j’adore écrire ce genre de phrase alors que je n’ai reçu qu’un CDr promo (c’est bien normal et naturel vu ce que j’en fais) – et d’entrée je me tétanise : Pete Simonelli d’Enablers est invité sur Full Body Wolf. Mon problème avec Enablers et Pete Simonelli a peut être commencé avant Blown Realms And Stalled Explosions mais il ne s’est certainement pas arrangé depuis. Selon quelques connaissances et amis proches je suis atteint de Simonellite, une infection assez grave qui se déclare en opposition chez les gens de très bon goût et déjà atteints de Oxbose. Les deux virus sont totalement incompatibles et, fort heureusement, lorsqu’on est comme moi atteint à un stade avancé d’Oxbose, la Simonellite finit par capituler et se ratatiner au fin fond de votre moelle osseuse comme un étron oublié gisant au fond de la cuvette des toilettes. Donc on titre la chasse et on oublie directement ce Full Body Wolf malgré la présence d’un beau thérémine. Sur A Woman’s Love les deux Keiki sont enfin tout seuls – Keiki c’est une fille qui « chante » et un garçon qui fait le plus gros du travail, c'est-à-dire tout le reste – et cette pop acérée a tout pour plaire : élégance bricolée et minimalisme de la composition. Plus que tout la voix – je répète que c’est donc une fille qui chante/parle et on sait bien que c’est ça le plus important – a ce petit grain qui séduit sans que l’on sache exactement pourquoi. Ah si je sais pourquoi : on croit à toute son histoire même sans essayer de comprendre les paroles.

Sur la face B Bee And Flower propose également deux titres. Deux titres qui touchent autant si ce n’est plus que le A Woman’s Love de Keiki mais d’une manière toute différente. Ce groupe partagé entre New-York et Berlin et mené par une chanteuse de caractère est d’un classicisme absolu – un scribouillard de Rock & Folk parlerait de « classic rock », un pisse-copie des Inrockuptibles évoquerait un certain « adult rock » mais on s’en fout – et on chavire voluptueusement à l’écoute de ces chansons très Bad Seeds fin de règne (Jackson) ou Shannon Wright ou je ne sais quelle folkeuse de variétoche en mode fin de programme de soirée sur Arte (You’re Not The Sun). Parfait pour perdre son temps, un après-midi d’hiver ensoleillé, à faire des ronds avec le doigt sur les vitres embuées de la cuisine.

Robert Lippok / Redsuperstructure

2012-01-28T00:05:00.003+01:00

Pour faire vraiment très simple et pour situer un peu Robert Lippok, on pourrait dire qu’il est le frère de Ronald (qui chante et joue dans Tarwater) et qu’on les retrouve tous les deux au sein de To Rococo Rot, célèbre trio berlinois issu du renouveau simili kraut allemand des années 90. Tous supports confondus, Redsuperstructure est le quatrième disque que Rober Lippok publie uniquement sous son propre nom. Une publication sur le label Raster-Noton, ce qui constitue en quelque sorte des retrouvailles puisque Robert Lippok y avait fait paraitre en 2001 un magnifique Open Close Open, un disque encore dans toutes les mémoires des amateurs de musique électronique et ambient.

Il n’en demeure pas moins que Redsuperstructure tranche quelque peu avec l’austérité du catalogue du label tenu par Carsten Nicolai/Alva Noto. On aura même pu remarquer cette pochette presque aussi bariolée qu’un drapeau jamaïcain. Heureusement qu’un découpage séquentiel à base de losanges est là pour nous rappeler que l’on est bien sur les territoires des musiques électroniques répétitives, abruptes et algorythmées. Ce qui n’est pas forcément le cas de Redsuperstructure, disque principalement axé sur les recherches sonores et d’ambiances et non sur les superpositions/collisions qui aboutissent à un côté robotique et matriciel. Pourtant des rythmes il y en a ici (à partir du deuxième titre Inphase et sur un bon tiers des titres de l’album) mais ils génèrent presque une certaine douceur, en tous les cas une nonchalance, qui donne un côté aéré à l’ensemble. Et l’ensemble ce sont une multitude de sons agencés de manière dynamique mais jamais implacable, des sons qui pétillent, grésillent chaleureusement, pixellisent, dérapent et dissonent parfois (Sugarcubes).

Redsuperstructure est donc placé sous le signe d’une certaine musicalité – on retrouve au quatrième sous-sol quelques aspects de la musique de To Rococo Rot mais fort heureusement on évite presque toute forme de kitsch chère au trio (malgré un Nycycle bien peu glorieux et en deçà de tout le reste) –, une musicalité dont le point culminant est un titre comme Whitesuperstructure, mélange de rythmiques fières et de bulles magnétiques des plus charmantes. « Charmant » c’est même le terme qui revient le plus souvent en tête à l’écoute de l’ensemble de Redsuperstructure… Or il convient d’aller creuser un peu plus loin pour apprécier ce disque à sa juste valeur : la musique de Robert Lippok échappe aisément à la vacuité onaniste dont nombre de musiques électroniques se sont fait une spécialité. La preuve en est ce Daylightastronomy final de presque un quart d’heure et qui justifie presque à lui tout seul que l’on s’intéresse à Redsuperstructure – une sorte de symphonette electro ambient avec flash de retours d’acide sous obédience glitch et roucoulades en apnée. Idéal pour se réveiller mais pas trop et encore mieux pour se rendormir à moitié, bien à l’abri des intempéries.

Lettre à Gérard Collomb et Georges Képénékian en soutien à Grrrnd Zero

2012-01-27T00:01:00.012+01:00

Ci-dessous la lettre que le comité rédactionnel de 666rpm a rédigé en collaboration avec le service Propagande & Manigance, une lettre adressée par voie de mail au Maire de Lyon Gérard Collomb ainsi qu’à l’élu municipal chargé de la culture, Georges Képénékian.

Pour info et/ou pour mémoire, toutes les explications données par Grrrnd Zero au sujet de cette opération de soutien vitale et nécessaire sont ici.

A l’attention de Gérard Collomb, maire de la ville de Lyon et de Georges Képénékian, adjoint à la culture.

Messieurs,

Le collectif Grrrnd Zero tire la sonnette d’alarme et lance un vaste appel à soutien – la raison ? le collectif est menacé d’expulsion des locaux qu’il occupe dans le 7^ème arrondissement de Lyon (quartier de Gerland) et qui lui permettaient jusqu’à présent d’accueillir des musiciens, des groupes et tant d’autres associations.

Il va sans dire que cette situation est aussi catastrophique que consternante. Après avoir du amèrement renoncer à l’utilisation du Rail Théâtre dans le 9^ème arrondissement de Lyon suite à de nouvelles normes acoustiques totalement incompatibles avec l’activité de concerts amplifiés (95 dB en crête c’est seulement le volume sonore que dégage un public raisonnablement enthousiaste après la prestation d’un groupe lambda de « rock » ou de chanson), l’existence de Grrrnd Zero est encore plus directement remise en cause par cette nouvelle menace d’expulsion.

Simple amateur de musique(s), je tenais à vous rappeler que ce collectif est un acteur essentiel et incontournable de la vie culturelle lyonnaise, œuvrant au sein des musiques underground, en marge, décalées, expérimentales – appelez-les comme vous le voulez – et un relai salutaire entre une création artistique forte et innovante qui ne demande qu’à se développer et un public nombreux, soyez-en sûrs, et concerné par de telles pratiques musicales. Pratiques qui se démarquent également très clairement de l’hyper consumérisme culturel ambiant et de la frilosité créatrice qui en découle et qui fort malheureusement sont devenus la norme actuelle, symptomatiques des tentatives de nivellement par le bas de nos aspirations et compagnons de route de l’hygiénisme et de l’aseptisation rétrograde de nos cadres de vie urbains.

Une fois de plus la Ville de Lyon – qui avait pourtant fut un temps prétendu au titre de Capitale Européenne de la Culture – se distingue en laissant tomber des acteurs musicaux et culturels qui représentent non seulement la pointe de l’innovation mais aussi le futur probable de la musique. Renseignez-vous donc un peu : Grrrnd Zero est également connu et reconnu de partout en France et même largement au delà des frontières pour avoir accueilli des musiciens essentiels, appréciés, récompensés, honorés et d’autres qui le deviendront peut être aussi un jour.

Expulser Grrrnd Zero c’est priver toute une scène hyperactive, bouillonnante, innovante et aventureuse d’un outil de travail et de création vitale pour elle. Car en matière de création culturelle en général et de musique en particulier, il ne suffit pas d’honorer le passé via un Opéra, un Auditorium ou des festivals organisés à grands frais au milieu de ruines gallo-romaines, il faut également soutenir l’avenir et une partie de cet avenir est assurément représenté par le collectif Grrrnd Zero.

C’est pourquoi j’apporte tout mon soutien à Grrrnd Zero et aux personnes passionnées qui gèrent le lieu. Avec elles je réclame la pérennisation ou un relogement de Grrrnd Zero – exigence qui ne me parait absolument pas insurmontable pour une ville de grande taille telle que Lyon et dont les points essentiels sont les suivants :

- un bâtiment adapté à la création musicale et à sa diffusion auprès de toutes et de tous

- un bâtiment permettant l’accueil temporaire ou permanent des nombreuses associations jusqu’ici hébergées par Grrrnd Zero avec la possibilité – pourquoi pas – d’en accueillir de nouvelles.

- un bâtiment entièrement dédié à Grrrnd Zero et non pas un relogement au rabais au milieu d’autres activités peut être incompatibles avec celle de Grrrnd Zero – vous n’êtes pas sans savoir que ce ne sont pas les friches industrielles qui manquent en ce moment

- un bâtiment qui doit être un lieu unique, regroupant absolument toutes les activités du collectif et représentatif de sa diversité et de son intense bouillonnement

- un bâtiment qui soit la reconnaissance de Grrrnd Zero en tant qu’acteur essentiel, innovant et créatif de la vie culturelle locale

Gilles Poizat / Micro-Vertige Et L'Expérience Du Flottement

2012-01-26T00:06:00.005+01:00

Carton records étonne à nouveau avec la publication du premier album de Gilles Poizat, Micro-Vertige Et L’Expérience Du Flottement. Quel titre, hein ? Et si je vous précise qu’en plus Gilles Poizat chante accompagné de sa seule guitare ou presque une sorte de folk psychédélique et bancal, je suis sûr que la plupart d’entre vous finirez par fuir en courant. Donc je ne vous dis rien du tout. Mais honnêtement je n’en pense pas moins. Et à l’intention de toutes celles et de tous ceux qui ont décidé au contraire de rester collé(e)s à cette chronique pour au maximum une minute supplémentaire, je ne peux que vous féliciter et vous dire que vous faîtes très bien : Gilles Poizat et Micro-Vertige Et L’Expérience Du Flottement sont une magnifique découverte.

Mais faisons rapidement les présentations. Le garçon dont on vous parle ici a testé maintes expériences musicales en groupe et possède également une solide expérience en matière d’apprentissage classique de la musique, option trompette (instrument que l’on retrouve de rares fois mais toujours à propos le long de Micro-Vertige Et L’Expérience Du Flottement). Et puis un jour il a eu envie de composer et de chanter tout seul, hop-la. Cela a l’air très facile, expliqué comme ça. Et ça l’est tout autant à l’écoute d’un disque qui dès les premiers instants se révèle lumineux, d’une beauté simple mais vertigineuse, d’une émotion instinctive. Le charme est total, immédiat et durable.

Des chansons c’est donc uniquement ce que propose Micro-Vertige Et L’Expérience Du Flottement, il y en a onze en tout, mais des chansons de cette qualité et de ce genre de vérité là, on n’en rencontre pas tous les jours. Et même pas à chaque équinoxe de Printemps. Et peut être pas plus d’une petite poignée de fois dans sa vie d’amoureux de la musique. Carrément. Des chansons expérimentales mais expressives qui résonnent dans leur entier, vibrantes malgré l’économie des moyens employés (c’est donc qu’ils le sont avec une justesse appropriée) et intimement touchantes. Des textes – en anglais et en français – à en chialer, une façon de chanter entre traverses bancales, fragilité assumée, lyrisme pop et, enfin, des tournures mélodiques ainsi qu’une étrangeté familière à s’en retrouver tout habillé de chair de poulet pour un bon moment. On peut penser à beaucoup de choses et à de grands noms à l’écoute de la musique de Gilles Poizat – Syd Barrett, Robert Wyatt mais aussi David Grubbs – mais on découvre vraiment et surtout un musicien, un chanteur, un compositeur, un auteur…

Voisins lyonnais, apprenez également que Gilles Poizat est en concert au Périscope le jeudi 26 janvier (ce soir, donc) puisque assurant la première partie de Vialka.

En outre Carton records a simultanément publié le premier EP de Jeanne Added et annonce les sorties des prochains disques de OK, Lunnatic Toys et IRèNe – on attend tout ça avec une impatience certaine.

Oxes / Bile Stbudy

2012-01-25T00:01:00.000+01:00

Ceci n’est pas un nouvel album d’Oxes*. Mais un simple12’ comprenant trois titres. C’est tout ? Plus de six années après un EPqui lui-même avait tant tardé après les deux albums du groupe – un sans-titre**en 2000 puis Oxxxes en 2002 ?Oui, c’est tout. Trois titres dont deux que l’on connait déjà… Ouch ! Maison y va quand-même, habitués, un rien intrigués, tout en étant persuadés queOxes est un groupe de clowns et de géniaux guignols avec trois types qui ontbien bossé il y a plus de dix ans pour mettre en place une musique, une sortede scénographie et donc une image dont Oxes peut être fier mais dont le groupeest également prisonnier.

Qu’importerait donc les disques qu’Oxes peut bienenregistrer du moment que le groupe est toujours aussi débile en concert. Et ilpeut encore l’être, comme il l’a montré lors de sa tournée européenne de 2011.Quoi qu’à cette occasion on a pu avoir du mal à digérer la pilule d’une rediteprévisible et un rien paresseuse. Les blagues les plus courtes sont lesmeilleures ? Le doute s’installe… Pour le trio aussi l’immuable règle d’ordes vieux cons revenus de tout semble fonctionner ainsi : Oxes c’étaitmieux avant.

Donc ce disque, intitulé Bile Stbudy. Deux titres sur la face A (Crunchy Zest et Bile Stbudy) et un seul sur la face B (Orange Jewelryist). La présence dupremier et du troisième rend obsolètes les deux 12’ publiés par Africantape auprintemps 2011, deux maxis 45 tours total 80’s et qui présentaient chacun deces titres accompagnés de remix oscillant entre l’insignifiant et l’inutile.Sans ces embarrassants compléments technoïdes bas du front, réécouterl’excellent Crunchy Zest et le nettementmoins bon Orange Jewelryist est unvéritable plaisir car on y retrouve tout ce que l’on aime chez Oxes : cesduels de guitares, les riffs qui ne laissent aucune chance, ces pseudos solosde branleur et même sans l’image on en rigole… On en rigole comme des cons, commelorsqu’on regarde pour la 666^ème fois la même séquence d’un deses films préférés se moquant de l’obscurantisme religieux. Bile Stbudy, le seul réel inédit destrois, vous fera le même effet, pilepoil qualitativement parlant entre Crunchy Zest et Orange Jewelryist. Rien de nouveau mais rien d’inutile non plus,comme si Oxes nous permettait de relever les compteurs et nous donnait déjàrendez-vous pour dans six ans – mais serons-nous encore là ?

L’illustration de la pochette ci-dessus est celle dela deuxième version du disque, publiée début décembre 2011. Le premier tirageétait limité à 100 exemplaires avec une sérigraphie. Le second tirageest moins joli et est accompagné d’un coupon mp3.

* oui c’est un profil Facebook… Oxes a égalementun compte twitter, on n’arrête pas leprogrès

** avis aux amateurs d’Oxes : alors quecertains y avaient pensé très fort, la réédition du premier album d’Oxes ne sefera sans doute jamais car le type qui s’occupait de Monitor records a perdules bandes master – on vous fera signe s’il les retrouve un jour

Report : John Makay et Papaye au Sonic - 20/01/2012

2012-01-24T00:05:00.015+01:00

C’est l’hiver, il fait froid, il pleut – faire du vélo par ce temps nécessite forcément un poncho de pluie, le top du top de la sexytude urbaine – mais le Sonic est toujours là et bien là : malgré des commentaires alarmistes tenus ici même à propos de l’avenir de la salle, on peut aujourd’hui affirmer que les pouvoirs publics ont depuis fait machine arrière, le Sonic n’a pour l’instant plus de tracasseries administratives sur le dos. Jusqu’à la prochaine fois. C’est important de le souligner car par ailleurs les choses vont très mal à Lyon – on pense très fort à Grrrnd Zero et à l’appel à soutien que le collectif lyonnais a lancé cette semaine…

Que les structures dédiées aux musiques et créations underground soient à ce point là mis à mal dans une grande ville telle que Lyon, une ville qui en même temps se targue d’être « une capitale européenne de la culture », est malheureusement symptomatique d’un appauvrissement généralisé de la pensée et de la volonté des élus et des décideurs politiques qui ne raisonnent qu’en termes de « grands évènements » (fête des lumières, festival tape-à-l’œil et hors de prix au milieu de ruines gallo-romaines, etc.) et d’infrastructures redondantes (même quand on aime les musiques classique, baroque ou l’art lyrique on peut se demander pourquoi il y a deux orchestres nationaux à Lyon).

La soirée organisé le vendredi 20 janvier au Sonic par l’excellent structure Active Disorder* est la preuve – s’il fallait encore en apporter une – que les musiques « différentes » et « exigeantes » ont pourtant leur place à Lyon : malgré la pluie le public a répondu présent et a pu (re)voir deux excellents groupes, John Makay (d’Amiens) et Papaye (de nulle part). Puis le concert s’est transformé en soirée grâce aux Too Girly DJs et à Mademoiselle Nicole. S’amuser intelligemment sans se vautrer dans la consommation bête et méchante ni la beaufitude lobotomisante est toujours une possibilité et un rempart contre la culture institutionnalisée et normative.

Premier groupe de la soirée : John Makay. Ils sont jeunes, ils sont beaux (malgré leurs origines picardes) et ils jouent du math rock. Mais John Makay est un cas à part parmi les groupes pratiquant le dialogue trigonométrique entre un guitariste et un batteur… rien à signaler du côté de ce dernier bien qu’il soit très impressionnant derrière sa batterie ; par contre le guitariste joue quasiment intégralement toutes ses parties en taping, avec pleins de doigts qui courent le long du manche et de ses six cordes. De la prouesse technique en veux-tu en voilà mais pas trop d’esbroufe : la musique de John Makay reste étonnamment vivante et fraîche et le fait que le guitariste n’ait que peu voire pas du tout eu recours au subterfuge de la loop station donne un côté très organique, absent de chez la plupart de groupe de math rock.

Si j’ai l’air de m’enthousiasmer comme ça c’est aussi parce que c’était la première fois que je voyais John Mackay en concert. Pourtant, avant de commencer à jouer, le batteur avait bien précisé que « c’était la troisième première fois » que le duo jouait à Lyon – j’avais donc raté les deux fois précédentes mais l’album Mon Amour Mi Amor, lui, avait longtemps ravi mes petites oreilles fragiles et délicates.
Tant que John Makay a joué des titres de cet album, tout s’est bien passé. Mais il n’avait pas échappé à l’attention des plus perspicaces qu’un synthétiseur était installé sur le côté de la scène. Celui-ci a servi sur les nouveaux titres que le groupe a joués ce soir, des titres malheureusement nettement moins convaincants que les plus anciens. Quelques tentatives d’explication : les synthétiseurs ça m’emmerde souvent terriblement et si de nos jours tout le monde essaie d’en foutre de partout, personne arrive réellement à ce que cela sonne correctement ; avec ce nouvel instrument John Makay perd un peu trop de sa spontanéité et de son énergie ; je déteste le changement ; je déteste la musique de filles. Qu’à cela ne tienne, peut-être les hésitations ressenties alors que le guitariste manipulait son nouvel instrument ne sont dues qu’à la nouveauté de la chose, peut-être le groupe fera-t-il machine arrière, peut-être que je m’y ferai un jour, à ces foutus synthétiseurs… (c’est pas sûr non plus).

Deuxième groupe de la soirée : Papaye. Beaucoup moins beaux que les deux John Makay – à l’exception du guitariste de gauche – les trois Papaye sont ce qui se fait de mieux en ce moment en matière de rock instrumental. La Chaleur, très court album du trio publié il y a tout juste une année chez Africantape débordait de promesses, promesses entrevues lors de la prestation du groupe pendant la première édition du festival Africantape**.

Pour cette deuxième fois avec Papaye il y a eu deux choses marquantes. Premièrement le guitariste de droite (celui qui porte des lunettes, joue avec les excellents Room 204 et s’occupe du label Kythibong) m’a semblé bien plus à l’aise, rééquilibrant le jeu entre les deux guitares et donnant un surcroit de saine énergie à la prestation de Papaye. Deuxièmement, le batteur – dont on avait apprécié le côté plus en retenue à l’Africantape, par contraste avec les torrents rythmiques dont il est coutumier lorsqu’il joue avec Pneu – a lui aussi libéré son jeu, a donné justement plus dans le Pneu et les dérapages sur deux roues. Je n’avais jamais réellement bien saisi les quelques allusions à Gorge Trio que certains exégètes éclairés et bienveillants avaient formulées au sujet de Papaye mais avec une prestation telle que celle que le groupe a donné en ce vendredi au Sonic, la parenté m’a semblé bien plus évidente.

Papaye a donc déployé une sacrée énergie et une belle flamboyance. Mais le groupe a aussi eu un peu de mal à réchauffer un public désespérément lyonnais, un public qui s’était pourtant montré bien plus prompt à manifester son enthousiasme lors du set de John Makay (il faut dire aussi que le duo n’avait pas arrêté de raconter des blagues détestables) mais un public qui finalement a daigné faire part de son contentement, allant jusqu’à réclamer un titre en rappel – rappel que Papaye n’a pas assuré, puisque le groupe a encore un répertoire succinct et qu’il n’avait pas envie de rejouer un titre… les gens fallait vous bouger quand c’était le moment.

Après les sets de John Makay et Papaye il y a donc eu une soirée, laquelle s’est généreusement éternisée jusqu’à 3 heures du matin. Au programme de la musique pour danser et tandis que certains ont préféré s’éclipser, d’autres ont sagement disserté musique et autres sujets tout aussi essentiels tandis que le jeune Khoury, nextcluser aviné, faisait péter le dance-floor ou que le préretraité Maquillage & Crustacés finissait tous les fonds de bouteilles. Une belle soirée.

* Active Disorder a d’ores et déjà annoncé son prochain concert : ce sera One Lick Less le 17 février, en coprod avec les Bigoût Boyz

** des bruits de couloirs incessants et insistants portent à croire que l’édition 2012 de ce festival est sur les rails et devrait bientôt être annoncée à la terre entière…

Report : Cult Of Occult et Carne à Buffet Froid - 19/01/2012

2012-01-23T00:00:00.022+01:00

Trêve hivernale, fêtes de fin d’année, crise financière, embouteillages sur le périphérique, accidents de voitures, fin du monde imminente, gastro-entérites et problèmes domestiques en tous genres – fallait pas fonder une famille ni avoir d’enfants – et voilà le résultat : le dernier concert auquel j’ai pu assister remonte déjà au 7 décembre… soit six semaines complètes et totales d’abstinence, de manque insupportable et d’attente fiévreuse avant de pouvoir retourner m’enfermer dans une cave humide et froide et en prendre plein la tête.

Mais presque miraculeusement (si je puis m’exprimer ainsi) le premier concert vraiment intéressant de ce mois de janvier fut celui réunissant Cult Of Occult et Carne à Buffet Froid. J’en ai frémi d’avance rien qu’en l’apprenant et surtout en écoutant les quatre titres que les Cult Of Occult ont eu la bonne idée de mettre en ligne sur internet et qui constitueront très bientôt – pour le mois de février si tout va bien – la première sortie officielle du groupe et qui plus est sur Dethroned Productions, s’il vous plait.

Et vu le nombre de personnes qui attendent devant devant Buffet Froid, je réalise que je ne dois pas être le seul à être sérieusement en manque de gros son qui fait mal. Je réalise aussi que les Cult Of Occult ont vraiment beaucoup d’amis venus les soutenir et que la cave va être bien remplie ce soir. Tant mieux. C’est après tout aujourd’hui le premier concert de ces jeunes gens et ils ont à juste titre l’air de susciter pas mal d’attentes, lesquelles ne seront pas déçues, loin de là. La cave est plongée dans la pénombre, on n’y voit vraiment pas grand-chose et quatre ombres encagoulées s’approchent enfin des instruments.

Le line-up du groupe est on ne peut plus basique (chant hurlé, guitare, basse et batterie) et le mur du fond de la cave est tapissé d’une rangée impressionnante d’amplis. Pourtant le son du groupe sera un rien différent de celui du futur disque – qui bloque lui quasiment systématiquement dans le rouge et ce à tous les niveaux, jusqu’à en être sursaturé de grésillements inhumains – pour tout concentrer sur une puissance sonore réellement démoniaque, inhumaine elle aussi. Les gorges se serrent, les estomacs se nouent, les intestins gargouillent violemment et certains dans le public ont cru risquer la descente d’organes tellement Cult Of Occult a joué avec une violence à faire trembler la voute et le sol de la cave de Buffet Froid.

On reconnait les compositions du EP – les titres I Hate You et Cult Of Occult sont définitivement du pur evil – mais (donc) on les trouve plus axés doom incandescent à combustion lente que sludge vibratoire plongé dans un bain d’acide nitrique. Un bon concert quoi qu’il en soit, qui a bien provoqué les effets escomptés – il fallait malgré tout être plutôt devant pour tout entendre et admirer du jeu de ce batteur impitoyable – et c’était également assez drôle de voir le bassiste lâcher son instrument de temps à autre pour siffler une bière, aller faire un tour puis revenir et se remettre à jouer.

Je pensais que Cult Of Occult allait jouer en second et Carne en premier mais il n’en fut rien. Le duo a lui-même prévenu avant de commencer et alors qu’il mettait du temps à régler quelques petits problèmes techniques : « on n’a pas du tout le même son que Cult Of Occult, vous allez être déçus ». Bonne ambiance et décapsulage de bières à coup de dents.

Malgré la difficulté (relative) de jouer en second, malgré la corde de guitare cassée après le deuxième titre, malgré la voix que l’on n’entendait pas toujours très bien et malgré l’ampli basse qui a lâché en fin de concert, les deux Carne ont délivré un bon set… J’étais vraiment content de les revoir enfin : j’ai toujours trouvé le moyen de rater le groupe à chaque fois ou presque qu’il a joué en 2011. Pourtant il se fait bien trop rare à mon goût et si j’ai bien compris cela ne va pas s’arranger question fréquence des concerts.
Alors content oui et surtout surpris de l’intensité accrue que Carne maitrise désormais, un vrai mélange de lourdeur et d’agressivité. Carne ose quelque chose que peu de groupes tentent réellement : jouer mid-tempo sur la longueur et pratiquer un travail de sape bien en soubassement sans ralentir et passer pour des doomsters de plus ni accélérer façon hardcoreux du dimanche. Réussir à allier à la fois le côté puissant et le côté lancinant de sa musique à ce rythme là, étrangement entre deux eaux et tenu constamment, c’est quelque chose.

Etat Des Lieux - un film de Yann Debailleux

2012-01-22T00:03:00.035+01:00

C’est dimanche et on s’emmerde. Alors on reste aulit et on regarde Etat Des Lieux, undocumentaire signée Yann Debailleux et se proposant de présenter les groupes etla « scène » indépendante qui sévit du côté de la France en cemoment. En ce moment ? Etat DesLieux se veut être un relevé des compteurs effectué à un instant donné(approximativement les prises de vue et interviews ont été effectuées en 2010)au sujet d’une situation précise, celle des groupes et musiciens qui s’activentdans le Do It Yourself – « démerde-toi tout seul avec tes potes ».

Des groupes et une situation que l’on connait unpeu par ici, on vous en parle assez souvent et au générique d’Etat Des Lieux on retrouve quelquesgroupes chouchous tels que Pord, Marvin, Papier Tigre, Le Singe Blanc,Chevreuil, Binaire, Pneu (etc.) et quelques organisateurs de concert commed’éminents représentants de Grrrnd Zeroet la coordinatrice/programmatrice du Clacson à Oullins. Cette dernière,travaillant au sein d’une structure « institutionnalisée » etrecourant – mais pas uniquement – à des subventions, explique à juste titre qu'une partie deson boulot c’est de ne pas programmer que des groupes établis et de faire jouerégalement des groupes ne bénéficiant d’aucune promotion, dont les disques nesont pas distribués en magasin et qui n’ont pas forcément un tourneur qui leurmonte clefs en main une tournée des S.M.A.C. de France et de Navarre ;elle précise que ces « petits » groupes font souvent aussi bien voiremieux que les groupes établis en matière de taux de remplissage de salles.

On parlait de « scène » un peu plus hautmais le terme est terriblement inapproprié. Il n’y a aucune unité de style et d’unitégéographique entre tous les groupes qui apparaissent dans Etat Des Lieux. Seul constante : le mode de fonctionnementc'est-à-dire le « on fait tout nous-mêmes ou presque et on est là pourjouer de la musique, pour donner des concerts devant des gens, faire desrencontres, voyager et rigoler ». Au risque d’enfoncer des portes ouvertes pourqui connait même de loin le sujet, EtatDes Lieux rappelle que l’essentiel c’est de ne pas perdre d’argent sur unetournée (lorsqu’on en gagne un peu c’est du bonus) et que les disques,« prétextes pour repartir sur les routes », sont financés par des« vrais » jobs pas toujours rigolo – mais qui a dit que travaillerétait drôle ? L’important c’est la diffusion de la musique et c’est aussipour cette raison que nombre de ces groupes mettent carrément en ligne leursenregistrements ou ne s’opposent pas au téléchargement – rendant absurde lalutte « anti-piratage » des majors, des gouvernants et d’Hadopi.

Le statut d’intermittent du spectacle ?Certains y pensent très fort et lorgnent dessus mais tous estiment que c’estsoit trop difficile soit impossible. Et ceux qui sont intermittents ne le sontpas grâce à leur groupe – je connais sur Lyon plusieurs musiciens(n’apparaissant pas dans Etat Des Lieux)qui sont intermittents parce qu’ils sont techniciens sur des gros concerts/spectaclesou parce qu’ils composent de la musique pour des compagnies de théâtre ou dedanse.

La phrase qui résume le mieux Etat Des Lieux est prononcée par les Binaire qui expliquent que« vivre de ta musique, tu oublies ». Tout de suite aprèsvient celle des Pneu qui parlent de « passion de la musique ». Plusqu’un simple constat, Etat Des Lieuxpeut ainsi apparaitre comme une profession de foi ou un manifeste. On reconnaitque le D.I.Y. est pour certains un choix logique et militant et que pourd’autres il s’agit de la seule alternative – donc l’alternative par défaut etconsentie – lorsqu’on veut faire de la musique en toute indépendance.

A l’image de son sujet, Etat Des Lieux bénéficie d’une réalisation D.I.Y. Le rendu généraldu film est plutôt lo-fi, plein de granulations et de noir et blanc sale alorsque les nombreux extraits de concerts font honneur aux groupes filmés. YannDebailleux qui a réalisé Etat Des Lieuxest lui-même guitariste au sein de NoShangsa. Dans les bonus on trouve un clip assez drôle de son groupeainsi qu’un court métrage nécrophile qu’il a coréalisé en 2006.

Etat DesLieux a été publié par LesDisques De Plomb, label que l’on suit de près et qui jusqu’ici nous avaithabitués à de très belles et très bonnes parutions de disques vinyle. DVD ouLP qu’importe, continuez comme ça les gars.

Joy As A Toy - Germanotta Youth / split

2012-01-21T00:03:00.010+01:00

J’adore m’esclaffer de rire, j’adore les bonnesblagues bien grasses, l’humour pompier des casernes du même nom, l’odeur despieds qui puent et des pets intempestifs, les blagues sexistes, les histoiresbelges, l’humour pipi-caca et j’aime même l’humour marseillais car oui je suisun vrai boute-en-train et… non, non, non. NON. En fait je suis aussi dépressifque rébarbatif et dès qu’un disque commence par une grosse blague, je le jettedirectement à la poubelle. Un peu de sérieux, quoi. Merde.

Sur ce split publié par Cheap Satanism recordsc’est JoyAs A Toy qui ouvre les hostilités. La première blague du groupe c’est sonnom mais je peux pardonner à ces trois jeunes gens car moi aussi je pratique lamasturbation. La deuxième blague c’est ProfondoRosso, une reprise de la musique du film du mêmenom réalisé au siècle dernier par Dario Argento (et au passage l’un de sesmeilleurs). Une musique signée Goblin – qui en a signé tant d’autres pourArgento – et que je n’ai jamais pu encadrer, malgré tout l’amour que je porte àce film du réalisateur italien. Et ce n’est pas la présence de PierreVervloesem (ex X-Legged Sally) qui va me faire changer d’avis. Ce qui me feraitchanger d’avis ce serait plutôt TheMonster, un titre original cette fois et non une reprise, un morceau où lescouches de synthétiseurs gluants laissent la place à des guitares presque postpunk et à un avant-rock un rien zappaesque c'est-à-dire qui essaie de fairerire le plus sérieusement du monde. Le problème de Zappa c’est qu’il était uneespèce de straight-edge avant l’heure. Je préfère l’alcool et la drogue etsurtout je préfère la musique qui ressemble à du vomi, un vomi consécutif à tropd’absorbation de ces mêmes substances. J’aime rire, je vous l’ai déjà dit.

La troisième blague concernant Joy As A Toy c’estque le groupe est pourtant bien supérieur à celui qui occupe la seconde partiede ce split, à savoir GermanottaYouth. Réglons tout de suite le cas de Massimo Pupillo (bassiste de Zu)puisqu’il fait partie du line-up de ce trio aux côtés d’Andrea Basilli(batterie) et d’un certain Reeks (synthétiseurs, samples et boite à rythmes).Ce n’est pas sa présence qui pourra relever le niveau d’un indus metal progtechnoïde sursaturé de rythmes synthétiques et de nappes de claviers… et dusynthé il y en a beaucoup trop pour que mon petit humour fragile – encore lui –puisse les supporter. Pour rendre la pareille à Joy As A toy, Germanotta Youths’est également fendu d’une reprise, celle du thème d’Halloween, le film de John Carpenter. En théorie une musiquebien supérieure à celle de Goblin (et composée par Carpenter lui-même) mais icirendue insupportable par les traitements sonores avec lesquels Germanotta Youthnous a déjà torturés sur ses propres compositions. Par pitié, arrêter lemassacre.

Ville de caniche(s)

2012-01-20T00:01:00.019+01:00

Suite des aventures de Grrrnd Zero… Je reproduis ici l’intégralité de la dernière newsletter du collectif lyonnais (du mercredi 18 janvier 2012) et vous incite à soutenir celui-ci de mille et une façons, à commencer par écrire une lettre de protestation au maire de la ville de Lyon – tous les tenants et aboutissants, comment et pourquoi et la façon de procéder pour écrire une telle lettre sont détaillés ci-après. Je ne vous souhaite pas une bonne lecture mais espère que ceci saura vous convaincre de l’urgence de la situation :

Nous envahissons vos boites mails car le lieu/collectif lyonnais Grrrnd Zero est sur le point d'être mis à la porte du bâtiment public qu'il occupait depuis 2005, sans perspective de relogement. Dans cette cité morne chaque jour plus soumise aux intérêts d'un urbanisme vitrine, la municipalité a de nouveau besoin qu'on lui sonne les cloches, afin de prendre acte de l'urgence de la situation. Aussi, nous sollicitons votre aide sous la forme d'une lettre de soutien...

Mais d'abord, Grrrnd Zero, c'est quoi ?

Grrrnd Zero est un collectif enthousiaste de gens curieux et désintéressés : pas de chef, que des bénévoles/activistes. Depuis 7 ans, l'ambition de Grrrnd Zero est d'aménager un espace autogéré dédié aux cultures underground / hors-normes / DIY / alternatives, exigeant et accessible.

Grrrnd Zero fédère une trentaine d'associations qui organisent, chaque saison, une centaine de concerts, expos et projections, attirant en moyenne plus de 12000 spectateurs par an.

Nous hébergeons également des locaux de répétition que se partagent plus de 40 groupes, des bureaux, des espaces de résidences, un atelier de sérigraphie, un labo photo, plusieurs labels, des collectifs de vidéastes...

Pour voir la liste complète des concerts organisés ces dernières années, cliquer ici. Pour contempler des vidéos de concerts filmés à Grrrnd Zero, cliquer là. Pour télécharger le dossier-bilan d'activité complet c'est ici.

Depuis notre arrivée dans nos locaux du quartier de Gerland il y a plus de 4 ans, nous avions toujours manifesté notre volonté de mettre le bâtiment aux normes de sécurité, ce a quoi les pouvoirs publics se sont toujours opposés, sans plus amener de solutions. Jusqu'au 20 juillet 2011, où une dédite est posée : nous devions quitter les lieux le 31 Octobre. Après quelques négociations avec la Ville et le Grand Lyon (la communauté de communes depuis peu "propriétaire" de nos murs), la date de départ a été reportée à la fin 2012, mais tout accueil de public nous est désormais interdit.

En attendant de trouver un nouveau lieu, la quasi-totalité de notre programmation a dû être annulée, le reste des concerts s'éclatant "hors les murs". Tout ce que la Ville nous a de son côté proposé, c'est une subvention de 9 000 euros afin de louer des salles de spectacles "classiques" ne répondant pas à nos principes de fonctionnement (tarifs plafonnés au bar, pas de fouille à l'entrée, etc...), et qui ne pourront de toute façon jamais accueillir la totalité de notre programmation.

Nous tenons coûte que coûte à maintenir l'ensemble de nos activités dans un même lieu, parce que c'est sa multiplicité qui fait aussi la force de notre projet, en créant les conditions du partage des espaces, de la rencontre des publics et de la diversité des formes proposées, autant de notions chères à nos politiques mais qui paradoxalement, lorsqu'elles sont incarnées au même endroit, ont tendance à les inquiéter.

Pour continuer à exister le projet Grrrnd Zero a besoin d'un lieu unique.

Dans ces eaux troubles, nous ne savons toujours pas s'il pourra se construire en collaboration avec la Ville ou devra prendre, comme à ses débuts, la forme d'un squat.

En choisissant d'axer essentiellement sa politique culturelle sur la mise en avant de quelques événements ponctuels, la Ville de Lyon tourne le dos à tout un tissu associatif local, qui se tient à distance de la culture marchande, de ses objectifs de rentabilité et de retour d'image, mais qui forme la composante essentielle du dynamisme culturel de la ville au quotidien.

Nous attendons de sa part qu'elle prenne conscience de la nécessité d'un lieu dédié à la myriade d'associations et collectifs qui compose le projet Grrrnd Zero, soit une part importante de la vie culturelle alternative / underground lyonnaise.

Mais elle risque de ne pas y arriver toute seule.

Ok, mais comment aider ?

Nous mettons en place différentes actions, notamment un appel à soutien sous forme de lettre adressée au maire de Lyon et à son adjoint à la culture, Gérard Collomb et Georges Képénékian. Si cela vous motive, nous chanterons vos louanges pour l'éternité.

Voilà la marche à suivre :

La forme de cette lettre est libre, quelques lignes expliquant le besoin d'un nouveau lieu dédié aux cultures alternatives à Lyon suffisent, mais les longues déclarations sont bienvenues. Si vous manquez de temps, n'hésitez pas à réutiliser des éléments de ce message. On peut aussi lire la compilation des lettres déjà envoyées pour vous en inspirer, les reprendre telles quelles en signant de votre nom, ou les détourner, par ici.

Ne pas oublier de préciser qui vous êtes, ce que vous faites, la structure dont vous faites partie....

Envoyez une lettre physique à : Gérard Collomb - Mairie de LYON - 1, place de la Comédie - 69205 Lyon cedex 01.

Ou bien écrivez un mail à gerard.collomb[at]mairie-lyon[point]fr, georges.kepenekian[at]mairie-lyon[point]fr (en incluant Grrrnd Zero quelque part dans le sujet du mail, grrrndzero[at]gmail[point]com).

En plus d'inonder de bon sens le courrier du maire, ces lettres seront également compilées en accompagnement de notre bilan d'activité. Merci donc de nous transmettre une copie de ces mails ou lettres :

grrrndzero[at]gmail[point]com

Collectif Grrrnd Zero // 40 rue du Pré-Gaudry // 69007 LYON

Cult Of Occult / self titled

2012-01-19T00:04:00.014+01:00

Cult OfOccult : un groupe dont je ne sais absolument rien mais alors làvraiment rien du tout si ce n’est l’exquise souffrance et la douleur profondeque m’a apportées l’écoute des quatre titres que le groupe a publiés il y atout juste une année sous la forme d’un monstrueux EP sans titre. Et ces quatretitres sont largement suffisants. Suffisants ? Ah, non : je devraisplutôt dire que dans le genre ils sont carrément essentiels, aussi imparablesque maléfiques, violents et glauques, vicieux et noirs. Quatre titres dont onpense qu’ils remettent les pendules de la confrérie sludge/doom à l’heured’hiver pour un bon petit moment.

Du doom on retrouve ici la longueur des titres (àune exception près toutes les compositions font entre huit et dix minutes), lesrythmes ralentis et pachydermiques, la volonté de tout écraser et les riffsmonolithiques et maniaques qui tournent en boucle jusqu’à épuisement. Du sludgeCult Of Occult a repris ce son ultra crade, grésillant, presque impossible àencaisser, un son qui laisse supposer qu’au moment de l’enregistrement tous lespotards devaient être bloqués dans le rouge, que les oreilles saignaient et queles boites crâniennes bouillonnaient. Un vrai carnage, de la viande éclatée, dela chair puante et corrompue, des os brisés, du sang sur tous les murs, desesprits malfaisants pris d’une folie sans retour, une mort cruelle et lentepour tout le monde et fatalement aucun survivant.

L’oppression et l’ultraviolence musicales sontdeux choses terriblement difficiles à retranscrire sans tomber dans la pause etle grotesque tout comme il y a trèscertainement plus d’une façon de concentrer avec autant de brio haine etsouffrance mais les Cult Of Occult sont bien des champions en la matière et ilsfont preuve d’une cruauté malsaine comme rarement entendue. Une musique aussi vicieusementmaléfique, cela ne se refuse pas.

On en profite aussi pour faire une annonce concertpuisque Cult Of Occult jouera à Lyon ce jeudi 19 janvier dans la cave suintantede Buffet Froid en compagnie de Carne (enfin deretour !). Cult Of Occult annonce également deux dates à Paris pour débutmars : le 1^er aux Combustibles et le 2 à la Cantine deBelleville.

Talk Normal - Thurston Moore / split

2012-01-18T00:06:00.003+01:00

Il y a des évidences voire des vérités absolues quel’on ne devrait pas avoir à préciser mais disons-le quand-même : si ons’est intéressé à ce 7’, si on l’a écouté et si on le chronique maintenant cen’est certainement pas grâce à la présence sur l’une de ses faces de troistitres signés Thurston Moore. On l’aimait bien ce type, on lui est mêmetoujours reconnaissant d’avoir enregistré avec Sonic Youth quelques uns desdisques les plus importants des 80’s américaines – de Confusion Is Sex en 1983 à DaydreamNation en 1988 – mais les problèmes ont commencé lorsque le guitaristenew-yorkais s’est transformé en ce grand échalas à casquette brandissant sacollection de disques et sa bassiste de femme comme preuve irréfutable de sonbon goût, de son savoir-faire et de son autorité sur le petit monde desartistes underground qui dirigent le monde.

La face de ce split single estampillée ThurstonMoore c’est ainsi du remplissage avec trois « titres » heureusementtrès courts et objectivement enregistrés par le monsieur à temps perdu,directement au lever tout en se grattant les couilles ou peut être entre deuxsiestes digestives. Le résultat est tellement consternant que l’on admire labienveillance et le courage de FastWepons qui a publié une telle merde à 500 exemplaires. Mais il faut croireque cela s’est révélé payant : le label annonce que le disque estsold-out. Pourvu que personne n’ait un jour l’idée de se lancer dans uneseconde édition de cette chose abominable – en cette période de crise, inutilede gaspiller le plastic.

Car ce n’est pas avec la face Talk Normal que cela s’arrangevraiment. Les amoureux de l’excellent album Sugarland seront déçus. Ceux quidécouvriront Talk Normal avec l’écoute de ce Dime Gold risquent bien de plus jamais s’intéresser au duo àl’avenir. Le titre en question n’est pas mauvais mais il déçoit avec ses nappesbruitistes vaporeuses, son absence de rythmes et sa voix narrative enregistréeau travers d’un hygiaphone des PTT. Si DimeGold avait été collé sur un LP entre deux brûlots post no wave dont TalkNormal a le secret, on y aurait sûrement vu que du feu. Là, on trouve çaforcément léger par rapport au potentiel du groupe.

Generation Of Vipers / Howl And Filth

2012-01-17T00:08:00.006+01:00

Difficile de trouver beaucoup d’informations surGeneration Of Vipers, si ce n’est celles consistant à dire que ce Howl And Filth est le troisièmeenregistrement* longue durée de ce trio du Tennessee ou que dans le line-up dugroupe on retrouve un membre des affreux U.S. Christmas (Travis Kammeyer, ici àla basse) et un membre des encore plus abominables A Storm Of Light (le batteurB.J. Graves). Quant au guitariste/chanteur Josh ‘Asa’ Holt, il hante également lescouloirs désespérants de U.S. Christmas. Enfin, dernière précision, Howl And Filth a été enregistré par KurtBallou au God City Studios et masterisé par l’omniprésent et hyper spécialiste desgros sons burnées et ventrus Nick Zampiello – deux garanties donc pour un son aussiénorme que conquérant.

Voilà, il n’y a plus qu’à jeter un coup d’œil surl’artwork de la mort qui tue de Howl AndFilth et le décor est pour ainsi dit planté. Generation Of Vipers est un autreexemple de ces nombreux groupes américains qui veulent tout détruire sur leurpassage comme un bon vieux rouleau compresseur se prenant pour un panzer batifolantdans les plaines polonaises, quelque part entre hard core ralenti et noisemétallisée. Generation Of Vipers est même un énième groupe qui doit beaucoup dechoses à Neurosis – avec quelques relents valeureux d’Unsane comme sur ladernière partie de Ritual ou l’intromalsaine à souhait de Slow Burn.

Tout ceci n’empêche absolument pas Howl And Filth d’être un sacré bonalbum : puissant, racé, monstrueux et démoniaque. Pour une fois onadmettra que la prise de son hormonée de l’ami Kurt Ballou a pu servir àquelque chose pour rendre le hard core metallisé de Generation Of Vipers encoreplus mordant et encore plus impressionnant (surtout au niveau du son de labatterie) mais on n’oublie pas non plus que Josh Holt et Travis Kammeyer sont allésaprès l’enregistrement mettre en boite des pistes supplémentaires, tous seulsdans leur coin et dans un tout autre studio que God City, sans l’aide depersonne.

Derrière le déluge et les coups de massue on ne trouvepas beaucoup de finesse (c’est le moins que l’on puisse dire) mais des détails,des mises en œuvre et autres graduations qui, en plus de rendre le son de cedisque impressionnant de puissance ET de méchanceté, lui offrent surtout unequalité exceptionnelle, disons une profondeur – on ne va quand même pasemployer le terme de chaleur – qui manque à 98 % des productions du genre. Seulgros bémol, les quelques passages atmosphériques (comme au milieu de Slowburn, le violon de All Of This Is Mine ou l’intro de The Misery Coil) qui tendraient à tropancrer Generation Of Vipers dans un post hard core synonyme de platitude. Onpardonne au groupe et on peut comprendre aussi que ses membres puissent éprouverle besoin de lever le pied parce que le reste du temps Generation Of Vipersdémontre avec Howl And Filth que legroupe possède un sacré tempérament de tueur.

* sur la page bandcamp de Generation Of Vipers onpeut également écouter les deux autres albums du groupe : Grace publié en 2005 et Dead Circle datant de 2007 – parcontre aucune trace d’un 12’ et d’un split que le groupe aurait égalementpubliés

Kangding Ray / Or

2012-01-16T00:01:00.005+01:00

On n’a jamais très bien suivi les aventures de DavidLetellier AKA Kangding Ray, unfrançais installé depuis belle lurette à Berlin et parait-il architecte deformation. On s’en fout un peu beaucoup que le monsieur soitarchitecte dans la vraie vie ? Peut être pas tant que ça, à l’écoute de Or, déjà son troisième album et letroisième également en compagnie du label Raster-Noton.Annoncé par Pruitt Igoe, un EP vinylepublié fin 2010, Or va encore plusloin dans la direction d’une musique électronique enveloppante, trèstravaillée, étayée de toutes parts et faisant la part belle à des habillagesqui n’ont rien à voir avec les cache-sexes habituels.

Kangding Ray a toujours plutôt dénoté avecl’ensemble du catalogue Raster-Noton. Avec Orcela ne s’arrange absolument pas, on pourrait imaginer Kangding Ray plutôt surun label tel que Hymen records, Ad Noiseam ou même – pourquoi pas ? – AntZen, avec cet équilibre parfait entre froideur digitale et musicalité, rythmescomplexifiés et fluidité des compositions, machines omniprésentes et partieschantées. Car oui, il y a des parties chantées sur Or, et pas qu’une seule : cela va des vocaux éthérés d’un Athem aux véritables paroles d’un Pruitt Igoe. Et au passageintéressons-nous d’un peu plus près à ce titre aux ambiances très inquiétantes :Pruitt Igoe fait référence à une citéurbaine érigée dans les années 50 à Saint-Louis (Missouri) et sciemment coupéeen deux car les lois ségrégationnistes avaient encore cours à ce moment là auxEtats Unis. D’un côté les blancs et de l’autre les noirs. Pruitt Igoe a fini complètement démoli au milieu des années 70,après avoir coûté une fortune, échec patent d’une politique du logement « social »et d’un urbanisme pourtant salué à l’époque de la construction de la cité commedes plus novateurs*.

La politique et le débat d’idées ne sont donc pasabsents de Or alors que d’ordinairevoilà des préoccupations secondaires dans le monde plutôt onaniste etrecroquevillé des musiques électroniques actuelles. On en vient à se demandersi le titre même du disque désigne la richesse (comme le laisse supposé ladorure envahissante du livret) ou l’altérité (« ou », en rapport égalementavec le ségrégationnisme du projet PruittIgoe). Peut être bien les deux, ce qui sous-entendrait une vision trèscritique du monde dominé par l’accumulation de richesses et la segmentation/répressiondes sociétés – l’une se nourrissante de l’autre –, une vision que je ne peux hélasque partager.

Mais je m’égare très certainement parce que lereste du disque semble bien moins sujet aux considérations philosophiques,idéologiques et politiques – ou peut-être que je n’ai pas su retrouver lesbonnes références mais des titres tels que Mojave,Coracoïd Process, En Amaryllis Jour ou La Belle sont avant toute chose empruntsd’une réelle poésie, non ? Et de la poésie il s’en échappe de ce disque àchacune des secondes qui s’écoulent. Elle est parfois très inquiétante, trèssombre, mais elle est irrésistible. Et surtout, plus on découvre Or, plus on se persuade d’écouter ànouveau et enfin quelque chose de vraiment frais en matière de musiquesélectroniques. Voici le meilleur disque du genre pour l’année 2011. Le plussubtil aussi. Et l’un des plus beaux.

* pour plus d’informations, je vous renvoiedirectement à la lecturede ce texte du sociologue Thomas Watkin – non ne me remerciez surtout pas

Comme à la télé : Black Sabbath live à l'Olympia [20 décembre 1970]

2012-01-15T00:06:00.024+01:00

Et bien, et bien… cette semaine nous a encore valu son lot de grosses poilades avec l’annonce des reformations d’At The Drive-in ou de Refused – paraît-il que des groupes essentiels.

Donc voilà, ami lecteur, il n’y a que deux solutions : soit tu es trop jeune, donc tu n’as jamais vu ces groupes et donc tu veux absolument les voir, maintenant, parce que mieux vaut tard que jamais et puis comme ça tu pourras toujours dire que tu y étais, enfin ; soit tu as déjà vu ces groupes en concert il y a très très longtemps et c’est donc que tu es déjà trop vieux (après tu fais ce que tu veux, aller te secouer la nouille et les souvenirs devant tes idoles du siècle dernier ou bien faire ton snob comme moi en refusant d’y aller parce que c’était mieux avant).

Ci-dessous la vidéo intégrale d’un concert donné en décembre 1970 par Black Sabbath. Un groupe précurseur puisqu’il s’est séparé un sacré nombre de fois et s’est donc reformé tout aussi souvent, sous des line-ups variables et même avec des chanteurs différents – dans le genre mauvaise foi on a rarement fait mieux que ces anglais de Birmingham. Il n’empêche que ce concert représente Black Sabbath à son meilleur, à l’époque des deux premiers albums (les seuls qu’il faut avoir absolument) et dans sa formation originelle. Admirez comment Ozzy chante mal mais a l’air plutôt timbré, admirez les riffs de Tony Iommi, admirez le jeu démentiel de Bill Ward derrière sa batterie et regrettez que l’on n’entende pas davantage la basse de Geezer Butler :

Ce line-up avait annoncé sa reformation le 11 novembre 2011 (hahaha) et répétait en vue d’une nouvelle tournée et même d’un nouvel album. Une opération rendue possible par la mort de Ronnie James Dio et la dissolution de Heaven And Hell – le petit nom donné à Black Sabbath depuis la reformation du groupe avec Dio en 2006, surtout un nom donné pour ne pas froisser Ozzy Osbourne, sa manageuse de femme et leur armée d’avocats sanguinaires.
Depuis l’annonce du cancer et de l’hospitalisation de Iiommi, cette énième reformation semble elle aussi en suspens. Et c’est une très bonne nouvelle. Désolé Tom mais je préfère regarder encore une fois ce concert de 1970 plutôt que de te savoir à nouveau sur une scène avec ton club de grabataires sous prozac.

Is it the end, my friend ?
Satan's coming 'round the bend
People running 'cause they're scared
The people better go and beware
No, no, please, no

Rappelons à toutes fins utiles que la nostalgie est un business comme les autres et que c’est même pour certains les dernières cartouches qu’il leur reste à tirer pour se faire encore un peu de fric avant la fin du monde.

Rappelons enfin qu’il y a plein de groupes, ici, maintenant, de partout et même d’ailleurs, des groupes qui viennent de naître, qui viennent de sortir un disque ou qui aimeraient en sortir un, des groupes qui veulent donner des concerts et qui veulent qu’on aille les voir jouer.

Oren Ambarchi - Robbie Avenaim / Dream Request

2012-01-13T00:01:00.020+01:00

Les australiens Oren Ambarchi et Robbie Avenaim à nouveau réunis. Lesdeux musiciens ont débuté ensemble au sein de Phlegm – une petite poignéed’enregistrements dont un incroyable album Liveavec sa fausse pochette censurée anti bootleggers et ses 18 plages d’à peu prèstout et surtout bien n’importe quoi (car Phlegm était un trio extrêmementbruitiste) – mais ensuite ils n’ont enregistré ensemble que de manière trèssporadique, genre un seul et excellent album sur Tzadik et deux collaborationsavec Keith Rowe sur Grob records.

Grâce au LP intitulé Dream Request le label anglais Bo'Weavil nous offre la précieuse opportunité deretrouver les deux musiciens enregistrés lors d’un concert donné en octobre2009 à Tel Aviv. Deux faces d’une prestation intense et excessive, qui étonneratrès certainement celles et ceux qui ne connaissent que les enregistrementsd’Oren Ambarchi en solo pour Touch records mais pas ceux qui ont déjà pu jeterune oreille, même distraite, sur les disques de Phlegm.

Relativisons : on n’est pas ici tout à fait dans les mêmes extrêmes d’unecacophonie jubilatoire et d'un happening bruitiste comme au temps du trio maisplutôt sur le terrain miné d’une longue improvisation dynamique s’étalant avec unlarge éventail de registres, du free en passant par la noise. Autrement dit Dream Request est un sacré bordel maisun bordel intense qui laisse entrevoir l’osmose fulgurante entre les deuxmusiciens et aboutit à un stade certes archétypal mais plutôt rare de parfaiteentente entre deux personnes en train d’improviser ensemble.

Et une fois que l’on a intégré l'idée que c’est bien OrenAmbarchi qui joue ainsi de la guitare, loin des nappes grésillantes etenvoutantes dans lesquelles il est passé maître, on se focalise surtoutsur le jeu délirant, chaotique mais très coloré de Robbie Avenaim. Le batteurn’arrête pas un seul instant, insufflant un courant permanant à la musique duduo, avec un jeu sur les cymbales très présent, mais s’appliquant/s’impliquantmalgré tout sur toutes les composantes de sa batterie. Plus on écoute lavolubilité destructrice de Robbie Avenaim et plus on se dit que si un jour legrand Weasel Walter lui-même décidait d’enregistrer un disque de duos/duels debatteries, Avenaim serait le premier voire même le seul prétendant à pouvoirdécemment relever le défi sans craindre le ridicule ou l’humiliation. Tiens, jeme prends même à en rêver.

DreamRequest a été publié uniquement en vinyle et à 350 exemplaires numérotés (il y a un tampon sur la pochette intérieure servant à protéger le disque). Pour lescurieux Bo’Weavil propose des extraits de chacune des deux faces dudisque : par ici etpar là.Mais comme ce ne sont que des extraits, il est difficile voire impossible de sefaire une idée fiable de l’intensité au long court de ce beau moment.

Sightings / Future Accidents

2012-01-12T00:00:00.005+01:00

En matière de concerts, l’une des surprises del’année 2011 fut sans contestation possible celuiqu’a donné Sightings à la toute fin du mois d’octobre au Sonic : aprèsavoir vu un certain nombre de fois le trio de Brooklyn en live, j’en étaisarrivé à la triste mais inévitable conclusion que Sightings était un bienmeilleur groupe de studio que de scène et là, tout à coup, presque un miracle,enfin un concert qui se tenait debout de la part de Sightings, voire même unconcert habité et vraiment méchant.

D’un autre côté, on pourrait également objecterque Sightingssur disque ce n’est pas non plus toujours ça, que certains des enregistrementsdu groupe sont vraiment très durs à encaisser/supporter – par exemplel’avant-dernier album, City Of Straw,surtout si on le compare à son prédécesseur, Through The Panama, qui est sans doute ce que Sightings aenregistré de plus abordable. Tout ça pour dire que si ce concert n’avait paseu lieu et, surtout, s’il ne s’était pas aussi bien passé, je n’aurais jamaisjeté plus d’une oreille et demie sur FutureAccidents, le dernier enregistrement en date du trio. En fait, je l’avaisécouté ce disque, mais très vaguement, un peu avant le concert, puis j’avaisdécidé de l’oublier, purement et simplement. Maintenant, bonne surprise du concertoblige, je comprends beaucoup mieux où Sightings veut en venir avec sa musiqueet ses enregistrements les plus rudes, y compris les premiers disques oul’album en collaboration avec Tom Smith de TLASILA, et même le City of Straw déjà mentionné ci-dessus.

Future Accidentsn’est pas à proprement parlé un véritable album bien qu’il soit gravé uniquementsur un 12’ et qu’il soit d’une longueur plus que décente avec ses 39minutes : la première face comporte trois (longs) titres alors que laseconde est entièrement occupée par un PublicRemains destiné à nous faire passer un très mauvais quart d’heure. Bien quece titre soit sur la face B du disque, on va commencer par parler de celui-ci,en essayant de ne pas lui régler son compte trop rapidement. OK : 20minutes chrono d’expérimentations plus ou moins bruitistes ça ne vous fait peutêtre pas très envie, surtout venant de Sightings, mais Public Remains est un titre passionnant, plus grésillant quedissonant, plus atmosphérique (ahem) que bruyant, rempli de grincements et decrissements – on imagine à son écoute être prisonnier de la respirationmonstrueuse d’un être mi-organique mi-mécanique (tu connais H.R. Giger ?),une respiration entravée mais impétueuse. Il y a quelque chose de captivantdans ce Public Remains et certainsjours on irait même jusqu’à parler de beauté malade.

Les trois titres de la première face de Future Accidents sont du Sightingsbeaucoup plus conventionnel, entendez par là que le trio guitare/basse/batterieet voix y est formellement présent et que l’on peut entendre quelque chose deplus classiquement (re ahem) construit… enfin, cela reste du Sightingsc'est-à-dire une musique qui n’est même pas du noise rock, on se rapproche plusde l’esthétique d’un Throbbing Gristle (c’est particulièrement vrai sur tout ledébut de To The World) mélangée àcelle de Missing Foundation, autre groupe bruitiste et originaire de New-Yorklui aussi, considéré par beaucoup comme quasi mythique. Mais comme avecSightings c’est toujours l’abstraction qui finit par primer, les sons sedéforment, se mélangent, se contaminent entre eux et on aboutit – ce qui n’estplus une surprise – à un autre monstre déviant, mutant et malade qui nousemprisonne/empoisonne également, un autre monstre et parent pas très éloigné decelui qui sur Public Remains nousavait déjà bien malmené. Avec FutureAccidents Sightings se révèle de plus en plus passionnant et… oui, onattend le prochain album impatiemment et on espère de même revoir le groupe unjour en concert.

FutureAccidents n’existe (pour l’instant) qu’en vinyle et a été publié par Our Mouth records, le label des petitsgars de Mouthus.

Gay Witch Abortion with Junko Mizuno

2012-01-11T00:00:00.012+01:00

Nous sommes au 21^ème siècle. Et au 21^ème siècle, tout est désormais possible. Une preuve ? Tom Hazelmeyer et son label Amphetamine Reptile records qui, après avoir permis à des groupes tels que Cows, Janitor Joe, Helmet, God Bullies, Hammerhead, Guzzard, Today Is The Day ou Tar* d’exploser au cours des années 1990 et de changer la face de ce pauvre monde à jamais, et bien Tom Hazelmeyer et Amphetamine Reptile donnent désormais dans la création hautement artistique. L’oncle Tom ne semble avoir réactivé son label il y a quelques années que pour vendre vraiment très cher des disques tirés à vraiment très peu d’exemplaires – quelques exceptions tout de même comme l’excellent Journey To The End Of The Knife des désormais fort regrettés Heroine Sheiks de Shannon Selberg.

Une autre chose que Hazelmeyer semble beaucoup aimer faire, c’est les bouquins. Eventuellement des bouquins avec un disque. C’est exactement le cas de celui-ci, qui réunit Gay Witch Abortion et Junko Mizuno. Un livre d’illustrations tiré à 200 exemplaires**, numérotés et signés de la main de l’auteure (Junko Mizuno – pas Gay Witch Abortion et c’est bien dommage : on aurait pu espérer un poil de cul en guise de bonus). Un livre rempli de lolitas gothopouffes qui s’enfilent des poulpes et autres calamars par tous les trous, le tout dessiné avec une précision très infantile du trait et une débauche de couleurs à faire vomir un fan de Georges Remi en pleine redescente d’acide après un film de Steven Spielberg.

Mais on s’en fout, on est là pour parler musique. Et de la musique il y en a, donc : un CD de Gay Witch Abortion en version trio c'est-à-dire incluant Tom Hazelmeyer au chant et à la basse et pas très bien caché sous son alias de Haze XXL. On se rappelle de ce 10 pouces punk as fuck dont le trio nous avait gratifiés en 2010. On en espérait au moins autant avec ce nouveau disque, malgré quelques doutes bien légitimes par rapport à l’utilité d’une telle entreprise – car quelle musique oser enregistrer pour coller avec des images aussi arty/kawaii et imprimées dans un joli petit livre collector ?

Ils l’ont fait, malgré tout, donc on écoute. Un seul titre figure sur ce CD mais on devrait plutôt parler d’une seule plage puisque celle-ci semble divisée en plusieurs tranches, comme autant de mouvements (aucun tracklisting est disponible nulle part mais ce titre s’intitulerait The Snake Behind The Eyes). Oublions tout de suite la crasse qui s’étalait sur ce 10 pouces déjà évoqué tout comme celle de l’album (enregistré à deux) de Gay Witch Abortion : nos trois compères, en s’enfermant dans un studio, ont visiblement fait très attention à ce qu’ils faisaient. Quelle curieuse méthode que de se mettre la pression et de se faire des idées au lieu d’enregistrer comme d’habitude – c'est-à-dire comme des porcs – une musique sale, vicieuse, violente et méchante…

Pour la fureur made in AmRep on repassera donc. Mais pour la gloire et la postérité, on va essayer de faire un petit effort : OK, ces vingt minutes et quelques n’arrivent pas vraiment à contenir 10 % de tout le vice de tous les enregistrements 90’s du label mais le résultat n’est pas totalement inintéressant non plus. On découvre en premier lieu un hybride atmosphérique et new wave sous champis rapidement perturbé par quelques rayures noise rock couplées à un glacis synthétique (encore de la new wave ou je ne sais quoi), un chant qui évite bave et postillons pour se concentrer sur l’acidité et une certaine aptitude à torcher de la joliesse rebelle comme on déroule tout un rouleau de papier cul dans l’escalier (auparavant, on aurait au contraire pu espérer obtenir quelques traces de doigts merdeux étalées sur les murs des chiottes après s’être essuyé les fesses). Je ne sais pas à qui cette musique un peu trop propre sur elle pourrait plaire exactement mais elle existe et elle n’a finalement rien de déshonorant. Elle est juste un peu triste… On s’amuse quand même beaucoup plus dès que le stupre transpire de toutes parts or là on peut bien le chercher, on n’en trouve guère dans cette succession de passages ralentis façon Chrome*** opiacé et de passages accélérés façon Chrome*** sous méthamphètamines. Car les plans d’éternisent plus que nécessaire, reviennent à la charge et à chaque fois que l’on entend quelque chose de pas désagréable et de plutôt bien mené, il est systématiquement foutu en l’air parce que Gay Witch Abortion le fait tourner jusqu’à l’épuisement complet – en gros ce long titre multi-parties de 25 minutes est composé à 80 % de remplissage. Prenez uniquement les parties lentes pour les condenser en un truc rampant/glauque de 5 ou 6 minutes, ensuite prenez uniquement les parties turbofuzzées pour en extraire un boutoir de 2 ou 3 minutes et vous obtenez ce qui aurait pu constituer les deux faces d’un excellent single de noise psychédélique et rétrograde. Dommage.

* on s’en fout si j’en oublie, tu n’as qu’à compléter cette liste toi-même

** cherche bien : des petits malins ont balancé dans les abîmes d’internet des scans de l’intégralité de ce bouquin couplés aux mp3 du disque qui l’accompagne

*** oui, il s’agit bien à chaque fois du même Chrome et, non, ce n’est donc pas une erreur

Ultra Panda / self titled

2012-01-10T00:03:00.007+01:00

Ultra Panda est un trio réunissant un ancien chanteur de Bananas At The Audience et actuel No Drum No Delay, un bassiste issu de Free For All et un batteur de Free For All lui aussi, mais également de Weeping Mind Of Silence. Ajoutez un peu de bidouilles et quelques zigouigouis et vous obtiendrez un bon groupe qui manie à armes égales dynamisme et mélodies. Ultra Panda ne propose ni plus ni moins qu’une version actualisée de ce bon vieux punk rock, celui qui pétarade façon bubble-gum et se soucie de toutes évidences de la forme que peuvent prendre ses chansons pop et donc des chemins harmoniques qu’elles empruntent par là même.

Les mélodies, c’est le chant qui les assurent en tout premier lieu, un chant distinct, dynamique, posé bien qu’étrangement juvénile et tenant le haut du pavé. On connaissait déjà les capacités et les idées du monsieur avec les regrettés Bananas At The Audience, au sein d’Ultra Panda il fait preuve de plus de sobriété et d’une haute précision qui sait attirer l’attention. Il en fait même beaucoup – mais jamais trop – et tire le groupe dans le bon sens. Rendez-vous, avec cette façon de placer le chant, de lui donner un rôle central sur fond tapissé d’ultra-basse, ferait même penser à du Ned’s Atomic Dustbin primitif.

Tout ceci n’est par contre rendu possible que grâce à la section rythmique qui derrière le chant besogne sans répit et défouraille sec sur tout ce qui bouge. Le rythme général des six titres constituant ce premier enregistrement sans titre est tout simplement proprement infernal car ces deux types, bassiste comme batteur, sont des vrais forçats et – en plus d’une énergie colossale et communicative – ils arrivent en guise de bonus non négligeable à déployer un petit arrière-groove qui donne tout son piquant et toute son astuce à l’ensemble.

La musique d’Ultra Panda repose donc sur une équation on ne peut plus simple : énergie colossale, mélodie moulée à la louche et efficacité jamais putassière. La seule chose que l’on est en droit de se demander, puisque ce mini album ne nous en laisse pas l’occasion, c’est : que ce passerait-il si d’aventure Ultra Panda ralentissait considérablement le rythme ? L’alchimie deviendrait-elle automatiquement bancale et le groupe finirait-il par se casser la gueule ? Oui, j’avoue que cela m’intrigue, tout comme le fait de savoir si Ultra Panda supporterait ou non la longueur d’un véritable album. Quant à savoir pourquoi l’artwork du disque ne montre aucun panda mais au contraire quelques bouquetins, cerfs et autres bêtes à cornes, voilà un mystère que je ne veux pas non plus élucider.

Ce premier enregistrement d’Ultra Panda est disponible en vinyle 12’ : Les Disques Du Hangar 221 et Chanmax records en sont les heureux producteurs associés. Quelques extraits du disque sont en outre écoutables sur la page Soundcloud du groupe.

Funk Police / Hot We Are Funk We Play

2012-01-09T00:08:00.013+01:00

Funk Police est un titre du troisième album de The Feeling Of Love, Dissolve Me. Funk Police c’est aussi et surtout le nom d’un groupe avec le chanteur/guitariste de ces mêmes Feeling Of Love, Guillaume Marietta – on n’est jamais aussi bien servi que par soi-même. Dans Funk Police on trouve aussi un Scorpion Violente et un troisième larron qui aurait joué avec les insurpassables Dust Breeders. Hot We Are Funk We Play est le premier album de ce trio de choc publié par l’excellent label italien Avant! en novembre 2011.

Funk Police et Hot We Are Funk We Play : le nom du groupe comme du disque annoncent clairement la couleur – tout ici dégueule d’un sens du groove assez jouissif, suffisamment élastique pour dodeliner de la tête et suffisamment robotique pour gigoter comme une planche à repasser – et donc personne ne pourra être trompé sur la nature profonde des dix compositions de cet album. Mais on ose également espérer que les fanatiques de garages sixties ne s’y tromperont pas non plus car, s’ils peuvent se sentir attirés par la filiation entre Funk Police et The Feeling Of Love, ils devront se rendre à l’évidence qu’il n’y a pas tant de points communs que cela entre les deux groupes.

Commençons donc par ce qui pourrait rallier les grincheux et les intégristes à la cause Funk Police. Pas grande chose en fait – hahaha. Mais on n’y perd pas au change, mille fois non. Le son de guitare peut rester grésillant et crade (en bon français on appelle donc ça « garage ») mais globalement et logiquement son phrasé est surtout funky. Les percussions sont omniprésentes, polyrythmiques même (il y a aussi de la boite à rythmes comme sur You Always Win) et la basse drive le tout, souvent de manière très évidente bien que toujours minimaliste (Sugar), des fois de façon fort amusante comme la ligne de basse très onctueuse mais un rien éléphantesque d’Immigrant Pekin Mambo Love Song, l’un des rares titres vraiment lents de Hot We Are Funk We Play et sorte de Public Image Ltd coconuts. Parfois la crasse reprend ses droits ici, Red Blood Black Boots qui ouvre la deuxième face en étant le parfait exemple. Le très court et virulent Why Do I Always Have To Live In The Same Fucking Song est lui entre les deux, se partageant entre rage funky et fureur garage, et représente bien l’hybridation réussie de cet album.

Reste à évoquer le cas du chant, blindé dans sa reverb, plein de morgue et de hauteur, avec une bonne pointe d’arrogance, un peu comme si le préposé au micro avait précisément inventé la méthode pour transformer les paillettes d’or des cols de chemises pelle-à-tarte en rails de coke.

Hot We Are Funk We Play pourra ainsi évoquer chez certains les Contorsions du jeune James Chance (c’était il y a très longtemps et, oui je l’avoue, c’est une référence un peu facile) avec cette façon de dévoyer/pourrir une musique que l’on aime et à laquelle on voudrait rendre hommage en tentant de la jouer avec les moyens du bord – le funk évidemment. Or, bien qu’en empruntant beaucoup, Funk Police s’en éloigne aussi (hormis sur quelques titres très évidents tel Back Inside You) sans pour autant s'en moquer ou déprécier son « modèle ». Disons que l’orthodoxie funky n’est pas ce qui intéresse Funk Police, l’important c’est le résultat, et c’est aussi pour cela que l’on apprécie la réussite de Hot We Are Funk We Play, pour cet amour indéfectible pour la machine à sexe métamorphosée en torrents de crasse et de sueur, un amour transfiguré. Ah oui, un dernier point : il semblerait que Sorry Angel ne soit pas une reprise de cette ignoble chanson de Serge Gainsbourg – on l’a échappé belle.

Hot We Are Funk We Play est en écoute intégrale sur la page Bandcamp de Avant! records. Ce disque n’a été édité qu’en vinyle et à 350 exemplaires seulement…

Top Of The Dope 2011 - La mémoire qui flanche

2012-01-08T00:02:00.006+01:00

Si il y a des gens ici qui lisent Noise mag (entre autres) et qui s’intéressent aux classements de fin d’année, ils auront peut être lu celui de ce journal*, compilé à partir de toutes les appréciations de tous les collaborateurs de Noise, dont ma petite personne, bien évidemment – voilà encore un des effets indésirables du pacte démocratique.

Plus que jamais s’adonner au vice du classement et des hit-parades n’est qu’un petit plaisir éphémère et égoïste, une façon assez vulgaire de tenter de retenir un peu notre mémoire en surchauffe.

Alors soyons vulgaires, égoïstes et inconstants. Ci-dessous le Top Of The Dope 2011 sans faille ni hésitation que le Haut Comité Rédactionnel de 666rpm a établi en son âme et conscience et surtout à l’unanimité des participants, avant d’en fournir une copie contresignée au big boss de Noise :

PSYCHIC PARAMOUNT – II

THE SKULL DEFEKTS – Peer Amid

PORD – Valparaiso

HAWKS – Rub

ALUK TODOLO & DER BLUTHARSCH – A collaboration

HEADWAR – Hôpital Torture Punition IV

CONGER! CONGER! – At The Corner Of The World

ZËRO – Hungry Dogs (In The Backyard)

STUNTMAN – The Target Parade

REVOK – Grief Is My New Moniker

Et maintenant la liste de quelques uns des autres disques que l’on a également aimés par ici en 2011**, certes à des degrés divers – la lecture de cette liste reste totalement facultative bien qu’aujourd’hui ce soit dimanche et que le commun des mortels s’emmerde et n’a sans doute pas grand-chose de mieux à faire de son temps :

Big’n – Dying Breed et Spare The Horses, Berline 0.33 – Flying Above Scarecrows et Planned Obsolescence, Einsturzende Neubauten – Strategies Against Architecture 2001 - 2011, Tormenta – La Ligne Âpre, Neige Morte – self titled ainsi que le split avec The Austrasian Goat, Papaye – La Chaleur, Otto – self titled, Ultralyd – Inertiadrome, Schoolbusdriver – Nursery Rhymes For Old Men, Total Fucking Destruction – Hater, Gods And Queens – Untitled III, One Foot Dancer – The Dead Note Theory, Electric Wizzard – Black Masses, The Washingtonians – Severed Heads, Poino – Moan Loose, x25x – Distortion Of Life, Pneu – Highway To Health, Ned – Bon Sauvage, Pa Tri Cia – self titled, The Austrasian Goat – Stains Of Resignation, La Race – self titled, Desicobra – Live A Bombay, K-Branding – Alliance, Zeus! – self titled, One Lick Less – & We Could Be Quiet, The Feeling Of Love – Dissolve Me, Scorn – Yozza, Ultracoït – The Sperm EP, Myself – Haro!, ÖfÖ Am – The Beast Within, Ahleuchatistas – Location Location, Kandinsky – MCHN, Honey For Petzi – General Thoughts And Tastes, White Suns – Waking In The Reservoir, Kourgane – Corps De Chasse, Hey Colossus – RRR, Opéra Mort – Des Machines Dans Les Yeux, Denizen – Whispering Wild Stories, American Heritage – Sedentary, Ed Wood Jr – Silence, Trunks – On The Roof, Headwax – self titled, FAT32 – self titled, Sky:Lark! – self titled, Kiruna – Kalayaan, Soixante Etages – Repli-K 07, Mesa Of The Lost Women – I Remember How Free We Were, Tom Bodlin – Palais Des Enfants, Winter Family – Red Sugar, Les Louise Mitchels – Trop Bon Trop Con, NLF3 – Beast Me, Nitkowski – Stay In The Home You Love, Tarwater – Inside The Ships, Welldone Dumboyz – Filthy Gift, Sofy Major - Membrane – split, Brutal Truth – End Time, Micro_Penis – Tolvek, Satanized – Technical Virginity, Møller Plesset – Hartree-Fock Method, Doomsday Student – A Jumper's Handbook, Full Blast & Friends – Sketches And Ballads, Shield Your Eyes – Volume 4, Alva Noto – Univrs, Ceremony – Covers EP, MoHa! – Meiningslaust Oppgulp, Sightings – Future Accidents, This Quiet Army – Resurgence, Leviathan – True Traitor, True Whore, Kangding Ray – Or, Robert Lippok – Redsupertructure, Seiji Myrayama & Stéphane Rives – Axiom For The Duration, 400 Blows – Sickness & Health, Eleh – Floating Frequencies / Intuitive Synthesis, Chris Watson – El Tran Fantasma, Noisear – Subvert The Dominant Paradigm, Rotten Sound – Cursed, Altar Of Plagues – Mammal, Autechre – EPs 1991 - 2002, The Jesus Lizard – Club, Thee Oh Sees – Carrion Crawler/The Dream EP, Generation Of Vipers – Howl And Filth, The Ames Room – Bird Dies…***

Vous êtes encore là ? C’est bien. Pourtant les listes c’est chiant. Et si votre album préféré de votre groupe fétiche ne figure pas dans cette liste, sachez que ce n’est pas très grave non plus. Je m’en remettrai et vous aussi.

* le numéro 8 de (new) Noise mag devrait être en kiosque à la fin de la semaine prochaine.

** oui, je sais : certains de ces disques datent en fait de la fin de l’année 2010…

*** la plupart des disques ci-dessus ont déjà été chroniqués sur 666rpm et les autres le seront éventuellement dans un futur plus ou moins proche

Thee Oh Sees / Carrion Crawler - The Dream

2012-01-06T00:07:00.013+01:00

L’histoire continue : après avoir publié un Castlemania plutôt en demi-teinte au printemps 2011, Thee Oh Sees ont remis ça dès le mois de novembre de la même année avec un « EP » de dix titres intitulé Carrion Crawler / The Dream, toujours sur le label de prédilection du groupe, In The Red. Le constat est très simple et sans appel : autant John Dwyer et Thee Oh Sees peuvent se révéler extrêmement irritants dès qu’ils se mettent à minauder et à chichiter (Castlemania donc), autant le groupe est toujours capable à l’occasion de retrouver ses bons vieux réflexes suintants garage punk. C’est exactement le cas de Carrion Crawler / The Dream qui en fait a tout de l’album, avec ses 40 minutes de (presque) sauvagerie sixties et sa collection impeccable/implacable de tubes psychédéliques et hystériques.

Entendons-nous bien : Thee Oh Sees sont vraiment très loin d’être le meilleur groupe du monde – et d’ailleurs, qu’est-ce que cela signifie « le meilleur groupe du monde » ? – mais voilà l’un des rares groupes capables de pomper ouvertement et sans vergogne dans un passé musical ultra référencé sans pour cela avoir besoin de faire appel à la nostalgie rance ou donner dans le revival frelaté et postmoderne. Ecouter Carrion Crawler / The Dream de Thee Oh Sees c’est à la fois comme si vous étiez en plein dans ces années sixties garage et psychédélique américaines (on parle bien des années 60 du 20^ème siècle et on rappelle à toutes fins utiles que désormais nous sommes ancrés dans le 21^ème) et en même temps c'est comme si vous n’y étiez pas non plus, ou alors vous seriez en train de découvrir un groupe d’époque mais sonnant encore mieux que tous ceux de l’époque en question, un groupe dont vous n’aviez jamais entendu parler jusqu’à maintenant.

Hormis un puissant instrumental (Chem-Farmer) et une excellente pochade quasi instrumentale (Wrong Idea), Carrion Crawler / The Dream comporte huit autres titres, chantés, balancés frénétiquement avec une rage juvénile et, semble-t-il, non feinte. John Dwyer chante toujours sur l’écrasante majorité des titres mais donne plus de liberté de paroles à Mademoiselle Brigid Dawson et surtout, même si sa voix est toujours reconnaissable entre mille, il ne s’adonne que très raisonnablement à son horrible péché mignon, le chant nasillard à outrances – on note par contre que dans leur ensemble les voix sont toujours aussi judicieusement plongées dans la reverb et on s’en réjouit. Mais ce qui frappe réellement le plus à l’écoute de Carrion Crawler / The Dream ce sont les deux tiers de titres rapides, appuyés par des lignes de basse d’une fluidité et d’une efficacité maniaques – on compte seulement deux ou trois compositions ralenties mais elles sont très loin de démériter, véritablement tubesques elles aussi, à commencer par la première d’entre elles, Carrion Crawler.

Dernier point fort du disque et non des moindres, ces solos de guitare qui entrelardent de partout, dans tous les sens, à chaque instant. Carrion Crawler / The Dream en déborde, ils colorent les deux faces du disque d’une folie jubilatoire que jusqu’ici on n’avait guère entendue à un tel niveau chez Thee Oh Sees. Une folie et un plaisir qui font définitivement toute la différence et on ne se remet que difficilement de tant d’entrain et d’aisance. Carrion Crawler / The Dream défile avec une intransigeance et une impétuosité vivifiante pour s’imposer comme l’un des tout meilleurs disques de John Dwyer avec Thee Oh Sees.

Alva Noto / Univrs

2012-01-05T00:01:00.007+01:00

Univrs est quelque chose comme le huitième album solo d’Alva Noto à ce jour – on ne compte donc pas les multiples collaborations du musicien d’origine est-allemande ni tous les disques qu’il a enregistrés sous différents alias ou sous son vrai nom, Carstein Nicolai – et surtout Univrs est une excellente surprise. Le patron de Raster-Noton a de la ressource. Mieux que ça : Carsten Nicolai/Alva Noto s’impose définitivement comme le seul maitre à bord de ce courant aride et hyper cérébral au sein des musiques électroniques, courant difficile à nommer et qu’il a largement contribué à faire émerger il y a plus de dix ans dans le sillage du japonais Ryoji Ikeda. Mais aujourd’hui Ryoji Ikeda se concentre tout autant sur les sons que sur les images et ses derniers travaux, plus que jamais, ne semblent plus pouvoir se passer d’un accompagnement visuel à la démesure de sa musique segmentée et matricielle.

Alva Noto gagne au contraire et une nouvelle fois le pari difficile du home listening. Excellente compilation de musiques plutôt ambient (mais pas que) conçues pour des installations sonores ou autres évènements publiée en 2010 sur le label américain Line, For 2 se singularisait déjà par un étonnant confort d’écoute et une homogénéité grandissante malgré la diversité des matériaux collectés. Alors, lorsqu’un véritable album comme Univrs, pensé et enregistré en tant que tel, débarque enfin, plus de deux ans après Xerox Vol 2, on ne peut qu’acquiescer devant la science des séquences (alors qu’Alva Noto n’utilise pas de séquenceurs à proprement parler), des rythmes et des sons du musicien. Car Alva Noto s’est littéralement surpassé ici, tout en essayant de faire avancer les choses.

Bien sûr on connait à l’avance tous les ingrédients mis en œuvre et ajustés sur Univrs. Ces sons froids, ces fréquences grésillantes, ces constructions algorythmées, ces cliquetis accidentels, ces échos radar, ces ondes polaires… même le poète sonore Anne-James Chaton est à nouveau de la partie pour un Uni Acronym sur lequel il déclame de sa voix la plus neutre et robotique possible des acronymes de trois lettres, les énumérant absurdement en suivant l’ordre alphabétique et procédant par glissement, changeant une ou deux lettres sur trois à chaque fois et jouant ainsi avec la phonétique des sons comme il sait si bien le faire.

Univrs pourrait ainsi être le simple successeur en mode copier/coller de Unitxt, publié en 2008. Comme Unitxt, Univrs est avant une histoire de rythmes et de séquences hachées. Or Univrs, bien que gardant tout le côté froid de la musique d’Alva Noto, est un disque bien plus accessible. On osera même parler d’un disque presque dansant – la danse fracturée des blocs de glace, bien sûr – car les rythmes y sont toujours plus présents, très appuyés, formant des structures très évidentes et non plus des parois abruptes et infranchissables. Les compositions sont presque uniquement à base de rythmiques omniprésentes et implacables mais certaines jouent en parallèle bien que discrètement sur la profondeur des sons (Uni C, Uni Rc – à la limite de la techno minimale et avec la participation d’un certain Martin L. Gore –, le génial et tout aussi minimal Uni Dia, Uni Mode, Uni Syc ou Uni Pro), ce qui accentue encore plus le côté home listening et pénétrant du disque. Car Univrs a cette capacité à tout envahir, englober même tout ce qui nous entoure et provoquer des sensations enivrantes, posant comme unique repère central l’équilibre spatial entre rythmes et sons, les deux œuvrant pour une symbiose digitale et dans un même mouvement entre simplicité et complexité, immédiateté cinétique et exigence froide. Une magnifique architecture sonore, entre lumières filtrées et charpentes translucides.

Morse / self titled

2012-01-04T00:02:00.007+01:00

Enregistrés en 2010, les cinq titres de cette première démo de Morse ont été publiés seulement à l’été 2011 par le label Head records, à l’occasion de la participation du groupe au Yell Fest – c’était la première édition de ce festival, dotée d’une sacrée affiche réunissant quelques uns des groupes appartenant à la crème locale du hard core/metal et de la noise, jugez plutôt : Burne, Denizen, Membrane, Morse, Pal, Pord, Quartier Rouge, Sofy Major, Verdun et Xnoybis… Une première édition à laquelle le vieux reporter offshore et fatigué de 666rpm n’a malheureusement pas pu assister – on ne fait pas toujours ce que l’on veut dans la vie – mais rendez-vous est pris pour la prochaine.

Trêve de regrets éternels, attardons-nous plutôt sur cette première démo qui est donc miraculeusement parvenue jusqu’à nos oreilles. Cinq titres, douze minutes, les montpelliérains ne font pas semblant et ne s’encombrent ni d’artifices ni de sophistication : le hard core de Morse va directement là où il faut aller, simplement et avec une efficacité redoutable, avec une rage qui ne laisse ni indifférent ni sceptique (à moins d’être un lecteur de Tsugi ou de Télérama). C’est à peine si quelques ralentissements pointent le bout de leur nez mais lorsqu’ils le font, comme sur Discontinous Circumpolar Distribution, c’est l’équarrissage à petit feu assuré. Ces quatre petits gars ont du mordant, voire même plus, car ils ne perdent par leur temps à (se) raconter des conneries et à faire les beaux.

Si on estime autant le travail du guitariste que celui du couple basse/batterie, on reconnait surtout que c’est le chanteur de Morse (un ancien Breathe Your Dirt) qui monopolise toutes les attentions : ce type est pire qu’un barbare ou un sauvage, c’est un véritable tueur sans pitié. L’entendre hurler est un vrai bonheur pour les sens. Et lorsqu’une deuxième voix se fait entendre sur le final de You’re Already Dead, c’est encore mieux… Cette deuxième voix c’est celle du bassiste, plus connu pour avoir tenu pendant de longues années le micro au sein des défunts Spinning Heads – on comprend alors mieux pourquoi l’association de ces deux chants nous électrise ainsi.

Avoir raté Morse au Yell Fest est une chose, mais sachez que le groupe, avant d’envisager l’enregistrement d’un premier véritable album, fera une tournée au mois de février prochain en compagnie de Verdun et passera donc sûrement pas trop loin de chez vous : pour les lyonnais ce sera le 18 février au bar des Capucins. On en reparlera bien sûr en temps voulu, avec beaucoup plus d’infos.

Le Dead Project / Keep On Living

2012-01-03T00:04:00.010+01:00

Allez, encore un retardataire : cet album du Dead Project date d’avant l’été 2011 et depuis on y est revenu plusieurs fois, toujours avec un certain plaisir car Keep On Living est un disque plein d’énergie, plein de vie et respecte le quota nécessaire et suffisant de trouvailles par composition. Encore une fois, l’idée n’est pas tant d’avoir inventé le feu que de savoir s’en servir correctement.

Nos Prométhées du jour viennent de Paris et ils ont décidé de se débrouiller vraiment tout seuls : leur album est une production D.I.Y avec juste l’aide des copains de Dingleberry records… Keep On Living sonne vraiment bien, le groupe a mis le paquet pour l’enregistrement (live et en prise directe et vraiment ça tue) et s’est payé les services d’Alan Douches pour le mastering : voilà un disque qui sonne bien comme il le faut et le hard core métallisé et chaotique du Dead Project ne s’avère que plus massif et efficace.

On apprécie tout particulièrement le début du disque avec ce Rotten Words (sans doute le meilleur titre de l’album, à égalité avec le furieux The Sound As The Wind Blows ?) et qui vous accroche immédiatement. Le Dead Project c’est un mélange de sophistication et de bourrinage bien répartis et bien placés, le groupe fouille toujours un peu plus profondément dans la bonne direction pour rendre sa musique plus accrocheuse et toujours plus vive. Built To Spill arrive immédiatement après et cette guitare jouée au bottleneck est une vraie surprise, ce titre possède une couleur particulière par rapport au neuf autres de l’album, couleur qui ne sera donc pas répétée ailleurs comme un vulgaire gimmick. Mais cela permet de comprendre un peu comment fonctionnent les guitares dans Le Dead Project : il y a de nombreux passages où elles marchent main dans la main, droit au but, direct dans la tête mais il y a aussi ces nombreux plans où l’une d’entre elles se met à tricoter dans son coin, jouant avec une certain perversité – dommage peut être que ce côté plus alambiqué n’ait pas été mis plus en avant dans le mix… mais cela permet pendant ce temps là de se focaliser davantage sur les lignes de basse de malade qui parcourent tout l’album – un mal pour un bien, donc.

Le Dead Project a essayé également de varier les voix : il y a un chant principal très bien en place, il y a deux autres chants secondaires qui l’épaulent, et on trouve aussi quelques parties où l’agressivité des voix est un peu mise en sourdine, où l’aiguille des vumètres quitte le rouge, oui appelons ça un côté plus « mélodieux » voire trop sérieusement emphatique. Certains pourraient déplorer cette diversification du chant, cette volonté de le rendre parfois plus acceptable pour le commun des oreilles – tout est relatif bien sûr –, pensant que cela va à l’encontre d’une musique au contraire constamment tendue et/ou en position de tir à boulets rouges. Il est vrai que des voix systématiquement écorchées et ne tentant pas de jouer parfois dans le registre chœurs de hooligans auraient pu convaincre encore plus (mais, cela n’empêche pas un titre tel que In And Out d’être particulièrement réussi, loin de là).

On se rend parfaitement compte que ce jeu sur la complémentarité/diversification vocale est l’une des principales marques de fabrique de la musique du Dead Project et on a fini par s’y soumettre, malgré le côté parfois systématique des alternances – peut être aurait-il tout simplement fallu, à la différence des guitares, mettre celles-ci un peu plus en retrait dans le mix ? Mais qu’importe : quand un groupe est capable de composer des brûlots tels que Keep On Living, dernier titre tellurique de l’album, on n’en attend désormais plus qu’une seule chose, qu’il aille encore plus loin dans ce sens la prochaine fois, tout en étant persuadé qu’il apprendra à utiliser et à maîtriser toujours plus ce difficile travail à base de trois chants différents.

Le Dead Project a publié son album uniquement en vinyle rouge. Il n’y a pas d’édition CD. Par contre Keep On Living est en écoute intégrale et même en téléchargement libre sur la page bandcamp du groupe. Vous y trouverez aussi la liste des principaux labels ou distros auprès de qui le disque est disponible dans sa version pour de vrai et en dur.

Alkalys / A Pack Of Lies

2012-01-02T00:05:00.036+01:00

Nous y voilà donc pour de vrai en 2012. Il va s’en dire que nombre de disques publiés pendant l’année 2011 n’ont pas encore été chroniqués ici – manque de temps, paresse, procrastination, pots de vin insuffisants ou mépris intolérable sont les principales raisons de tous ces manquements – mais il n’est jamais trop tard. Oui, il n’est jamais trop tard pour parler d’un disque et d’un groupe dont on pense qu’ils en valent la peine. C’est donc Alkalys qui va avoir droit aux honneurs de la première chronique (de rattrapage) de l’année.

Pourquoi ? Alkalys est un groupe que l’on pourrait qualifier de « post hard core » – je ne pense pas que ces jeunes gens s’en cachent particulièrement. On aurait plutôt pu choisir de vous parler ici du 75^ème groupe de ce prétendu revival noise rock qui nous trique comme lorsqu’on était gamins, on aurait pu préférer la nouvelle sensation black expérimental de la mort ou la quatrième génération de descendants des groupes de drone doom mais, non, on a opté pour un groupe originaire de Haute Normandie et qui fait, donc et très précisément, du post hard core. A cela il y a au moins trois raisons : premièrement, malgré d’incessantes railleries à propos de ce genre fut un temps largement surévalué, on aime bien ça, le post hard core, à condition que la qualité soit présente… Ce qui nous amène à la deuxième raison : avec A Pack Of Lies, la qualité est précisément au rendez-vous. Enfin, troisièmement : c’est si bon de se faire l’avocat du diable lorsque le premier pitre venu est capable de vous descendre un disque avec la seule bonne raison de détester le genre dans lequel le groupe officie – oui c’est, avouons-le, un exercice dans lequel le comité Rédactionnel & Propagande de 666rpm excelle également à l’occasion, non sans une certaine complaisance, d’ailleurs.

Donc, si tu n’aimes pas ce genre qu'il est de bon ton de détester, ami lecteur et ennemi patenté du mauvais goût, ce n’est pas la peine de lire ce qui va suivre à propos d’Alkalys et de son troisième album, A Pack Of Lies. Si au contraire tu n’as aucun a priori rétrograde et invalidant, et bien rien ne t’empêche d’aller écouter par toi-même. On aura alors compris que l’originalité n’est pas donc la principale vertu d’Alkalys mais son absence n’est pas non plus le principal défaut d’un disque qui se place aisément dans les tranches supérieures du sandwich d’amour post hard core.

Puisqu’on nous réclame toujours à corps et à cris quelques éléments de comparaison, on citera volontiers à propos de la musique d’Alkalys celle des norvégiens de Cult Of Luna*, surtout dans cette façon très massive de s’imposer sans avoir recours à trop de lyrisme et d’alterner nombre de passages atmosphériques éloignés de toute mièvrerie (qui est le principal défaut de trop de groupes du genre, à commencer par Isis sur ses albums post Oceanic). Alkalys nous épargne également toute tentative de chant clair et on les en remercie chaleureusement : les cris gutturaux** qui au contraire parsèment avec parcimonie les cinq compositions d’A Pack Of Lies arrivent toujours au bon moment, n’en rajoutent jamais trop et sont toujours au service d’une musique lourdement rampante et étagée avec un certain talent. On apprécie également énormément la trompette qui rehausse Inferno Black Cloud d’un parfum inhabituel.

Alkalys n’est donc pas le groupe qui va révolutionner votre façon d’appréhender la musique : tout ce passe au contraire au niveau de ressenti, du dynamisme sombre et de l’énergie inexorable déployés par un groupe au caractère convaincu et qui sait également se donner les moyens d’être convaincant. A Pack Of Lies est en outre emballé dans un très beau digipak (avec poster) et a été publié par Basement Apes Industries. Du même groupe on ne peut également que vous conseiller le deuxième album, Choeur Delys, ne serait-ce que pour ce Main Courante, un titre vraiment magnifique avec des sonorités dont on finit par ne pas savoir s’il s’agit d’une guitare en mode éplorée ou de l’intervention d’un violon électrique.

* et non, je fais exprès de ne pas citer Neurosis, lesquels viennent d’ailleurs d’annoncer qu’ils étaient de retour en studio avec Steve Albini pour enregistrer un nouvel album
** trois invités se partagent le chant : la formation initiale d’A1lkalys consiste en un trio guitare/basse/batterie et de fait sa musique est majoritairement instrumentale

C'est 2012 et on s'emmerde

2012-01-01T00:00:00.001+01:00

Et oui, déjà une nouvelle année qui s’achève et une autre qui commence mais on est toujours là, vivants, agonisants ou fatalistes – je ne sais pas.

666rpm repart également (mais en chevrotant) pour une nouvelle tournée générale de chroniques, de reports et de photos floues… On va se borner à parler uniquement musique mais avouez qu’elle ne fait pas bien envie, cette nouvelle année 2012… C’est pour cela que l’on a mis juste au dessus cette formidable affiche signée Seb Radix, une affiche que le monsieur a imaginé en guise de soutien à la cause des petites salles de concert lyonnaises qui en bavent sacrément en ce moment. Tout est là, vous n’avez que lire*.

A demain. On vous promet du très lourd pour ~~bien~~ ~~mal~~ ~~et merde~~ commencer cette nouvelle année.

* ici, là et puis le début de ça.

Pop.1280 / The Grid EP

2011-12-31T00:04:00.003+01:00

Allez, pour en finir rapidement avec cette formidable année 2011, parlons un peu d’un disque paru à l’automne 2010 – on n’est plus à une contradiction près – sur un label qui a réussi à faire beaucoup parler de lui en publiant des disques décevants (The Men), dispensables (Slug Guts) ou bien même des disques dont on a carrément rien à faire ici (Zola Jesus), j’ai nommé Sacred Bones records.

Le disque en question est le Grid EP de Pop.1280 et si j’en parle maintenant c’est pour trois raisons essentielles : premièrement ce maxi de six titres me donne presque envie de remuer mon popotin ce qui, les années passant et les kilos n’aidant pas, relèverait presque de l’exploit ; deuxièmement, en dépit de son côté vas-y comme je te pousse, The Grid EP se révèle être un bon petit disque, certes plus récréatif et divertissant qu’attachant ; troisièmement et conséquence logique de tout ça, Pop.1280 et The Grid EP donnent enfin un semblant d’intérêt au catalogue tristounet de Sacred Bones, il était temps.

Mais commençons par le début et le début c’est ce titre inaugural qui ouvre magistralement la première face, la machine à recourber les bananes Step Into The Grid, son rythme martelé mais dansant (quand on est un robot normalement constitué comme tout le monde), sa guitare post punk qui fait un tout petit peu mal aux oreilles, sa ligne de synthé presque inoubliable qui donne envie d’emballer autre chose que des moules marinières en papillotes et son chant à mi chemin entre l’arrogance fatiguée d’un ébouriffé en fin de ligne de coke et la morgue un brin mordante du crooner qui aimerait bien aller se coucher. Ce chant c’est le principal problème de Pop.1280 : il est efficace mais à la longue il endort un peu, car trop systématique, comme sur Redtube, titre pénible et un rien plombant mais fort heureusement seule exception du disque.

Même dans ses moments les moins bons Pop.1280 ferait passer un groupe comme Frustration pour ce qu’il est réellement, c'est à dire un groupe de tacherons en tenue de travail et The Grid EP, en débit donc de quelques baisses de régime, ne fait pas que lancer quelques promesses en l’air pour attendre qu’elles retombent au sol comme des gros paquets de merde : Pop.1280 pourrait bien être ce que l’on appelle un groupe prometteur, pouvant générer un certain succès d’estime chez les hipsters de l’underground avant que les ayatollahs du bon goût sans saveur ne reprennent le dossier.

Depuis ce disque Pop.1280 a publié un single chez Blind Prophet records, deux titres encore meilleurs que les six de The Grid EP réunis, surtout la face B, dotée d’un Dead Hand très menaçant et presque sale. Il ne faudra pas attendre très longtemps pour savoir si Pop.1280 continuera dans cette veine plus dangereuse ou au contraire ira encore plus loin que Step Into The Grid dans le frenetic dancing : on peut dores et déjà écouter sur internet Bodies In The Dune, un titre de The Horror, le premier album longue durée que Pop.1280 s’apprête à publier en janvier 2012, toujours sur Sacred Bones. Le suspens est insoutenable.